Introducere

PE. Rimski-Korsakov (1844-1908) remarcabil compozitor rus, profesor, dirijor, personalitate publică, critic muzical.

În opera sa, compozitorul a urmat constant tradițiile fondatorului școlii de muzică clasică rusă, M.I. Glinka, dezvoltându-le și actualizându-le. Nikolai Andreevici a fost un artist profund național și cuvintele pe care le-a exprimat: „...muzica nu există în afara naționalității...” confirmă acest lucru.

Viziunea asupra lumii și credințele artistice ale lui Rimski-Korsakov s-au dezvoltat în epoca mișcării de eliberare din anii 60, în rândul intelectualității ruse avansate, cărora le-a rămas credincios ideilor progresiste până la sfârșitul vieții. Pedagog-democrat, umanist, patriot, Nikolai Andreevici a luptat neobosit pentru arta rusă avansată. Integritatea, voința puternică, conștiința estetică înaltă, perseverența în muncă și lupta pentru convingerile sale i-au caracterizat activitățile cu mai multe fațete.

Moștenirea creativă a N.A. Rimski-Korsakov pe larg. Include 15 opere, cantate, romante, lucrări pentru cor, simfonii și picturi simfonice. Creativitatea operatică este cea mai profundă și viu reprezentată parte a moștenirii compozitorului său.

Scopul lucrării de curs este de a lua în considerare imaginile feminine în lucrările lui N.A. Rimski - Korsakov. Pe baza acestui obiectiv, putem evidenția sarcinile stabilite în munca de curs:

1. Studiați opera lui Nikolai Andreevich Rimsky - Korsakov.

2. Analiza imaginilor feminine în lucrările lui N.A. Rimski-Korsakov.

Obiectul de studiu al lucrării de curs este opera și lucrările simfonice ale lui Nikolai Andreevich Rimsky - Korsakov.

Subiectul cercetării în cadrul lucrării de curs îl constituie imagini feminine în lucrările lui N.A. Rimski-Korsakov.

Baza metodologică a cercetării în cadrul lucrării de curs au fost lucrările unor muzicologi de seamă și manualele de literatură muzicală rusă.

Creativitate N.A. Rimski-Korsakov

opera korsakov imagine feminin

PE. Rimsky-Korsakov ocupă un loc special în cultura muzicală rusă. Drumul său creativ a fost lung și a ținut mereu pasul cu vremurile, a fost întotdeauna un lider, o figură strălucitoare, extraordinară. Activitatea sa de creație a fost multifațetă, iar în fiecare domeniu a atins cote mari. Autorul unei uriașe moșteniri de compozitor; membru al „Mighty Handful” și lider al „Cercului Belyaev”; un profesor major, unul dintre primii profesori la Conservatorul din Sankt Petersburg; personalitate publică importantă (BMS, Singing Chapel, fanfare ale Departamentului Naval); conductor; autor de lucrări teoretice („Textbook of Harmony”, „Fundamentals of Orchestration”); editor de lucrări ale altor autori; folclorist

Opera lui Rimski-Korsakov a completat dezvoltarea clasicilor muzicali rusești în secolul al XIX-lea, evoluția genului de operă, muzică simfonică și vocală de cameră. În același timp, a marcat debutul unei noi etape istorice, deja la începutul secolului XX. Rimski-Korsakov a fost unul dintre purtătorii și creatorii tradiției vie, în continuă dezvoltare a artei ruse. Bazându-se pe straturile profunde ale culturii muzicale naționale și pe moștenirea lui Glinka și Dargomyzhsky, absorbind realizările contemporanilor săi, el a îmbogățit muzica rusă cu realizările artei europene avansate din secolul al XIX-lea. Cu lucrările sale și cu toate activitățile sale muzicale diverse, Rimski-Korsakov a afirmat importanța globală a culturii muzicale ruse.

Moștenirea compozitorului este foarte mare, acoperind aproape toate genurile:

Opere (15);

Lucrări simfonice: 3 simfonii, „Uvertură pe teme rusești”, tablou muzical „Sadko”, Suita simfonică „Antar”, fantezie pe teme sârbești, „Capriccio spaniol”, „Sheherazade”, concert pentru pian și orchestră etc.

Instrumental de cameră: cvartet de coarde, sextet, cvintet, piese pentru pian;

Vocal și instrumental: 3 cantate, coruri;

Vocal de cameră: 79 romanțe, duete și triouri;

Aranjamentele de cântece populare: 2 colecții - „100 de cântece populare rusești”, „40 de cântece populare rusești”.

AGENȚIA FEDERALĂ DE EDUCAȚIE

Instituție de învățământ de stat de învățământ profesional superior

Universitatea Pedagogică de Stat Rusă poartă numele. A.I. Herzen

FACULTATEA DE MUZICA

Departamentul de Educație și Educație Muzicală

Curs de istoria muzicii ruse

Creativitatea simfonică a lui N.A. Rimski-Korsakov

Efectuat

student anul 2

departamentul de seară

Kraineva Maria

Director stiintific

Verba Natalia Ivanovna

Sankt Petersburg 2010

Introducere

Acest subiect este relevant pentru că: moștenirea creativă a lui Rimsky-Korsakov este foarte mare. A scris un număr mare de compoziții în diverse genuri muzicale. Calea creativă a lui Rimsky-Korsakov acoperă o eră complexă, bogată și diversă de dezvoltare muzicală în Rusia. Muzica lui este iubită și admirată până astăzi.

Cine a scris despre compozitor: N. A. Rimsky-Korsakov, „Cronica vieții mele muzicale”, Moscova, „Muzica”, 1980; muzicologul Abram Akimovich Gozenpud într-un interviu revista de teatru din Petersburg (2002) a citat o scrisoare a lui Rimski-Korsakov în care își explică atitudinea față de propria sa opera; Maslov A., cântec popular rusesc în operele lui Rimski-Korsakov, „Muzică și viață”, 1909; Grachev P.V., Laitmotiv în operele lui Rimski-Korsakov, în cartea: De musica, vol. 3, L., 1927; Rushanov V. A., N. A. Rimski-Korsakov (1844-1908), L., 1928; Maggit S. D., Trăsături stilistice ale romanțelor de N. A. Rimsky-Korsakov, în colecția: Romantism rusesc, Experiența analizei intonației, ed. B.V.Asafieva, M.-L., 1930; Solovtsov A. A., N. A. Rimski-Korsakov, M., 1948, 1958; Solovtsov A., Opere simfonice ale lui Rimski-Korsakov, Moscova, Editura Muzicală de Stat, 1953; Kabalevsky D.B., Rimski-Korsakov și modernismul, „SM”, 1953, nr. 6-8; Berkov V. O., Manual de armonie de Rimski-Korsakov, M., 1953; Tretyakova L.S., Pagini de muzică rusă, Moscova, „Cunoașterea”, 1979; Ratskaya Ts., N.A. Rimski-Korsakov, Moscova, „Muzică”, 1958; Barsova L., Nikolai Andreevici Rimski-Korsakov, Leningrad, „Muzica”, 1986; Komissarskaya M.A., Muzica rusă a secolului al XIX-lea, Moscova, „Cunoașterea”, 1974; Keldysh Yu., Istoria muzicii ruse, Moscova-Leningrad, Editura Muzicală de Stat, 1947 (partea a 2-a); Rapatskaya L.A., Istoria muzicii ruse de la Rus' antic la „Epoca de argint”, Moscova, Vlados, 2001; Kobalevsky D.B., Ossovsky A.V., Tumanina N.V., Yankovsky M.O., Moștenirea muzicală. Rimski-Korsakov, Moscova, Editura Academiei de Științe a URSS, 1953; si multi alti autori.

Obiectul este opera simfonică a lui Rimski-Korsakov, subiectul este trăsăturile operei simfonice.

Scopul este de a lua în considerare și de a studia opera simfonică a lui N.A. Rimski-Korsakov.

Obiective: 1. Familiarizați-vă cu biografia lui Rimsky-Korsakov; 2. Studiază-i ideile principale, dă o descriere generală a creativității; 3. Familiarizați-vă cu conceptul de „simfonism clasic rusesc” și luați în considerare modalitățile de dezvoltare a muzicii simfonice rusești în secolul al XIX-lea; 4. Luați în considerare programul lucrărilor simfonice ale lui Rimski-Korsakov folosind exemplul tabloului muzical pentru orchestra simfonică „Sadko”, suita simfonică „Antar” și suita simfonică „Sheherazade”; 5. Luați în considerare lucrările simfonice care nu au un program publicat de autor folosind exemplul primei și a treia simfonii și „Capriccio pe teme spaniole”; 6. Luați în considerare uverturi, suite simfonice din opere și transcrieri ale scenelor de operă pentru o orchestră simfonică, folosind exemplul uverturii la operă „Noapte de mai”, suita simfonică din opera „Ciaia zăpezii” și suita din operă „ Noaptea de dinainte de Crăciun”; 7. Rezumați toate cele de mai sus și trageți o concluzie: care sunt trăsăturile operei simfonice a lui Rimski-Korsakov.

Structura lucrării: introducere, conținut (Partea 1 - Scurtă biografie, caracteristicile generale ale creativității și ideilor; Partea 2 - Creativitatea simfonică), concluzie, biografie, cuprins.

scurtă biografie

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (6 martie (18), 1844, Tikhvin, provincia Novgorod - 8 iunie (21), 1908, moșia Lyubensk, lângă Luga, provincia Sankt Petersburg) - compozitor rus, profesor, dirijor, persoană publică, muzică critic; reprezentant al „Mighty Handful”, a condus cercul Belyaevsky. Compozițiile sale includ 15 opere, 3 simfonii, lucrări simfonice, concerte instrumentale, cantate, muzică instrumentală de cameră, vocală și sacră.

Copilărie și tinerețe

Rimsky-Korsakov s-a născut în micul oraș Tikhvin. Tatăl compozitorului, Andrei Petrovici Rimski-Korsakov (1784-1862), a servit pentru o vreme ca viceguvernator Novgorod, iar apoi ca guvernator la Volyn, mama sa, Sofia Vasilievna, a fost fiica unei țărănci iobag și a unui bogat. proprietarul terenului Skaryatin, o femeie destul de educată. Fratele său mai mare, Voin Andreevich, contraamiral și reorganizator al sistemului de învățământ naval, a avut și el o influență puternică asupra viitorului compozitor. Casa familiei Rimski-Korsakov era situată pe malul râului Tikhvinka, vizavi de Mănăstirea Tikhvin Mare Bogoroditsky.

Compozitorul a învățat să cânte la pian acasă, iar apoi la un internat, unde lecțiile de muzică erau printre alte discipline de învățământ general. Se știe că din copilărie compozitorul a fost pasionat de muzică, a făcut cunoștință cu operele lui Rossini, Beethoven, Meyerbeer, Mendelssohn, dar muzica lui M. I. Glinka a făcut cea mai mare impresie asupra lui - „Kamarinskaya”, „Uverturi spaniole”, opera „O viață pentru țar” și „Ruslan și Lyudmila”. În 1859-1869, simțind nevoia de a dobândi mai multe abilități muzicale profesionale, Rimski-Korsakov a luat lecții de la pianistul F. A. Canille.

În 1856, tatăl său l-a dus pe tânărul Nikolai la Corpul Cadeților Navali, din care a absolvit cu onoare în primăvara anului 1862 (la vremea aceea instituția de învățământ și-a schimbat numele în Școala Navală). Până atunci, tatăl compozitorului murise (în 1861), iar familia Rimski-Korsakov s-a mutat la Sankt Petersburg.

Întâlnire cu Balakirev, serviciu pe Almaz

În 1861, Canille l-a prezentat lui M. A. Balakirev pe N. A. Rimski-Korsakov. Tânărul compozitor a devenit imediat membru al cercului Balakirev („Mâna puternică”), care a avut o influență decisivă asupra formării personalității sale și a opiniilor estetice asupra compozitorului. În acel moment, cercul, pe lângă capul său - Balakirev - și însuși Rimski-Korsakov, includea pe Caesar Cui și Modest Mussorgsky. Balakirev, care a supravegheat munca colegilor săi mai tineri, nu numai că a sugerat soluțiile de compoziție potrivite pentru lucrările pe care le-au creat, dar și-a ajutat și camarazii cu instrumente.

În 1862-1865, Rimsky-Korsakov a fost repartizat în serviciul naval pe mașina Almaz, datorită căruia a vizitat o serie de țări - Anglia, Norvegia, Polonia, Franța, Italia, Spania, SUA, Brazilia. Impresii ale vieții marine au fost întruchipate după ceva timp în peisaje maritime uimitoare, pe care a reușit să le surprindă în lucrările sale folosind culori orchestrale. Lucrul pe o navă clipper nu a lăsat mult timp pentru îmbunătățirea abilităților muzicale, așa că singura lucrare care a apărut din stiloul compozitorului în această perioadă a fost a doua mișcare (Andante) a Simfoniei I (sfârșitul anului 1862), după care Rimski-Korsakov a abandonat. compunand mult timp.

Compozitor simfonic Rim Korsakov

Anii 70, 80, 90 de viață creativă

Din anii 70 Granițele activității muzicale a lui Rimski-Korsakov s-au extins: a fost profesor la Conservatorul din Sankt Petersburg (din 1871, cursuri de compoziție practică, instrumentație, orchestrală), inspector de fanfare al Departamentului Naval (1873-84), director de Școala de Muzică Liberă (1874-1881), dirijor de concerte simfonice (din 1874) și, ulterior, spectacole de operă, asistent director al Capelei de Cânt al Curții (1883-94), a condus Cercul Belyaevsky (din 1882). La mijlocul anilor '70. a lucrat pentru a-și îmbunătăți tehnica compozițională. În această perioadă, în 1871, a fost invitat să predea la Conservatorul din Sankt Petersburg, cu acordarea titlului academic de profesor; și, după ce a început să predea la Conservator, Rimski-Korsakov descoperă neajunsuri serioase în educația sa muzicală și el însuși începe să studieze cu entuziasm disciplinele predate la Conservator.

Rimski-Korsakov a scris despre numirea sa ca profesor la conservator astfel: „În vara anului 1871, s-a întâmplat un eveniment important în viața mea muzicală. Într-o bună zi, a venit să mă vadă Azanchevsky, care tocmai preluase postul de director al Conservatorului din Sankt Petersburg în locul lui N.I.Zaremba, care se pensionase. Spre surprinderea mea, m-a invitat să intru la conservator ca profesor de compoziție practică și instrumentație, precum și ca profesor, i.e. conducător, orchestră”. [N. Rimski-Korsakov „Cronica vieții mele muzicale”, Moscova, „Muzica”, 1980, p. 93]

În anii 80 a acordat o mare atenție genurilor simfonice; în această perioadă și-a creat cea mai mare pânză simfonică epică - suita simfonică „Sheherazade”.

La începutul anilor 90. a existat o oarecare scădere a activității creative (în această perioadă a studiat filosofia, a scris articole, a revizuit și a editat unele dintre lucrările sale anterioare). În a doua jumătate a anilor '90. creativitatea a căpătat o intensitate excepțională: au apărut operele „Sadko” (1896) și „Mireasa țarului” (după mai 1898). În timpul Revoluției din 1905-07, Rimski-Korsakov a susținut activ revendicările studenților greviști și a condamnat deschis acțiunile administrației reacționare a Conservatorului din Sankt Petersburg (a fost concediat din conservator, revenind abia după ce conservatorul i s-a acordat parțial drepturi autonome și o schimbare de conducere). Rimski-Korsakov a murit la 11 iunie 1908 din cauza unei paralizii cardiace. A fost înmormântat la cimitirul Novodevichy din Sankt Petersburg.

Caracteristici generale ale creativității și ideilor

De-a lungul multor ani de activitate (peste 40 de ani), opera lui Rimski-Korsakov a suferit modificări, reflectând nevoile vremii; atât viziunile estetice ale compozitorului, cât și stilul său au evoluat. Rimsky-Korsakov s-a dezvoltat ca muzician în atmosfera de ascensiune socială a anilor '60. sub influența principiilor estetice ale „Noii Școli de Muzică Rusă”. Cea mai importantă dintre ele - dorința de naționalitate, conținut ridicat și semnificație socială a artei - compozitorul a purtat-o ​​de-a lungul vieții. În același timp, el era mai interesat de problemele interne specifice ale artei decât alți membri ai cercului Balakirev. Rimsky-Korsakov se caracterizează prin identificarea principiului estetic în fiecare lucrare, dorința de frumos și perfecțiunea execuției. Prin urmare, o atenție deosebită acordată problemelor de profesionalism și o estetică unică a măiestriei, care a adus principiile lui Rimsky-Korsakov mai aproape de tendințele generale în dezvoltarea artei ruse de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. În apariția creativă a lui Rimsky-Korsakov există multe asemănări cu M. I. Glinka. În primul rând - o viziune armonioasă asupra lumii, echilibru intern, artă subtilă, gust impecabil, simțul proporției artistice, claritatea clasică a gândirii muzicale.

Gama de teme și intrigi întruchipate de Rimsky-Korsakov este largă și variată. La fel ca toți „kuciștii”, compozitorul s-a îndreptat către istoria rusă, imagini ale vieții populare, imagini ale Orientului; a atins, de asemenea, domeniul dramei de zi cu zi și sfera lirico-psihologică. Dar talentul lui Rimski-Korsakov a fost dezvăluit cel mai pe deplin în lucrări legate de lumea fanteziei și diferite forme de artă populară rusă. Un basm, o legendă, o epopee, un mit, un ritual determină nu numai tema, ci și semnificația ideologică a majorității operelor sale. Dezvăluind subtextul filozofic al genurilor folclorice, Rimski-Korsakov dezvăluie viziunea asupra lumii a oamenilor: visul lor etern de o viață mai bună, de fericire, întruchipată în imaginile țărilor și orașelor strălucitoare de basm (regatul lui Berendey în „Crăiasa Zăpezii”. , orașul Lollipop în „Povestea țarului Saltan”, Marele Kitezh); idealurile sale morale și estetice, personificate, pe de o parte, de eroinele captivant de pure și blânde ale operelor (Prițesa din „Kashchei Nemuritorul”, Fevronia), pe de altă parte, de cântăreți legendari (Lel, Sadko), aceste simboluri. a artei populare nestingherite; admirația lui pentru puterea dătătoare de viață și frumusețea veșnică a naturii; în cele din urmă, credința ineradicabilă a oamenilor în triumful forțelor luminii, dreptății și bunătății este sursa optimismului inerentă lucrării lui Rimski-Korsakov.

Atitudinea lui Rimski-Korsakov față de ceea ce descrie este, de asemenea, asemănătoare cu arta populară. Potrivit lui B.V. Asafiev, „...între sentimentul personal al compozitorului și obiectul operei sale există un frumos mediastin: cum gândesc oamenii despre asta și cum și-ar întruchipa gândul despre asta?...”. O astfel de detașare a poziției autorului a determinat obiectivitatea tonului caracteristică lui Rimski-Korsakov și predominanța principiilor epice ale dramaturgiei în majoritatea operelor sale. De aceasta se leagă și trăsăturile specifice ale versurilor sale, mereu sincere și în același timp lipsite de tensiune emoțională - calm, integral și oarecum contemplativ.

Opera lui Rimski-Korsakov combină în mod organic încrederea în folclorul muzical rus (în principal straturile sale cele mai vechi) și pe tradițiile clasicilor naționali (Glinka) cu dezvoltarea pe scară largă a tendințelor picturale și coloristice ale artei romantice, ordinea și echilibrul tuturor elementelor limbaj muzical. Compozitorul introduce în operele sale cântece populare autentice și își creează propriile melodii în spiritul celor populare. (Deosebit de tipice pentru el sunt temele diatonice arhaizate în metri impare complexe, cum ar fi refrenul final din „The Snow Maiden” din 11/4). Intonațiile cântecelor colorează, de asemenea, muzica melodică lirică (în mare parte operică) a lui Rimski-Korsakov. Dar, spre deosebire de temele populare, se caracterizează mai mult prin completitudine structurală, disecție internă și repetarea periodică a legăturilor motivice. Tipic pentru Rimski-Korsakov sunt melodiile emoționante, bogat ornamentate, de natură instrumentală, adesea introduse în părțile vocale ale personajelor de operă fantastică (Volhova, Prințesa Lebedelor).

Dezvoltarea materialului tematic în Rimsky-Korsakov nu duce de obicei la transformări intonaționale fundamentale. La fel ca toți artiștii „kuchka”, compozitorul folosește pe scară largă și variat tehnici variaționale, completându-le cu polifonie - adesea subvocală, dar adesea imitativă.

Gândirea armonică a lui Rimsky-Korsakov se distinge printr-o logică strictă și claritate și există un sentiment de organizare rațională în ea. Astfel, utilizarea modurilor diatonice naturale, provenite din stilul cântecului țărănesc rus și principiile lui Balakirev ale procesării sale, este de obicei combinată de Rimsky-Korsakov cu o simplă armonizare triadică și utilizarea acordurilor de grade secundare. Contribuția compozitorului la dezvoltarea posibilităților coloristice de armonie este semnificativă. Bazat pe tradițiile lui „Ruslan și Lyudmila”, el a creat până la mijlocul anilor '90. sistemul său de mijloace mod-armonice (asociat, în primul rând, cu sfera imaginilor fantastice), care se bazează pe moduri complexe: mărit, înlănțuit și mai ales micșorat, cu o scară caracteristică ton-semiton, așa-numitul „Rimsky”. -Scara Korsakov”.

Tendințele coloristice se manifestă și în orchestrație, pe care Rimski-Korsakov a considerat-o parte integrantă a conceptului („unul dintre aspectele sufletului” ale operei). El introduce numeroase solo-uri instrumentale în partituri și, urmând preceptele lui Glinka, preferă sunetele timbrelor pure culorilor groase amestecate. Strălucirea și strălucirea virtuozală a orchestrei sale sunt combinate cu transparența și ușurința texturii, remarcate prin claritatea impecabilă a performanței vocale.

Semnificația culturală și istorică a activităților editoriale ale lui Rimski-Korsakov a fost mare, datorită cărora au fost publicate și interpretate multe capodopere ale muzicii ruse.Rimski-Korsakov a pregătit de două ori partiturile de operă ale lui Glinka pentru publicare (împreună cu Balakirev și Lyadov, 1877-81; cu Glazunov , pentru aniversarea a 100 de ani de la nașterea lui Glinka, 1904). A orchestrat de două ori „Oaspetele de piatră” de Dargomyzhsky (1870 și 1897-1902). Împreună cu Glazunov, a completat, editat și parțial orchestrat prințul Igor (1887-90) și a instrumentalizat o serie de romane ale lui Borodin. Aproape întreaga moștenire creativă a lui Mussorgski a fost supusă procesării editoriale a lui Rimski-Korsakov: el a completat, editat și orchestrat „Khovanshchina” (1881-83), a realizat propria ediție și orchestrare a „Boris Godunov” (1895-96, completată în 1906), precum și prelucrarea liberă și orchestrarea ediției filmului simfonic „Noapte pe munte chel” (1886), montat și orchestrat o serie de fragmente din opera neterminată „Salambo”, piese simfonice (Intermezzo, Scherzo), coruri . Rimski-Korsakov a pregătit pentru publicare manuscrisul „Căsătoria” (1906) și majoritatea lucrărilor vocale de cameră (mai multe dintre ele instrumentale). Această opera enormă, care a contribuit la promovarea operei lui Mussorgski, nu este lipsită de contradicții interne, deoarece edițiile realizate de Rimski-Korsakov poartă o amprentă profundă a personalității, vederilor estetice și gusturilor compozitorului său. Ca urmare, trăsăturile caracteristice ale stilului lui Mussorgsky (în primul rând intonația, modal, armonic) au suferit modificări semnificative.

Un rol remarcabil în dezvoltarea culturii muzicale ruse îi revine lui Rimski-Korsakov, un profesor care l-a pregătit pe St. 200 de compozitori, dirijori, muzicologi. El a fost creatorul unei școli de compoziție. Printre elevii săi se numără A.K. Glazunov, A. K. Lyadov, A. S. Arensky, M. M. Ippolitov-Ivanov, I. F. Stravinsky, N. N. Cherepnin, A. T. Grechaninov, V. A. Zolotarev, N. Ya. Myaskovsky, S S. Prokofiev, M. F. Gnesin, B. V. V. A. Asafi V. V. Rimsky-Korsakov a avut o contribuție semnificativă la dezvoltarea culturii muzicale a popoarelor Rusiei. Mulți dintre elevii săi au devenit figuri proeminente în școlile naționale de muzică - Ucraina (N.V. Lysenko, Y.S. Stenova, F.S. Akimenko), Letonia (A.A. Yuryan, J. Vitol, E. Melngailis), Estonia (R.I. Tobias, A.Y. Kapp), Lituania (K.M. Galkauskas), Armenia (M.G. Ekmalyan, A.A. Spendiarov), Georgia (M.A. Balanchivadze). Rimski-Korsakov a acordat o mare atenție organizării procesului de învățământ: a scris articolele „Despre educația muzicală” (1892), „Proiect pentru transformarea programului de teorie muzicală și compoziție practică în conservatoare” (1901). O generalizare parțială a vastei experiențe pedagogice a lui Rimski-Korsakov au fost manualele pe care le-a creat: „Manualul armoniei” (părțile 1-2, 1884-85; transformat în „Manualul practic al armoniei”, 1886) și „Fundamentals of Orchestration” (1908). , ed. 1913). Printre operele literare ale lui Rimski-Korsakov se remarcă o recenzie a operei lui Napravnik „Nizhegorodtsy” (1869), un articol „Wagner și Dargomyzhsky” (1892) și o analiză a operei „Făiața zăpezii”. Cel mai valoros material despre istoria culturii muzicale ruse din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. conține cartea sa autobiografică „Cronica vieții mele muzicale” (1876-1906, publicată în 1909), care a contribuit la conștientizarea de către autor a propriului său drum creator.

Spectacolele lui Rimski-Korsakov ca dirijor au avut o valoare educațională inestimabilă. În concertele Școlii de Muzică Liberă, Societății de Muzică Rusă, „Concerte Simfonice Ruse”, a promovat lucrările clasicilor ruși, opera compozitorilor „Mighty Handful”, lucrări ale contemporanilor săi - Glazunov, P. I. Ceaikovski, S. I. Taneyev, S. V. Rahmaninov, etc. Activitățile multifațete ale lui Rimski-Korsakov au lăsat o amprentă profundă asupra istoriei culturii muzicale mondiale. Opera sa a influențat nu numai compozitorii autohtoni (Glazunov, Lyadov, Spendiarov, Stravinsky, Prokofiev), ci a influențat semnificativ și muzica vest-europeană (C. Debussy, M. Ravel, O. Respighi, A. Bax). În 1944, în legătură cu aniversarea a 100 de ani de la nașterea lui Rimski-Korsakov, a fost deschisă o casă muzeu în patria compozitorului în Tikhvin, iar în 1971 la Leningrad - un muzeu de apartamente (în apartamentul în care compozitorul a petrecut ultimii 15 ani ). Numele de Rimski-Korsakov a fost dat Conservatorului din Leningrad; în fața clădirii a fost ridicat un monument al lui Rimski-Korsakov de sculptorii V. Ya. Bogolyubov și V. I. Ingal (1952).

Creativitate simfonică. simfonie clasică rusă

Una dintre cele mai importante trăsături ale simfonismului clasic rus este că genurile simfonice din Rusia, deja la stadiul incipient al dezvoltării lor, aveau o orientare democratică. Această originalitate remarcabilă a simfoniei ruse a fost determinată de întregul curs al dezvoltării socio-istorice a Rusiei.

De la începutul anilor 60 ai secolului al XIX-lea, o nouă etapă semnificativă a apărut în istoria simfonismului clasic rus. Adepții lui Glinka - compozitorii Kuchka și Ceaikovski, îndeplinind poruncile marelui „profesor”, au reușit să ridice muzica simfonică rusă la o astfel de înălțime încât i-a asigurat un loc onorabil în dezvoltarea simfoniei mondiale.

Înflorirea strălucitoare a simfonismului clasic rus a fost stimulată de o atmosferă de înaltă ridicare socială. Sub influența ideilor democratice revoluționare avansate, compozitorii ruși ai secolului trecut au urmat în opera lor simfonică, precum și în alte genuri, înaltele principii estetice ale realismului și naționalismului; au abordat constant problemele vii ale timpului nostru.

Un foarte indicativ al simfonismului rus în perioada clasică a dezvoltării sale a fost uimitoarea sa diversitate de gen. Aici puteți găsi o simfonie care a avut o tradiție îndelungată, care a primit o apariție nouă, originală pe pământul rusesc, și uverturi simfonice colorate, suite, fantezii simfonice în program, poezii, picturi și concerte instrumentale de diferite tipuri. Această bogăție de gen a muzicii simfonice rusești s-a datorat dorinței compozitorilor clasici pentru o afișare largă a fenomenelor realității, pentru o afișare cu mai multe fațete a vieții oamenilor, pentru o întruchipare figurativă și concretă a temei naționale.

Aspirațiile realiste, democratice ale compozitorilor clasici s-au manifestat în înclinația lor constantă către simfonismul programatic. În esență, compozitorii ruși remarcabili ai secolului trecut au fost creatorii simfonismului programului clasic rusesc.

Ce este o lucrare instrumentală software? Baza oricărei compoziții programatice este cu siguranță un complot specific, împrumutat fie din realitatea înconjurătoare (de exemplu, uverturile spaniole ale lui Glinka), fie dintr-o operă literară (de exemplu, „Sheherazade” de Rimski-Korsakov), fie din pictură (de exemplu exemplu, „Pictures at an Exhibition” de Mussorgsky orchestrate de M. Ravel).

Dezvăluirea intenției programatice a compoziției se realizează cu ajutorul unor imagini muzicale specifice, care se bazează uneori pe origini folclorice, care se disting printr-o caracteristică de gen clar exprimată (adică, caracteristicile de gen ale unui cântec, dans, marș etc. .se simt clar în lucrare). Natura tematică muzicală a lucrărilor programului este marcată de relief figurativ accentuat.

Accesibilitatea și inteligibilitatea muzicii simfonice a compozitorilor ruși din secolul al XIX-lea pentru un public larg este determinată de legătura sa strânsă cu arta populară. În lucrările simfonice clasice se găsesc adesea tematici folclorice autentice, atât de apropiate și de înțeles pentru un public larg. „...” Cu toate acestea, mult mai des compozitorii clasici au folosit melodii populare indirect, refractându-le prin prisma individualității lor creative.

Modalități de dezvoltare a muzicii simfonice ruse

Simfonismul clasic rus al secolului trecut a cuprins două direcții principale: liric-dramatic, cel mai strălucit reprezentant al căruia a fost P.I. Ceaikovski, și narativ-epopee, care și-a primit cea mai completă expresie în operele simfonice ale lui A.P. Borodin și N.A. Rimski-Korsakov.

Simfonismul lirico-dramatic se caracterizează prin conflicte vii ale vieții, claritatea și intensitatea dezvoltării și tensiunea internă a imaginilor muzicale și artistice. Natura narativă-obiectivă a expresiei artistice este tipică unei simfonii epice. În lucrările de acest fel, coliziunile conflictuale sunt mai puțin pronunțate. Imaginile realității înconjurătoare sunt iluminate de compozitori în tonuri calme, contemplative.

În ultima treime a secolului al XIX-lea, a apărut clar o nouă etapă în istoria simfonismului rus.

Compozitorii abordează acum diferit programarea în muzică; nu sunt atrași atât de descriptivitatea intrigii sau de reprezentarea picturală, cât de problemele psihologice și filozofice mai generalizate. Putem vorbi deja nu numai despre cele mai importante tendințe din simfonia rusă, ci și despre lucrări simfonice individuale, uneori unice, în opera unuia sau altuia.

Printre cele mai bune realizări ale simfoniei ruse și mondiale din această perioadă, ar trebui să numiți Simfoniile a patra, a cincea și a șasea a lui Ceaikovski, lucrări simfonice de Glazunov, Lyadov, Kalinnikov, Rahmaninov, Scriabin, Taneyev, Rimsky-Korsakov. Muzica acestor compozitori, care au dezvoltat tradițiile simfonice ale lui Glinka, întruchipează în mod clar principiile naționalității și realizează o combinație organică a principiilor filozofice și estetice cu cele etice.

Lucrările simfonice ale lui Rimski-Korsakov

Rimski-Korsakov a dedicat mult mai puțin timp și efort muzicii simfonice decât operei. Numărul lucrărilor sale simfonice este relativ mic. Dar în ceea ce privește puterea artistică, profunzimea și originalitatea uimitoare, ei ocupă un loc lângă operele lui Korsakov. Rimski-Korsakov este un compozitor de operă genial și, la fel de incontestabil, un simfonist genial.

Principalele lucrări simfonice au fost create de Rimski-Korsakov în anii 60 și 80. Simfonia I este din punct de vedere cronologic cel mai vechi exemplu al simfoniei naționale ruse. Tabloul muzical a jucat un rol esențial în formarea stilului simfonic al compozitorului Sadko (episod din epopee ) și suită simfonică Antar (simfonia a 2-a, bazată pe povestea orientală cu același nume de Osip Ivanovich Senkovsky). Apelul la lumea ficțiunii populare rusești și a basmelor orientale a dezvăluit cele mai caracteristice aspecte ale individualității artistice a lui Rimski-Korsakov - darul său pentru muzică și pictură. Compoziția liberă a ambelor lucrări, cu o schimbare relaxată a episoadelor determinată de schița intrigii, reflectă principii estetice Noua scoala ruseasca . Factorul unificator constructiv în Sadko servește dispozitivul de încadrare preferat al lui Balakirev (tema mării), în Antare - implementarea de la capăt la cap a laitmotivului personajului principal prin toate părțile simfoniei, asemănătoare cu principiile simfoniei programului lui Berlioz.

Evoluția creativității simfonice în anii 80. s-a manifestat mai ales prin respingerea detaliilor complot programe, în urmărirea unui transfer generalizat de conținut și (în consecință) la o încredere mai puternică pe tehnicile clasice de construire a formei, la o compoziție rotunjită și armonioasă. Noile tendințe sunt parțial vizibile deja în basm . Textul lui Pușkin din prolog către ea Ruslan și Lyudmila este folosit nu ca un program, ci ca o epigrafă poetică care permite interpretarea liberă a unei serii de imagini fantastice. O lucrare semnificativă a acestor ani a fost un concert pentru pian și orchestră, a cărui temă națională (cântec de recrutare) este combinată în mod unic cu principii venite de la Liszt (interpretarea poetică a unei forme monociclice, sau mai degrabă monociclice; transformarea monotematică a materialului; tehnici de prezentare la pian).

Piesa se bazează pe teme bisericești într-un mod unic Sfântă sărbătoare (Uvertura de duminică ), în care compozitorul a căutat (în propriile sale cuvinte) să transmită latura legendară și păgână a sărbătorii . De aici natura de gen a secțiunii principale (Allegro) a uverturii cu sunete de clopot, interpretată ca dans muzică bisericească .

Genul și liniile de program ale simfoniei lui Rimski-Korsakov sunt completate de două capodopere - capriccio spaniol Și Scheherazade . ÎN Capriccio schițe luminoase temperamentale ale vieții populare din Spania, continuând tradițiile uverturilor spaniole ale lui Glinka, sunt combinate cu conceptul muzical original în sine; această lucrare este un fel de concert genial pentru orchestră (timbricul și capacitățile virtuoz-tehnice ale fiecărui instrument sunt relevate în numeroase solo-uri și cadențe de improvizație). Partitura suitei simfonice are, de asemenea, caracteristici de concert. Scheherazade . Spre deosebire de Antara , imaginile Orientului fabulos din el nu sunt asociate cu un complot anume. La aceasta se răspunde și interpretarea generalizată a celor mai importante laitmotive, care nu sunt atribuite anumitor imagini și sunt supuse unei reinterpretări libere (de exemplu, tema lui Shahriar devine tema mării în prima parte a suitei). Unitatea tematică, dezvoltarea simfonică de la capăt la capăt și rolul de sinteză al finalului conferă suitei o integritate excepțională și o fac similară cu o simfonie. Frumusețea plastică și relieful temelor, bogăția ritmică, orchestrația strălucitoare și perfecțiunea formei fac Scheherazade una dintre lucrările marcante ale muzicii ruse dedicate Orientului.

Opera simfonică a lui Rimski-Korsakov este completată și îmbogățită de fragmente orchestrale ale operelor sale. Urmând tradițiile lui Glinka, Rimski-Korsakov a urmat încă de la începutul activității sale creatoare calea simfonizării genului de operă. Orchestra din operele lui Rimski-Korsakov nu se limitează la rolul modest de a însoți părțile vocale. Acesta este un participant activ și, în multe cazuri, dominant la acțiune. În operele lui Rimski-Korsakov se găsesc multe episoade orchestrale și orchestral-vocale în care gândirea compozitorului se dezvoltă cu o amploare cu adevărat simfonică. Unele dintre ele au fost incluse în apartamentele compuse de Rimski-Korsakov din Fecioarele Zăpezii , Mlady , Nopțile dinainte de Crăciun , Poveștile țarului Saltan , Pana voievod . Adiacent acestora: muzică pentru drama lui Mei femeie din Pskov (bazat pe a 2-a ediție inedită a operei), Noapte pe Muntele Triglav (arranjament de concert pentru orchestra actului 3 Mlady ) și transcrierea simfonică a Procesiunii din Cocoș de aur . Puține imagini ale simfonismului dramatic din opera lui Rimski-Korsakov sunt, de asemenea, asociate cu muzica de operă: uverturi la opere femeie din Pskov , Vera Sheloga , Mireasa Țarului , pauză epico-dramatică Bătălia de la Kerzhenets din actul 3 Povești despre orașul invizibil Kitezh și fecioara Fevronia .

Programează lucrări simfonice

"Sadko"

Vorbind despre filmul muzical, nu putem să nu ne amintim de opera epică „Sadko”. Rimski-Korsakov a introdus temele principale ale unei piese simfonice pentru tineret în opera epică ca laitmotive cele mai importante. Datorită acestui fapt, ne putem imagina mai clar sensul și semnificația fiecărei teme a „primului” „Sadko”. Datorită acestui fapt, este mai ușor de urmărit cum se dezvăluie intriga epică în schimbarea și dezvoltarea imaginilor muzicale.

Peisajul sonor maiestuos deschide imaginea muzicală. Valurile Oceanului-Marea de albastru se ridică constant, încet. Dar acest calm este plin de forțe ascunse. Se pare că o furtună este pe cale să apară, iar elementul apă va apărea în toată puterea sa formidabilă.

Este greu să nu admiri pitorescul și poezia acestei imagini muzicale, găsite de un tânăr compozitor care făcea primii pași creativi. În „portul muzical” cu adevărat strălucit, Rimski-Korsakov nu urmează calea bătută. Evită onomatopeele directe și nu imită sunetul valurilor sau stropii unui val. Rimski-Korsakov găsește o altă cale față de imaginația ascultătorului. Muzica introductivă crește dintr-un motiv scurt (doar trei sunete). Laconismul sever al acestui motiv și simplitatea strictă a ritmului creează impresia de putere reținută. Îmbogățit cu noi și noi culori armonice și timbrale, motivul principal nu își pierde conturul. De aici obținem impresiile infinitului, vastității: marea este veșnic în mișcare, veșnic schimbătoare și, în același timp, mereu aceeași.

Regele Mării îl duce pe Sadko în adâncurile oceanului. Ritmul se schimbă dramatic. Un scurt motiv decolează rapid, aruncându-se de la un instrument la altul.

Sadko se scufundă pe fundul mării. Rimski-Korsakov găsește aici o imagine muzicală simplă și în același timp o rară. Este un lanț de coarde; vocile lor superioare se deplasează pe o scară neobișnuită, în care intervale de ton și semiton alternează.

Această muzică lasă o impresie aproape clară vizual de cădere rapidă.

Una după alta, minunile regatului mării sunt înlocuite. La cererea Regelui Mării, Sadko începe să joace. Pe fondul ciupirii pe îndelete a gusliului (harpa în orchestră), apare o melodie de dans simplă, clar ritmată. Face loc unei alte teme, foarte melodioase - acesta este un cântec maiestuos pe care Sadko îl cântă Regelui Mării. Este ușor să simți în ea, așa cum a remarcat însuși Rimski-Korsakov, „o anumită cantitate de pricepere rusească”. Harpa lui Sadko sună acum diferit - cu acorduri măsurate, solemne și sonore.

Dansul devine din ce în ce mai rapid (această parte a poemului simfonic al lui Rimski-Korsakov se bazează pe dezvoltarea a două melodii). O lovitură puternică din partea întregii orchestre - Sadko a rupt coarda la harpă... Și din nou imaginea unei mări calme. Aceasta este lucrarea muzicală „Sadko”, care corespunde pe deplin programului autorului.

Cu o îndemânare remarcabilă, Korsakov pictează elementul apă, marea în diferite stări: acum liniștit și doar puțin calm legănându-se, acum acoperit cu niște ondulații misterioase amenințătoare, acum amenințător și furioasă. Pentru a transmite toate acestea, compozitorul găsește mijloace muzicale și vizuale noi și originale. Aceasta, în special, este scara, constând dintr-o alternanță uniformă de bronz și semitonuri, cu ajutorul căreia este transmisă imersiunea lui Sadko în adâncurile subacvatice. Această scară, numită „Scara Rimski-Korsakov”, servește drept bază pentru unul dintre modurile caracteristice pe care Rimski-Korsakov le-a folosit în lucrarea sa ulterioară pentru a descrie lumea fanteziei magice, misterioase.

„Sadko” nu este prima lucrare a lui Rimski-Korsakov. „Sadko” a fost precedat de o simfonie și „Serbian Fantasy” pentru orchestră. Dar numai în „Sadko” Rimski-Korsakov apare ca un compozitor cu un stil simfonic definit și extrem de original, ca un artist cu o direcție clar realizată a gândirii creative. În „Sadko” au fost conturate în mod clar cele mai importante tendințe, care în viitor pot fi urmărite cu ușurință în lucrarea lui Rimsky-Korsakov. Acestea sunt, în primul rând, acele trăsături care au fost deja menționate: caracterul programatic, caracterul popular al vorbirii muzicale și intrigilor, preluate în mare parte din poezie.

Muzica lui Rimski-Korsakov includea și imagini ale naturii. În „Sadko” este elementul de apă care l-a captivat pe Rimski-Korsakov în prima tinerețe, în timpul circumnavigării lumii. Mai târziu, Rimski-Korsakov a introdus în opera sa și alte fenomene și forțe de natură rusă.

Narațiunile lui Rimski-Korsakov despre evenimente fantastice se îmbină adesea cu peisajele sonore. În același timp, primele sunete ale piesei lui Rimski-Korsakov îl introduc pe ascultător în lumea misterioasă și magic încântătoare a fanteziei populare.

„Sadko” este o lucrare națională atât în ​​concept, cât și în implementare. În „Sadko”, Rimski-Korsakov apare ca un artist rus progresist, gloriind trăsăturile nobile ale persoanei ruse în opera sa.

"Antar"

„Antar” în tendințele sale principale, în cele mai importante trăsături stilistice, este adiacent tradițiilor lui Glinka. Și în „Antara” există aceeași dramaturgie epică „Ruslanov”, aceeași desfășurare calmă, narativ-picturală a acțiunii ca și în „Sadko”.

„Antara” are o aromă orientală a muzicii (o caracteristică care este o caracteristică a artei muzicale rusești).

Suita este formată din patru părți. Partea a doua, a treia și a patra sunt intitulate: „Dulceața răzbunării”, „Dulceața puterii”, „Dulceața iubirii”.

În suita Antar, Rimski-Korsakov s-a arătat a fi un maestru matur și original al orchestrei. În unele episoade, Rimski-Korsakov se mulțumește cu o distribuție foarte mică, folosind generos solo-uri instrumentale. Orchestra este interpretată ca un ansamblu de cameră, captivând ascultătorul cu o multitudine de acuarele, sunete delicate, transparente.

Printre operele simfonice ale lui Rimski-Korsakov, Antar ocupă un loc proeminent ca operă de merit artistic remarcabil. Acesta este unul dintre primele experimente ale autorului său în domeniul muzicii program și un predecesor direct al genialei „Scheherazade”.

"Sheherazade"

Programul „Scheherazade” nu a ajuns la noi în toate detaliile sale, dar conceptul general al suitei și multe dintre detaliile sale sunt acum bine cunoscute.

Rimski-Korsakov a scris că „Sheherazade” se bazează pe „separate, fără legătură între ele”, episoade și picturi din „The Arabian Nights”. Într-adevăr, picturile alese de Rimski-Korsakov nu sunt unite printr-un complot comun, aceasta nu este o poveste despre niciunul dintre eroii din O mie și una de nopți.

Cele patru părți ale suitei sunt conectate nu numai prin program, ci și prin mai multe gânduri muzicale și teme comune.

Acesta este un basm în muzică. Și deși este „povestită” de un compozitor rus, muzica sa are un caracter oriental pronunțat.

Fiecare parte are un subtitlu și prezintă o narațiune coerentă despre aventurile uimitoare ale marinarilor și alte evenimente minunate pe mare și pe uscat.

Toate cele patru părți nu sunt legate printr-o poveste secvențială. Acesta este un episod complet, fiecare dintre ele fiind o imagine frumoasă și magică a Orientului.

Două imagini principale - Shahriar și Scheherazade - apar chiar la începutul suitei (în prolog), apoi apar în celelalte părți ale acesteia.

Rimski-Korsakov nu descrie toate aventurile lui Sinbad în Șeherazada. Se limitează la o imagine a mării de-a lungul căreia navighează nava lui Sinbad Marinarul. Prima parte a suitei este dedicată acestui tablou.

O particularitate a structurii primei mișcări este absența secțiunii de mijloc obișnuite în formă de sonată - dezvoltarea. Repetarea este separată de expunere doar printr-o mică tranziție. Dar a doua temă laterală (împreună cu partea finală) și tema principală din reluare îndeplinesc în esență funcțiile de dezvoltare. Apare prima petrecere laterală - furtuna se potolește.

Repetarea repetă expunerea fără modificări semnificative. Apare o a doua temă laterală: furtuna se ridică din nou.

Concluzia se bazează pe tema mării. Sună și mai afectuos și mai tandru decât la începutul Allegro (această impresie se realizează printr-o prezentare clară transparentă). Prima parte se încheie cu ultima apariție a navei.

A doua parte a suitei este povestea lui Kalender-Tsarevich despre minunatele sale aventuri. Este scris într-o formă dezvoltată din trei părți, cu o construcție variațională a părților exterioare, „încadrate”.

Imaginile muzicale din „Povestea lui Kalender” sunt abundente, colorate și contrastante. Unul rămâne cu impresia că covoare orientale colorate se derulează în fața ascultătorului unul după altul, înfățișând numeroase scene magice de basm.

A treia mișcare, ca și prima, este scrisă în formă sonată-simfonică fără dezvoltare. Ea dezvoltă două idei muzicale; nu sunt contrastante, ci, dimpotrivă, sunt destul de apropiate în tonul general și modelul melodic. Aceasta este tema Țareviciului și tema Prințesei. Ambele au o aromă orientală.

Repetiția repetă ambele teme în culori noi. Tema Șeherazadei apare aici de două ori. Autoarea suitei ne amintește încă o dată că ea este cea care conduce narațiunea magică.

Finalul este cea mai complexă parte a suitei atât ca structură („finalul este construit pe principiul sonatei rondo”), cât și din punct de vedere al abundenței imaginilor. O scurtă introducere se deschide cu prima temă a prologului. Ea ne introduce în atmosfera de distracție festivă.

Această muzică este întreruptă de două ori de melodia Șeherazadei. Apoi, imaginea ei este înlocuită cu o imagine muzicală a unei sărbători la Bagdad. O trăsătură caracteristică a acestui episod mare este un ritm ascuțit (ritmurile de acest tip nu sunt neobișnuite în melodiile de dans oriental), care nu se schimbă pe aproape întreaga scenă de sărbătoare. Acest ritm dă caracterul unei viteze incontrolabile motivului laconic, înflăcărat (partea principală a primei părți a finalului), care deschide imaginea desfătării festive.

Temele din partea a doua și a treia a suitei trec repede în același ritm, într-un ritm vârtej. În primul rând - fanfara alarmantă care a răsunat în timpul scenei de luptă. Apoi - ecouri ale temei calendarului, schimbând în mod capricios dimensiunea. Și, în sfârșit, apare melodia captivantă de grațioasă a Prințesei din partea a treia a suitei (ca parte laterală principală).

Pe lângă materialul tematic al expoziției, în dezvoltare au fost introduse încă două teme: „Tema lui Shahriar” foarte modificată și strigătul războinic din scena de luptă din povestea Kalender.

În repriză, mai ales la încheiere, se aprinde distracția, se instalează zgomotul sărbătorii, se aude vuietul neîncetat al mulțimii, exclamații puternice, călcaiala dansatorilor... Brusc, în momentul apogeului, o schimbare de scene. Și din nou, imaginea sonoră a unei furtuni maritime, deja familiară din prima parte. Dar aici ea este și mai formidabilă. Un acord puternic de orchestră cu un ritm de tom-tom în plină expansiune - nava s-a prăbușit pe o stâncă.

Furtuna se potolește, doar valuri ușoare perturbă întinderile vaste de apă. Tema navei apare pentru ultima dată. Aceasta este o amintire a călătorilor curajoși îngropați în adâncurile mării.

Povestea s-a terminat. Rămâne doar un scurt epilog, ecou prologului. Subiectele prologului și-au schimbat locul aici. Suita lui Rimski-Korsakov se încheie cu ecouri ale melodiei Șeherazadei - o poveste muzicală despre miracole fabuloase create de imaginația poetică a popoarelor Orientului.

În ciuda faptului că muzica „Sheherazade” nu conține o singură melodie cu adevărat orientală, ea este percepută tocmai ca o narațiune orientală.

Turnuri melodice, ritmuri, culori orchestrale, utilizarea caracteristică a instrumentelor de percuție - totul vorbește despre pătrunderea profundă a compozitorului în esența limbajului muzical al popoarelor din Orient.

Mai multe părți independente, complete ca formă și conținut, contrastând clar între ele, sunt unite aici printr-un program comun și un concept muzical comun.

Un astfel de nucleu unificator este imaginea muzicală a Șeherazadei. Această imagine a întruchipat legenda născută din fantezia populară despre originea basmelor arabe „O mie și una de nopți”.

Lucrări simfonice care nu au program publicat de autor

Acestea includ: Prima simfonie, Fantezie pe teme sârbești, Uvertură pe temele a trei cântece rusești, Simfonia a treia, Sinfonietta pe teme rusești, Capriccio pe teme spaniole, „Dubinushka” - lucrări de simfonie de gen. Se caracterizează printr-un program generalizat, fără intrigi dezvăluite în detaliu în muzică.

Prima Simfonie

Prima simfonie, prima operă majoră a lui Rimski-Korsakov, a fost creată sub supravegherea directă a lui Balakirev. Compoziția simfoniei a durat mult timp, deoarece lucrările la ea au fost întrerupte de călătoria lungă (doi ani și jumătate) a lui Rimsky-Korsakov pe una dintre navele marinei ruse.

În tema principală dinamică, se aud ecouri ale cântecului rusesc „Down along Mother, along the Volga”. Există, fără îndoială, o mulțime de „Korsakov” în jocul secundar. Aceasta este o melodie caldă, lirică, asemănătoare melodiilor lirice rusești.

Andante se bazează pe una dintre versiunile cântecului „About the Tatar Full”. La începutul Andantei, cântarea populară sună cu o simplitate austeră. Dezvoltând această melodie, Rimski-Korsakov dezvăluie întreaga profunzime a imaginii poetice create de oameni, iar Andante este perceput ca o narațiune laconică, reținută epic, despre durerea oamenilor.

Scherzo este grațios și dinamic. La începutul temei principale, exclamațiile energetice izbucnind în lumină, mișcarea rapidă sunt eficiente.

Tema principală a finalului este atractivă pentru determinarea și modelul clar de melodie amplă. Există momente interesante în dezvoltarea acestei teme (dominante în final). Cu toate acestea, nu este suficient de contrastat de alte imagini și, prin urmare, finalul lasă impresia unei anumite monotonii.

Simfonia a treia

A treia simfonie este, fără îndoială, o lucrare mai matură decât prima simfonie, dar în același timp mai puțin emoționantă. Nici o singură parte a simfoniei a treia nu se ridică la plinătatea sentimentului care cucerește a doua parte a primei simfonii - Andante pe tema cântecului „Despre tătarul este plin”.

Tema principală a Allegro (care a apărut din tema introducerii) - o melodie emoționantă de natură festivă - nu este foarte tipică pentru Rimsky-Korsakov. Dar nu se poate nega originalitatea celei de-a doua teme. Aceasta este o melodie lejeră, blândă, feminină, foarte subtil armonizată. Acest tip de imagini muzicale pot fi găsite în operele și romanțele lui Rimski-Korsakov. Ambele teme primesc o dezvoltare bogată în Allegro, care se încheie cu o codă neobișnuită, pastorală și visătoare. Lirismul idilic al acestui scurt episod contrastează bine atât cu energia Allegro, cât și cu rapiditatea grațioasă a următoarei părți a simfoniei - scherzo colorat.

Tema Andante sună ca o pipă de cioban. Savoarea pastorală a acestei teme determină caracterul întregului Andante, care este perceput ca o imagine a naturii de vară cu o scenă de furtună în episodul central.

Andante continuă în finală fără întrerupere. La finalul Andantei apar fanfare, la început abia audibile, apoi din ce în ce mai sonore. Din ele crește motivul principal al părții principale a finalului (Allegro con spirito).

Al doilea motiv al părții principale este o melodie de dans rusească plină de viață. Această melodie, anticipând temele de dans din „The Snow Maiden”, este cea mai izbitoare și singura caracteristică a lui Rimsky-Korsakov, dintre imaginile muzicale ale finalului. Partidul secundar este nesemnificativ.

Finalul este partea cea mai puțin reușită a simfoniei. În final, pasiunea unilaterală pentru tehnologie a „secat imaginația imediată” a autorului. Numeroase episoade contrapunctice, în cea mai mare parte, nu își îndeplinesc suficient sarcina de a îmbogăți imaginile muzicale. Și numai în coda magnifică, care este plină de putere epică, combinația dintre intonațiile inițiale ale părții principale a primei mișcări cu motivele părții principale a finalului este foarte reușită.

La fel ca prima simfonie, a treia simfonie este o lucrare neuniformă. Dar prima simfonie atrage prin prospețimea și spontaneitatea gândirii creatoare și doar imaturitatea autorului l-a lipsit de posibilitatea de a dezvolta pe deplin imaginile muzicale de bază. În a treia simfonie, cu o maturitate creativă mult mai mare, există mai puțină spontaneitate, mai puțină integritate stilistică. Cu toate acestea, ambele simfonii, în ciuda tuturor deficiențelor lor importante, au „dreptul la viață”. Și este cu siguranță nedrept că timp de decenii doar câțiva muzicieni le-au cunoscut. În ultimii ani, un cerc larg de iubitori de muzică a reușit să facă cunoștință cu simfoniile lui Rimsky-Korsakov.

Capriccio pe teme spaniole

„Capriccio Spanish” este o piesă orchestrală virtuozică în care proprietățile expresive și capacitățile virtuoase ale instrumentelor orchestrale sunt dezvăluite cu cea mai mare perfecțiune. Este, de asemenea, o poveste muzicală poetică despre culorile strălucitoare ale naturii sudice și ale vieții populare spaniole.

Elementul dansului popular vesel, plin de viață și foc, domnește în „Capriccio spaniol”, care este o suită de cinci părți, interpretate fără întrerupere. Pentru toate cele cinci mișcări, Rimski-Korsakov a ales melodii de dans simple. Ele nu primesc, în cea mai mare parte, o dezvoltare simfonică largă, ci sunt îmbogățite cu culori orchestrale inepuizabil de diverse. Dragostea lui Rimsky-Korsakov pentru ritmul clar și instrumentele de percuție a fost extrem de potrivită aici - în muzica populară spaniolă rolul percuției nu este mai puțin semnificativ decât în ​​muzica popoarelor estice.

Prima parte din „Capriccio” este Alborada (dans popular spaniol). O melodie de dans rapidă sună pe fundalul unui acompaniament repetat extrem de simplu, aproape neschimbat. Apare o mulțime de tineri - exclamații vesele, vagabondul dansului...

În Alboradei de foc, Rimski-Korsakov folosește de bunăvoie puterea și strălucirea întregii „matrice” orchestrale. Abia la sfârșitul piesei sună motivul principal de dans în apelul de instrumente din lemn și cu coarde; se pare că zgomotul unei mulțimi care dansează vine de undeva departe.

În partea a doua - Variații - există opoziții mai colorate, contraste dinamice. Caracterul general al Variațiunilor este determinat de tema principală - o melodie melodioasă simplă și atentă.

Încă de la primele sunete, se poate simți înrudirea cu melodiile orientale preferate ale lui Rimski-Korsakov. Liber variată, colorată în timbre diferite, această temă nu-și pierde caracterul calm, oarecum idilic. Savoarea pastorală este resimțită mai ales clar în „dialogul” cornului și cornului englez; parcă două țevi de cioban se cheamă una la alta.

A patra parte din „Capriccio” este extrem de unică. Conținutul său programatic este subliniat de autor în titlul: „Scena și cântecul Gitanei”. Această parte se bazează pe două teme de dans. Unul este elegant, grațios și în același timp pasionat. Imaginația ascultătorului își imaginează un dansator popular dansând pe sunetele unei tamburine, chitarei și mandolinei.

O altă temă este tot o temă de dans, dar de cu totul altă natură – impetuos, impetuos (nota autorului: feroce – cu înverșunare). Ne putem imagina că dansul grațios măsurat a fost înlocuit cu un dans spontan sălbatic.

Particularitatea celei de-a patra mișcări sunt cadențele care o deschid (mici episoade virtuoziste de natură improvizațională). Ele pot fi percepute ca un fel de preludiu înaintea spectacolului dansatorului-cântăreț. În același timp, aceasta este o demonstrație strălucitoare a capacităților expresive și virtuozice ale instrumentelor orchestrale și a priceperii interpreților. Aproape toate cadențele sunt construite pe intonațiile temei principale a gitanei. Prima cadență este un grup de instrumente de alamă; este urmată de o cadență de vioară solo. A doua cadență este separată de a treia prin apariția temei principale a gitanei în sunetul transparent al flautului, clarinetului și viorilor (însoțit de percuție). A treia cadență este pentru flaut solo, a patra este pentru clarinet (cu participarea oboiului), a cincea și ultima este pentru harpă. Instrumentele de percuție participă la toate cadențele, creând un fundal sonor moale „rușinat”.

Finala, partea a cincea a „Capriccioului spaniol” - Fandango (dans popular) - se deschide cu o exclamație solemnă, urmată de melodii de dans grațioase. A treia dintre principalele imagini muzicale ale lui Fandango este o melodie ușoară și netedă, un fel de vals.

Rimsky-Korsakov introduce, de asemenea, imagini muzicale ale părților anterioare în Fandango. Apar ambele teme gitane. Coda se bazează pe o temă Alborada ușor modificată. Fandango este perceput ca o imagine a unui festival popular, pictat în culori bogate și în linii mari, plin de jubilație.

Uverturi, suite simfonice din opere și transcrieri ale scenelor de operă pentru orchestră simfonică

Uvertură la opera „Noaptea de mai”

Uvertura la „O noapte de mai” nu oferă un scurt rezumat al evenimentelor care se desfășoară în operă - Rimsky-Korsakov alternează, compară și dezvoltă imaginile muzicale ale operei foarte liber. Dar cu „May Night” uvertura este unită atât de teme comune, cât și de tonul vesel și luminos al muzicii.

Uvertura începe cu o melodie gânditoare, melancolică, preluată de la începutul celui de-al treilea act al operei: Levko s-a trezit noaptea la un iaz și s-a oprit, uimit de frumusețea ei.

Muzica visătoare și atentă lasă loc muzicii alarmante. Această imagine muzicală întunecată de misterioasă s-a transformat într-o uvertură a scenei de lângă lac: doamna înecată este pe cale să apară în fața lui Levko. Apoi intră o melodie lină și melodioasă, în care se aud clar intonațiile muzicii populare ucrainene. Acesta este cântecul pe care îl cântă Levko, amintindu-și iubitul: „Dormi, frumusețea mea, dormi dulce”.

Ecourile refrenului cântecului lui Levko (imitația cântării pe bandura) duc la o melodie nouă, plină de bucurie, aceasta este tema lui Ganna. Acompaniamentul (mișcarea rapidă, uniformă a notelor a șaisprezecelea) crește în uvertura la valoarea unei imagini artistice independente, creând o stare de bucurie emoționată.

Mișcarea rapidă dispare, iar după acorduri calme, netede, intră o nouă temă - melodia ușoară, melodioasă a duetului final dintre Hanna și Levko.

Imagini noi au izbucnit: un motiv ascuțit, unghiular și un „patter” de note a șaisprezecelea pe fundalul unei scări cromatice „furios” la vocea inferioară. Aceasta este cumnata, care și-a atacat cu înverșunare colega de cameră - Capul, care este gata să tragă după toate fetele drăguțe din sat.

Melodia melancolică care deschide uvertura reapare, înlocuită de melodia familiară a lui Ganna; apoi revine tema duetului, de data aceasta cu sunetul puternic al întregii orchestre. Încă o dată imaginea muzicală comică supărată a cumnatei își amintește de ea însăși, motivul vesel al bărbaților Kalenik fulgeră și intră tema plină de bucurie a corului final al operei, „Gloria Soarelui Roșu”.

Uvertura se încheie cu o concluzie scurtă, rapidă și solemnă.

Abundența imaginilor muzicale incluse în uvertură nu dă impresia de diversitate datorită armoniei obișnuite a structurii pentru Rimski-Korsakov, în care nu este dificil să se detecteze elemente ale formei sonatei clasice. Primele trei teme pot fi considerate ca o introducere, tema Hannei ca parte principală a sonatei Allegro, tema duetului ca parte secundară, episodul central (după tema duetului) ca dezvoltare, revenirea temei duetului ca o scurtă reluare (cu partea principală omisă); Coda începe cu apariția temei corului „Glorie Soarelui Roșu”.

Suită simfonică din opera „The Snow Maiden”

Intriga destul de complexă a Fecioarei Zăpezii nu este dezvăluită în suita compusă de Rimski-Korsakov; Suita nu a inclus un singur episod legat de imaginea însăși a Fecioarei Zăpezii.

Dintre cele patru părți ale suitei, primele două sunt fantastice, următoarele două sunt din viața lui Berendey.

Prima parte a suitei este Introducerea în Prologul operei. Aceasta este o imagine a trezirii treptate a naturii. Motive calde și luminoase ale primăverii sună pe fundalul ciripitului păsărilor. Motivul ciripitului păsărilor a apărut din motivul primăverii.

Culorile deschise, idilice, se mențin și în partea a doua a suitei - „Dansul păsărilor”. Și iată strigătele și ciripitul păsărilor, pe fundalul cărora sună două melodii vii, grațioase. Primul dintre ele este un cântec popular autentic „Vulturul este guvernatorul, prepelița este funcționarul”. A doua temă este o melodie modificată a cântecului popular „Clopotul” (în operă - cu textul „Păsările se adunau”).

În ambele fragmente - în special în „Dans” - „vocile naturii” și intonațiile cântecelor populare rusești se îmbină cu adevărat.

A treia parte a suitei este un tablou simfonic în miniatură „Procesiunea țarului Berendey”. Tema „Procesiunii”, potrivit lui Rimski-Korsakov, „în prima sa parte este bizară, amenințătoare jucăușă, iar în a doua este tremurătoare, senilă”. Această temă, ca și întregul tablou muzical care a crescut din ea, pictează, potrivit compozitorului, „aspectul general al regelui”.

A patra și ultima parte a suitei este „Dansul Bufonilor”. Sărbătoarea soților Berendey adunați în pădurea rezervată. Cântece, dansuri rotunde. La ordinul regelui, bufonii încep să danseze, alergând pe sunetele unei melodii energice, „îndrăznețe”. Din acest motiv crește prima temă a „Dansului Bufonilor” - o melodie puternic ritmică, veselă.

Caracterul dansant al celei de-a doua melodii, mai lină, este subliniat de acompaniamentul „stopping” al contrabașilor, violoncelului și fagotului.

Ambele teme, clar naționale ca origini intonaționale, se dezvoltă într-o variație tipică muzicii populare rusești, cu contraste dinamice ascuțite și schimbări bruște de culori orchestrale.

Suită din opera „Noaptea de dinainte de Crăciun”

Scenele fantastice ale operei „Noaptea de dinainte de Crăciun” i-au oferit într-adevăr lui Rimsky-Korsakov ocazia de a crea o mulțime de muzică „interesantă” - poetică. Scenele fantastice formează baza suitei din „The Night Before Christmas”.

Deja prima parte a suitei - Introducerea în operă - spune destul de clar ascultătorului că evenimente fantastice se vor desfășura în fața lui. Acesta este un peisaj sonor magic, înfățișând, așa cum explică Rimski-Korsakov, „o seară geroasă târzie în Dikanka, în ajunul Crăciunului”.

Într-adevăr, muzica introducerii înfățișează atât frigul iernii, cât și peisajul iernii („rece”, cu o tentă fantastică, sunetele de celeste, clopoței și harpe, sunetul de corni, viori și clarinet), precum și luminile intermitente. a stelelor („înțepături” scurte ale flautului).

Introducerea, fără întrerupere în fluxul muzicii, lasă loc scenelor magice din actul al treilea, continuând tot fără pauză. Această unitate a tuturor părților suitei i-a dat autorului baza pentru a o numi „imagini muzicale în mișcare”.

Tabloul cerului înstelat, care deschide un lanț de scene fantastice, este apropiat de Introducere în starea sa generală și mijloacele vizuale. Sună și motivul „rece magic” al celestei, clopoțeilor și harpei, familiar din Introducere. Stelele se adună în grupuri pe nori. Încep jocurile și dansul. O mazurcă ușoară, „fâlfâitoare” în sunetul transparent de cameră al unui flaut, coarde pizzicato și acorduri susținute de fagot și clarinet, pașii solemni ai unei comete, un dans rotund de stele, un tzardash - acestea sunt imaginile magice care trec înaintea ascultătorului...

Norii se rostogolesc, stelele se ascund în spatele norilor. Se aude un motiv ascuțit, scurt și rapid al spiritelor rele. Vrăjitoarele zboară pe mături, vrăjitorii în oale, cazane și mortare. Spiritele rele s-au adunat în ultima noapte înainte de Crăciun pentru a lupta cu spiritele strălucitoare. Rimski-Korsakov păstrează în această scenă gustul umoristic bun al povestii lui Gogol. Vrăjitoarele și vrăjitorii s-au înarmat cu tigăi, mânere și pistiluri pentru a „sperii, speria” Kolyada și Ovsenya - spiritele strălucitoare care ar trebui să apară în zorii dimineții de Crăciun.

Vakula apare în depărtare călare pe un diavol. Spiritul rău decide să-și ajute tovarășul și să-l împiedice pe Vakula să ajungă la Sankt Petersburg. Vrăjitoarele și vrăjitorii pornesc în urmărirea fierarului.

Există, de asemenea, puțin „demonic” în imaginea expresivă și colorată a urmăririi. Aici poți simți același umor de basm bun, care colorează atât povestea lui Gogol, cât și opera lui Rimski-Korsakov.

Spiritele rele nu reușesc să blocheze calea lui Vakula, iar el ajunge în siguranță în Sankt Petersburg.

Din scena din palatul regal, în suită a intrat o poloneză solemnă și spectaculoasă.

Scena finală a suitei. Din nou spațiu aerian. Spiritele rele au dispărut, zboară doar cazane, oale, mânere și mături, pe care zburau vrăjitori și vrăjitoare. Se aude un cor lăudând pe Kolyada și Ovsenya. Se face lumina. Kolyada și Ovsen dispar. În adâncuri se vede Dikanka, luminată de soare. Clopotele și cântatul bisericii se aud de departe.

Concluzie

Caracteristici ale creativității simfonice a lui Rimski-Korsakov.

Trăsăturile caracteristice ale operei simfonice a lui Rimsky Korsakov pot fi luate în considerare: simfonism de program, simfonism de gen, apel la muzica Orientului, reprezentarea mării în toate manifestările sale, naționalitatea vorbirii muzicale și a intrigilor, preluate în mare parte din poezie, glorificare. a trăsăturilor nobile ale persoanei ruse, ritm clar, dezvoltarea temelor cântecelor populare rusești, programare colorată și grafică de o natură fabuloasă, viziune armonioasă asupra lumii, artă subtilă, gust impecabil, simțul proporției artistice, claritatea clasică a gândirii muzicale.

Rimski-Korsakov este „unul dintre cei mai mari maeștri ai muzicii clasice rusești ai secolului trecut”.

Lista surselor

1.Keldysh Yu., Istoria muzicii ruse, Moscova-Leningrad, Editura Muzicală de Stat, 1947 (partea a 2-a)

.Komissarskaya M.A., Muzica rusă a secolului al XIX-lea, Moscova, „Cunoașterea”, 1974

.Rapatskaya L.A., Istoria muzicii ruse de la Rusia antică până la „Epoca de argint”, Moscova, Vlados, 2001

.Ratskaya Ts., N.A. Rimsky-Korsakov, Moscova, „Muzică”, 1958

.Rimsky-Korsakov N. A., „Cronica vieții mele muzicale”, Moscova, „Muzica”, 1980

.Solovtsov A., Operele simfonice ale lui Rimski-Korsakov, Moscova, Editura Muzicală de Stat, 1953

.Tretyakova L.S., Pagini de muzică rusă, Moscova, „Cunoaștere”, 1979

.#"justify">9. http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc_music/6482/Rimsky

De-a lungul multor ani de activitate (peste 40 de ani), opera lui Rimski-Korsakov a suferit modificări, reflectând nevoile vremii; atât viziunile estetice ale compozitorului, cât și stilul său au evoluat. Rimsky-Korsakov s-a dezvoltat ca muzician în atmosfera de ascensiune socială a anilor '60. sub influența principiilor estetice ale „Noii Școli de Muzică Rusă”. Cea mai importantă dintre ele - dorința de naționalitate, conținut ridicat și semnificație socială a artei - compozitorul a purtat-o ​​de-a lungul vieții. În același timp, el era mai interesat de problemele interne specifice ale artei decât alți membri ai cercului Balakirev. Rimsky-Korsakov se caracterizează prin identificarea principiului estetic în fiecare lucrare, dorința de frumos și perfecțiunea execuției. Prin urmare, o atenție deosebită acordată problemelor de profesionalism și o estetică unică a măiestriei, care a adus principiile lui Rimsky-Korsakov mai aproape de tendințele generale în dezvoltarea artei rusești de la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea.Imaginea creativă a lui Rimski-Korsakov are multe asemănări cu M.I. Glinka. În primul rând - o viziune armonioasă asupra lumii, echilibru intern, artă subtilă, gust impecabil, simțul proporției artistice, claritatea clasică a gândirii muzicale.

Gama de teme și intrigi întruchipate de Rimsky-Korsakov este largă și variată. La fel ca toți „kuciștii”, compozitorul s-a îndreptat către istoria rusă, imagini ale vieții populare, imagini ale Orientului; a atins, de asemenea, domeniul dramei de zi cu zi și sfera lirico-psihologică. Dar talentul lui Rimski-Korsakov a fost dezvăluit cel mai pe deplin în lucrări legate de lumea fanteziei și diferite forme de artă populară rusă. Un basm, o legendă, o epopee, un mit, un ritual determină nu numai tema, ci și semnificația ideologică a majorității operelor sale. Dezvăluind subtextul filozofic al genurilor folclorice, Rimski-Korsakov dezvăluie viziunea asupra lumii a oamenilor: visul lor etern de o viață mai bună, de fericire, întruchipat în imaginile țărilor și orașelor strălucitoare de basm (regatul lui Berendee în „Crăiasa zăpezii” , orașul Ledenets în „Povestea țarului Saltan”, Marele Kitezh); idealurile sale morale și estetice, personificate, pe de o parte, de eroinele captivant de pure și blânde ale operelor (Prițesa din „Kashchei Nemuritorul”, Fevronia), pe de altă parte, de cântăreți legendari (Lel, Sadko), aceste simboluri. a artei populare nestingherite; admirația lui pentru puterea dătătoare de viață și frumusețea veșnică a naturii; în cele din urmă, credința ineradicabilă a oamenilor în triumful forțelor luminii, dreptății și bunătății este sursa optimismului inerentă lucrării lui Rimski-Korsakov.

Atitudinea lui Rimski-Korsakov față de ceea ce descrie este, de asemenea, asemănătoare cu arta populară. Potrivit lui B.V. Asafiev, „...între sentimentul personal al compozitorului și obiectul operei sale există un mediastin frumos: cum gândesc oamenii despre asta și cum și-ar întruchipa gândul despre asta?” O astfel de detașare a poziției autorului a determinat obiectivitatea tonului caracteristică lui Rimski-Korsakov și predominanța principiilor epice ale dramaturgiei în majoritatea operelor sale. De aceasta se leagă și trăsăturile specifice ale versurilor sale, mereu sincere și în același timp lipsite de tensiune emoțională - calm, integral și oarecum contemplativ.

Opera lui Rimski-Korsakov combină în mod organic dependența de folclorul muzical rus (în principal straturile sale cele mai vechi și tradițiile clasicilor naționali (Glinka) cu dezvoltarea pe scară largă a tendințelor picturale și coloristice ale artei romantice, ordinea și echilibrul tuturor elementelor limbajului muzical. compozitorul introduce cântece populare autentice și își creează propriile melodii în spiritul celor populare. Temele diatonice arhaice în metri impare complexe sunt deosebit de tipice pentru el, cum ar fi refrenul final din „The Snow Maiden” pe 11/4.) De asemenea, intonațiile cântecelor. colorează melodia lirică (în principal operică) a lui Rimski -Korsakov. Dar, spre deosebire de temele populare, se caracterizează mai mult prin completitudine structurală, disecție internă și repetarea periodică a legăturilor motivice. Tipic pentru Rimski-Korsakov sunt melodiile emoționante, bogat ornamentate, de natură instrumentală, adesea introduse în părțile vocale ale personajelor de operă fantastică (Volhova, Prințesa Lebedelor).

Dezvoltarea materialului tematic în Rimsky-Korsakov nu duce de obicei la transformări intonaționale fundamentale. La fel ca toți „kuchkisții”, compozitorul folosește pe scară largă și variat tehnici variaționale, completându-le cu polifonie - adesea subvocală, dar adesea imitativă.

Gândirea armonică a lui Rimsky-Korsakov se distinge printr-o logică strictă și claritate și există un sentiment de organizare rațională în ea. Astfel, utilizarea modurilor diatonice naturale, provenite din stilul cântecului țărănesc rus și principiile lui Balakirev ale procesării sale, este de obicei combinată de Rimsky-Korsakov cu o simplă armonizare triadică și utilizarea acordurilor de grade secundare. Contribuția compozitorului la dezvoltarea posibilităților coloristice de armonie este semnificativă. Bazat pe tradițiile lui „Ruslan și Lyudmila”, el a creat la mijlocul anilor '90. sistemul său de mod-mijloace armonice (asociat în primul rând cu sfera imaginilor fantastice), care se bazează pe moduri complexe: mărit, înlănțuit și mai ales diminuat, cu o scară caracteristică ton-semiton, așa-numita. „Gamma Rimski-Korsakov”.

Tendințele coloristice sunt, de asemenea, evidente în orchestrație, pe care Rimski-Korsakov a considerat-o parte integrantă a designului („unul dintre aspectele sufletului” lucrării). El introduce numeroase solo-uri instrumentale în partituri și, urmând preceptele lui Glinka, preferă sunetele timbrelor pure culorilor groase amestecate. Strălucirea și strălucirea virtuozală a orchestrei sale sunt combinate cu transparența și ușurința texturii, remarcate prin claritatea impecabilă a performanței vocale.

Compozitor rus, profesor, personalitate muzicală și publică, dirijor. În 1859-1960 a luat lecții de la pianistul F.A. Canille. Absolvent al Corpului Naval din Sankt Petersburg, a participat la călătoria cu mașina „Almaz” (1862-65) și a vizitat o serie de țări din Europa, America de Nord și de Sud. În 1861 a devenit membru al cercului Balakirev „Mâna puternică”, care a avut o influență decisivă asupra formării personalității și vederilor estetice ale compozitorului. Sub influența și conducerea lui M. A. Balakirev, au fost create Simfonia I (1865), „Fantezia sârbă” (1867), o serie de romanțe etc. Individualitatea creativă a lui Rimski-Korsakov s-a manifestat în primul rând în lucrări instrumentale de program, inclusiv: tabloul muzical simfonic „Sadko” (1867), a 2-a simfonie „Antar” (1868). În aceiași ani, s-a orientat către genul operistic, care a devenit ulterior genul principal în opera sa (în 1872 a finalizat opera „Femeia Pskov”, după drama lui L. A. Mei). Din anii 70 Granițele activității muzicale a lui Rimski-Korsakov s-au extins: a fost profesor la Conservatorul din Sankt Petersburg (din 1871, cursuri de compoziție practică, instrumentare, orchestrală), inspector de formații de suflat al Departamentului Naval (1873--84), director al Școlii de Muzică Liberă (1874---81), dirijor de concerte simfonice (din 1874), și mai târziu de spectacole de operă, asistent director al Capelei de Cânt al Curții (1883---94), a condus cercul Belyaevsky (din 1882). La mijlocul anilor '70. a lucrat pentru a-și îmbunătăți tehnica compozițională. În anii 80 a acordat mare atenție genurilor simfonice. La începutul anilor 90. a existat o oarecare scădere a activității creative (în această perioadă a studiat filosofia, a scris articole, a revizuit și a editat unele dintre lucrările sale anterioare). În a doua jumătate a anilor '90. creativitatea a căpătat o intensitate excepțională: au apărut operele „Sadko” (1896) și „Mireasa țarului” (după mai 1898). În timpul Revoluției din 1905–07, Rimski-Korsakov a susținut activ cererile studenților greviști și a condamnat deschis acțiunile administrației reacționare a Conservatorului din Sankt Petersburg (a fost concediat din conservator, revenind abia după ce conservatorul i s-a acordat parțial drepturi autonome și o schimbare de conducere).

Opera lui Rimski-Korsakov este profund originală și, în același timp, se bazează pe tradițiile clasice. Armonia viziunii sale asupra lumii, claritatea gândirii muzicale și arta subtilă îl fac similar cu M. I. Glinka. Asociat cu mișcările ideologice și artistice progresiste din anii 1860, Rimski-Korsakov a manifestat un mare interes pentru arta populară (a alcătuit colecția „O sută de cântece populare rusești”, 1877: cântece armonizate culese de T. I. Filippov - „40 de cântece populare „. 1882) . Pasiunea pentru folclor, mitologia slavă veche, ritualurile populare s-a reflectat în operele „Noaptea de mai” (după N.V. Gogol. 1879), „Crăiasa zăpezii” (după A.N. Ostrovsky, 1881), „Mlada” (1890), „Noaptea de dinainte”. Crăciun” (după N.V. Gogol, 1895). Cele 15 opere ale lui Rimski-Korsakov demonstrează o varietate de gen (epopee, basm, legendă, dramă istorică-cotidiană, comedie lirică-cotidiană), soluții stilistice, dramatice, compoziționale (lucrări care tind spre structura numerică și dezvoltare continuă, opere cu scene de mulțime și camera , cu și fără ansambluri extinse). Talentul lui Rimski-Korsakov a fost dezvăluit cel mai pe deplin în lucrări legate de lumea basmelor, cu diverse forme de artă populară rusă. Aici se dezvăluie darul său pictural și puritatea versurilor sale - sincere, dar oarecum contemplative, fără tensiune emoțională crescută. Atenția la lumea interioară a unei persoane, la dezvăluirea psihologică a imaginilor s-a manifestat în opera de cameră „Mozart și Salieri” (text de A. S. Pușkin, dedicat lui A. S. Dargomyzhsky, 1897), în opera într-un act „Boyaryna Vera Sheloga”. „ (prolog la „Pskovite”, 1898) și mai ales în drama pe un complot istoric și cotidian, „Mireasa țarului” (1898). Noile tendințe caracteristice artei ruse de la începutul secolului al XX-lea au fost reflectate în opera „Povestea țarului Saltan” (conform lui Pușkin, 1900) cu convențiile sale cu accent teatral și elementele de stilizare a tiparului popular popular, în „basmul de toamnă”. ” „Kashchei Nemuritorul” (1902 ), în care temele basmelor sunt interpretate simbolic și alegoric. Probleme morale și filozofice ridicate sunt ridicate în legenda-operă „Legenda orașului invizibil Kitezh și Fecioara Fevronia” (1904). Ultima operă a compozitorului - „o fabulă în chipuri” „Cocoșul de aur” (după Pușkin, 1907) – este o satira nemiloasă asupra autocrației țariste.

Rimski-Korsakov considera că cântarea este baza expresivității operistice. Orchestra joacă, de asemenea, un rol dramatic important în operele sale, cărora i se încredințează adesea scene simfonice independente și pauze, de exemplu, „Trei miracole” („Povestea țarului Saltan”), „Bătălia de la Kerzhenets” („Povestea”. al Orașului Invizibil Kitezh...”) . Considerând opera în primul rând o operă muzicală, Rimski-Korsakov a acordat o mare importanță bazei sale literare - libretul. Colaborarea compozitorului cu libretistul V.I. Belsky a fost fructuoasă.

Opera simfonică a lui Rimski-Korsakov nu este atât de multifațetă în comparație cu opera. Concretitatea imaginativă a gândirii muzicale a compozitorului i-a determinat înclinația către simfonismul programatic și de gen. De aici și predominanța unor astfel de tipuri și forme precum uvertură (fantezie), tablou simfonic, suită. Cele mai importante lucrări pentru orchestră ale lui Rimski-Korsakov sunt „Capriccio Espagnol” (1887) și „Scheherazade” (1888). Versurile vocale de cameră ocupă un loc semnificativ în moștenirea creativă a lui Rimski-Korsakov. A scris 79 de romane, inclusiv ciclurile vocale „În primăvară”, „Către poet”, „By the Sea”.

Opera lui Rimski-Korsakov este în mod clar națională. Compozitorul folosește exemple autentice de folclor muzical și transformă organic intonațiile cântecelor în propriile sale melodii. Contribuția sa la domeniul armoniei și instrumentației este semnificativă: și-a extins și îmbogățit capacitățile coloristice, și-a creat propriul sistem de mijloace mod-armonice, care se bazează pe moduri complexe (inclusiv scara caracteristică - scara Rimski-Korsakov, orchestrația combină culoarea, strălucirea cu claritatea, transparența.

Activitățile de conducere ale lui Rimski-Korsakov, care a promovat lucrările compozitorilor ruși, au avut o importanță educațională importantă. Lucrarea sa editorială a jucat un rol major, datorită cărora au fost publicate și interpretate multe lucrări de muzică rusă („Oaspetele de piatră” al lui Dargomyzhsky, „Prințul Igor”, „Boris Godunov”, „Khovanshchina”; Rimsky-Korsakov a pregătit și publicat, de asemenea, împreună cu Balakirev și A.K. Lyadov, partiturile de operă a lui Glinka). Activitățile sale pedagogice au avut o importanță excepțională. Creatorul școlii de compoziție, Rimski-Korsakov a pregătit 200 de compozitori, dirijori, muzicologi, printre care se numără A. K. Glazunov, A. K. Lyadov, A. S. Arensky, M. M. Ippolitov-Ivanov, I. F. Stravinsky , N. Ya. Myaskovsky, A. S. S. Chidkozee A. S. , Y. Vitol, N. V. Lysenko, A. A. Spendiarov. O generalizare parțială a experienței sale pedagogice au fost manualele sale despre armonie și orchestrație, iar cartea sa autobiografică „Cronica vieții mele muzicale” (1906) a fost un document istoric valoros. În 1944, Casa Muzeul a fost deschis în orașul Tikhvin, iar în 1971, Muzeul-Apartament Rimsky-Korsakov a fost deschis la Leningrad.

Romanii i-au dorit artăȘi arhitectură a adus beneficii oamenilor. Ei au planificat cu mult înainte construcția de orașe, poduri, apeducte, băi publice, piețe, clădiri rezidențiale și porturi. La ordinul unui oficial roman, în centrul pieței orașului a fost construită o sculptură, care trebuia să spună viitoarei generații despre măreția Romei Antice. Chiar dacă art Roma anticăîmprumutat de la vechii greci și etrusci și a avut o origine artistică în rândul acestor popoare, utilizarea sa practică era pur romană.

La sfârşitul anului 600 î.Hr. e. Cei mai influenți oameni din Italia au fost etruscii, care au venit din Asia Mică și s-au stabilit în Toscana, în nordul Romei. Deși etruscii au împrumutat stilul grecesc în artă, au realizat multe și singuri. Ei au dezvoltat un tip foarte realist de sculptură portret și au fost primii care au introdus utilizarea arcadelor de piatră în arhitectura antică.

Arhitectură

Romanii foloseau lecțiile etruscilor în formă practică. Băile și arenele sunt un tribut adus priceperii marilor constructori ai Romei. Folosind arcade, romanii au putut să-și construiască orașele pe suprafețe mari, spre deosebire de greci, care au folosit o tijă și o traversă (grinzi susținute de două coloane) în loc de arcade. Arcul ar putea suporta mult mai multă greutate decât mreana și bara transversală. Apeductele romane erau adesea construite cu trei niveluri de arcade îngrămădite una peste alta. Iar clădirile lor, numite Băile Caracalla, ocupau teritorii vaste.

În secolul I î.Hr. e. Romanii au fost primii care au folosit betonul în construcții. Au turnat beton în matrițe, în funcție de ceea ce doreau să construiască: arcade, bolți sau cupole. Utilizarea betonului a permis arhitecților să construiască structuri de dimensiuni enorme. Una dintre aceste structuri gigantice a fost Templul Norocului din Praeneste, construit de domnitorul Sulla în jurul anului 80 î.Hr. e. În timpul construcției, arhitecții au folosit beton pentru a susține terasa și au construit o clădire care astăzi ar semăna cu un zgârie-nori. Pentru a construi teatre deschise, grecii au folosit zonele dintre dealuri, folosindu-și pantele pentru a susține nivelurile de scaune. Însă inginerii romani au folosit beton pentru a susține cele trei niveluri gigantice ale Colosseumului, stadionul lor principal pentru recreere în masă și spectacol public. Au fost locuri pentru mai mult de 45 de mii de persoane pe toate cele trei niveluri.

Sculptură

Romanii foloseau sculpturi pentru a-și decora structurile arhitecturale. Pereții clădirilor erau adesea decorați cu coloane pentru decorare și nu erau de fapt un mijloc de susținere a structurii. Multe astfel de coloane au fost copiate din coloanele ridicate în Grecia. De fapt, multe forme arhitecturale grecești au fost plasate pur și simplu pentru decorare pe fațadele clădirilor din Roma Antică și nu aduceau niciun beneficiu practic.

În imaginile zeilor, grecii foloseau ideile de a le da formă și frumusețe. Sculptorii romani au folosit în mare măsură ideile grecilor. Cu toate acestea, romanii și-au arătat priceperea și originalitatea în realizarea portretelor. Ei și-au portretizat împărații, generalii și senatorii cu un grad de realism necunoscut grecilor. Rărirea părului, bărbia dublă, nasul strâmb și alte defecte ale trăsăturilor fizice care disting o persoană de alta pot fi găsite în portretele și picturile romane.

Pictura

În anul 79 d.Hr e. Erupția muntelui Vezuvius a distrus orașele Pompei, acoperindu-l cu straturi de lavă care s-au transformat în cele din urmă în stâncă. Frescele păstrate în aceste roci ne pot spune multe despre pictura romană.

Picturile sunt de obicei create ca decor. La Pompei, de exemplu, pe pereții caselor se pictau tablouri în frescă (pictură pe tencuială udă). Adesea, astfel de fresce erau folosite pentru a face o cameră să pară mai mare, creând iluzia de adâncime sau peisaje pastorale în încăperile care nu aveau o singură fereastră.

Coloanele și alte forme de arhitectură au fost adesea pictate în compoziții diferite pentru a adăuga un sentiment de profunzime. Sistemul de imagini cu puncte era cunoscut și folosit în Roma Antică. Roșu, negru și alb crem au fost unele dintre cele mai populare și iubite culori.

pictura romana a atins un grad înalt de naturalism prin înțelegerea de către artiști a perspectivei utilizării luminii și umbrei. Romanii au pictat multe imagini fermecătoare ale naturii, portrete de copii, tineri și femei frumoase. Religia a adus, de asemenea, inspirație arta Romei antice.