Send ditt gode arbeid i kunnskapsbasen er enkelt. Bruk skjemaet nedenfor
Studenter, hovedfagsstudenter, unge forskere som bruker kunnskapsbasen i studiene og arbeidet vil være deg veldig takknemlig.
Lagt ut på http://www.allbest.ru/
Introduksjon
1. Kunstnerisk bevegelse i Vest-Europa og Amerika i det tjuende århundre
Introduksjon
Slutten av XIX-XX århundrer er en av de vanskeligste periodene i utviklingen av verdenskulturen. Denne tiden er preget av verdenskriger, sosiale katastrofer, nasjonale konflikter; Dette er en periode med vitenskapelig og teknologisk fremgang, begynnelsen på den menneskelige sivilisasjonens atomære, romfartsæra. Alt dette bestemte allsidigheten og inkonsekvensen til sosiokulturelle prosesser og førte til søket etter nye kunstneriske systemer, metoder og trender.
Med alt mangfoldet av kulturelle fenomener på slutten av 1800- og 1900-tallet, kan to hovedtrender i kunstnerisk utvikling skilles: realisme og ikke-realistiske trender, kalt modernisme (fransk moderne – nyeste, moderne) eller avantgarde. Denne konfrontasjonen er nedfelt i ulike former for kunst.
De filosofiske ideene til A. Schopenhauer, J. Hartmann, F. Nietzsche, A. Bergson dannet grunnlaget for ulike trender innen kunst på 1900-tallet, assosiert med en avgang fra realismen og forent i begrepet modernisme.
1. Kunstnerisk bevegelse i Europa og Amerika i det tjuende århundre
Den første kunstneriske bevegelsen av denne typen var fauvisme (fra den franske fauve - vill), dens representanter ble kalt "vill". I 1905, på en utstilling i Paris, stilte A. Matisse, A. Derain, A. Marquet og andre ut sine malerier, som overrasket med den skarpe kontrasten mellom farger og forenklede former.
Nesten samtidig med fauvismen oppsto kubismen – en bevegelse knyttet til navnene til kunstnerne Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) og poeten Guillaume Apollinaire (1880-1918). Fra Cezanne tok kubistene tendensen til å skjematisere objekter, men de gikk lenger - til å dekomponere bildet av et objekt på et plan og kombinere disse planene. Farge ble bevisst utvist fra maleriet, noe som var slående i palettens askese. Kubismen hadde en betydelig innflytelse på utviklingen av verdensmaleriet.
I 1909 ble en ny modernistisk bevegelse født i Italia - futurisme (latin futurum - fremtid). Ved opprinnelsen var poeten T. Marinetti (1876-1944), som publiserte det første futuristiske manifestet. Gruppen inkluderte kunstnerne U. Boccioni (1882-1916), C. Carra (1881-1966), G. Severini (1883-1966) og andre. Manifestet inneholdt en oppfordring om å glorifisere skjønnheten i hastighet og aggressivitet i bevegelsen som er karakteristisk for det 20. århundre, men samtidig ødelegge biblioteker, museer og akademier av «alle slag».
Italiensk futurisme har alltid lagt vekt på sin antidemokratiske orientering. Det "politiske programmet for futurisme" bekreftet ideene om militarisme og nasjonal overlegenhet. Innenfor kunstnerisk kreativitet ble alle tradisjonelle prinsipper styrtet, realistiske former ble avvist, til og med kubismen ble bebreidet for "overdreven realisme", futuristene håpet å gjenskape i kunsten de fysiske fenomenene i naturen - lyd, hastighet, elektrisitet, etc. De hevdet at bare deres kreativitet kunne reprodusere pulsen i det moderne liv.
Både kubisme og futurisme avbrøt deres utvikling i forbindelse med første verdenskrig, selv om visse fenomener i disse bevegelsene ble ytterligere utbredt. I Russland ble futurismen nedfelt i poesien til D. Burliuk, V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, A. Kruchenykh, som hadde karakter av å sjokkere det omkringliggende samfunnet og avvise klassiske tradisjoner.
Realiteten på 1900-tallet og nivået av teknologisk fremgang ga en dobbel idé om den materielle og immaterielle verden. Materie, rom, tid, kosmos, bølger, svingninger, vibrasjoner, røntgenstråler, deretter laserstråling, atomenergi, etc. - alt dette ga seg ikke til sensorisk oppfatning av verden, objekter virket bare som et villedende utseende. Og kunst ble født som reflekterte dette nye verdensbildet.
I 1910 skapte den russiske kunstneren V. Kandinsky (1816-1944) sine "Komposisjoner", som ga opphav til en ny retning i verdensmaleriet, kalt abstraksjonisme (ikke-objektiv kunst). Hans komposisjoner var symboler på en subjektiv indre tilstand, som beholdt en forbindelse med estetikken til psykologisk "stemning", karakteristisk for dekadensen på slutten av 1800-tallet.
Representanter for denne nye ikke-objektive kunsten mente at man ikke skulle binde seg til rammen av optisk erfaring, som bare gir illusjoner. Kunstneren, hevdet de, må se utover verdens ytre skall og vise dens essens, dens indre natur.
På 30-tallet av 1900-tallet fant abstrakt kunst tilhengere i USA. Under andre verdenskrig forsterket disse trendene seg på grunn av at mange kulturpersonligheter, på flukt fra fascismen, emigrerte til USA.Dette var Piet Mondrian, Hans Richter og andre, Marc Chagall bodde også her i denne perioden. En gruppe amerikanske abstrakte ekspresjonister dannes: J. Pollock, A. Gorky, V. de Quing, M. Rothko og deres tilhenger i Europa A. Wolf. I sine arbeider bruker de ikke bare maling, men også andre materialer for å skape den største relieff.
I Frankrike var en parallell til denne skrivemåten tachisme (maling med flekker). Den franske abstraksjonisten J. Mathieu ga sine malerier historiske titler: «Slaget ved Bouvines», «Capetians Everywhere», osv. Britene kalte en lignende teknikk innen kunst for «action painting».
På 60-tallet dukket det opp modernistiske bevegelser kalt "pop art" (populær kunst) og "op art" (optisk kunst) i USA. "Pop art" var en slags reaksjon på abstrakt kunst. Han kontrasterte ikke-objektiv kunst med den røffe verdenen av veldig ekte ting. Kunstnere av denne bevegelsen tror at hver gjenstand kan bli et kunstverk. Ting kombinert i spesielle kombinasjoner får nye kvaliteter. Lignende arbeider ble presentert på utstillingen "Ny realisme".
Forårsaket lidenskapelig debatt, "pop art" fant imidlertid sine tilhengere og fikk sin offisielle anerkjennelse, og trengte også inn i utstillingshallene i Frankrike, Italia, Tyskland, Østerrike, Sveits, til og med Royal Academy i London.
"Op art" motsatte seg "pop art". Denne retningen fulgte veien til en ny abstraksjon, og skapte en ny verden, et spesielt miljø og former. Skaperne av "op art" forlot lerreter og malinger. Av primær betydning i deres design laget av tre, glass og metall er effektene av farge og lys (disse er laget ved hjelp av linser, speil, roterende mekanismer, etc.). Denne flimringen av stråler danner et utseende av ornamenter og presenterer et spektakulært syn. Utstillinger av "op art" har vært kjent siden 1965: "Sensitive Eye", "Coloristic Dynamism", "11 Vibrations", "Impulse" og andre. Prestasjonene til "op art" ble brukt i industri og brukskunst (møbler, stoffer, servise, klær).
På 20-tallet ble en ny retning for avantgardekunst dannet - surrealisme. Navnet er lånt fra Apollinaire og betyr "superrealisme", selv om det er andre tolkninger: "superrealisme", "superrealisme". Grunnleggeren av gruppen av kunstnere og forfattere var forfatteren og kunstteoretikeren A. Breton, han fikk selskap av J. Arp, M. Ernst, L. Aragon, P. Eluard og andre. De var sikre på at det ubevisste og urimelige prinsippet personifiserte den høyeste sannheten, som burde være nedfelt i kunsten. kultur kunstnerisk realisme
Denne retningen ble påvirket av filosofien til A. Bergson, hans tanker om intuitiv innsikt. Men av særlig betydning for surrealistene var teorien om psykoanalyse til den østerrikske legen og filosofen Z. Freud, som inneholdt begrunnelsen for psykens underbevisste faktorer, som er stimulansen for kunstnerens kreative aktivitet.
Surrealisme, mener A. Breton, er basert på troen på den øverste virkeligheten til visse former for assosiasjoner, på drømmenes allmakt, på tenkningens frie lek (tre «surrealismens manifest» fra 1924 til 1930). En fremtredende representant for tidlig surrealisme, Max Ernst (1881-1976), var den første som forsøkte å gi ulike mystiske elementer utseendet til den virkelige eksistensen. Denne trenden manifesterte seg i maleri, skulptur, litteratur, teater og kino i forskjellige land: Frankrike, Tyskland, Spania, Belgia, England, USA, Latin-Amerika, etc. Surrealismen ble en logisk fortsettelse av dadaismen (fra den franske dada - trehest, billedlig sans - babysnakk), dens paradoksale natur.
Et konsentrert uttrykk for trekkene i surrealismens kunstneriske språk er inneholdt i den spanske kunstneren Salvador Dali (1904-1989). Dalis talent var mangefasettert: maler, teaterdesigner, forfatter av filmmanus, filmregissør, designer, etc. Han sluttet aldri å forbløffe seerne med den paradoksale karakteren til hans figurative oppfatning og utømmelige fantasi. En super-original kunstner, Dali på samme tid fortsatte konstant en dialog med klassikerne; i verkene hans er det originale sitater fra Raphael, Vermeer, Michelangelo, som han transformerte i sine komposisjonsløsninger ("Mystiske elementer i landskapet", "Spania", "Transformation of Cranach" osv.). Arbeidene hans krever en dypere og mer kompleks holdning: "Atomic Leda", "Face of War", "Geopolitician Observing the Birth of a New Man", "The Temptation of St. Anthony" og andre.
Et av Dalis mest dyptgripende malerier er "Premonition of the Civil War" (1936). To enorme skapninger, som minner om deformerte, sammensmeltede deler av menneskekroppen, er låst i en forferdelig kamp. Ansiktet til en av dem er forvrengt av smerte og lidelse. De fremkaller en følelse av avsky og står i kontrast til det vakkert malte realistiske landskapet: miniatyrbilder av gamle byer på bakgrunn av en lav fjellkjede. Maleriet symboliserer antikrigstanken, høres ut som en oppfordring til menneskelig fornuft, som en streng advarsel. Dali skrev selv om maleriet: "Dette er ikke bare spøkelsesmonstre fra den spanske borgerkrigen, men fra krigen (...) som sådan."
Signifikante er maleriene der Dali vendte seg mot bildet av Kristus: «Kristus av Valencia», «Hyperkubisk korsfestelse», «Nattverden» og spesielt «Kristus av St. Johannes». Kristus korsfestet på korset er spredt over hele verden. Han flyr over et slags kosmisk landskap. Et skråstilt kors gjerder oss fra den dystre avgrunnen som fyller den øvre delen av lerretet. Den korsfestede Kristus holder så å si dette altoppslukende mørket tilbake med sitt offer. For første gang i verdenskunsten forsømte kunstneren kanonen som bestemmer sammensetningen av korsfestelsen.
Dalis kreative arv er enorm; hans ideer, bilder, kunstneriske metode er langt fra tvetydige og ganske motstridende, det samme er personligheten til kunstneren selv, som vil overraske og begeistre, irritere og glede mange generasjoner. Salvador Dali og hans arbeid er en vesentlig del av den åndelige arven fra det 20. århundre.
Utviklingen av den amerikanske byen ble bestemt av Chicago-skolen: skyskrapere med overhengende vegger. Utseendet til New York, for eksempel, presenterer en skarp kontrast mellom skyskrapere (102-etasjers Empire State Building, 407 m høy, og 72-etasjers Rockefeller Center, 384 m høy) og mange andre bygninger av varierende størrelse. Den amerikanske arkitekten Wright utvikler den såkalte «præriestilen», der han fornekter skyskrapere, fortettet bygninger og streber etter en forbindelse med naturen (hytter omgitt av hager, for eksempel «House over the Waterfall» i Bir Run, 1936). P. Nervi (lite sportspalass i Roma, 1956-1957) og andre streber etter å bruke de konstruktive egenskapene til armert betong.
Sammen med utviklingen av avantgarde-tendenser på 1900-tallet, arbeidet realistiske kunstnere fruktbart. Som en kunstnerisk metode er realisme nedfelt i ulike typer kunst i Europa og Amerika, først og fremst i maleri, litteratur og teater.
I USA i 1908 forenet realistiske kunstnere seg i gruppen "Eight": G. Henry, D. Sloan, D. Laque og andre. Målet deres var å vise livet til en storby fra innsiden og ut (bandets kallenavn er "Garbage Bin School"). Kjente malere kom fra verkstedet til G. Henry: D. Bellows, forfatteren av en rekke malerier om moderne temaer, R. Kent og andre.
R. Kent (1882-1971) dedikerte sitt arbeid til folkene på Grønland, Alaska og Atlanterhavets mektige natur. Kunstneren skildrer barsk natur, uberørt av sivilisasjonen. Et klart geografisk mønster, lyskontraster og krystallinske former formidler det intense livet i naturen. De modige innbyggerne i Nord legemliggjør idealet om en fri person som frimodig går inn i kampen mot den harde naturen.
Sammen med ulike skoler innen modernisme, blir realismen stadig mer utbredt. Disse trendene manifesterte seg i skulptur. E. A. Burdel (1861-1929) - en kunstner av intense følelser med høye tanker. Hans verk: statuen "Shooting Hercules", Apollo, rytterstatuen av general Alvear, et portrett av Beethoven og andre. A. Mayol (1861-1944) vendte seg til gammel skulptur, og beundret menneskets edle naturlige skjønnhet: "Pomona", et monument til Cezanne, en allegorisk statue av "Ile-de-France" og andre. S. Despio (1874-1946) er kjent som en mester i skulpturelle portretter.
Billedskolen for meksikansk kunst utmerker seg også ved sin nasjonale originalitet, som har en hundre år gammel tradisjon for å reflektere sin historie i monumentale kunstverk. På 1900-tallet ble en kunstnerisk bevegelse kalt "meksikansk muralisme" dannet. Dens karakteristiske trekk er en innovativ ånd og streng overholdelse av tradisjon. Dette er artistene Diego Rivera, Jose Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros. De skapte veggmalerier som reflekterte historien og det moderne livet til det meksikanske folket ("Fruiting Land."
Romantisk patos, bilder av brytere, bruken av elementer fra gammel meksikansk ornamentikk og naiv folklore, som dateres tilbake til kulturen til eldgamle folk (mayanere, aztekere) er trekk ved denne kunsten, gjennomsyret av en allment forstått idé om menneskeheten. Det er også viktig at disse fremragende mesterne løste problemet med forbindelsen mellom maleri og arkitektur og introduserte fotomontasjeteknikker. Nye materialer brukes i teknikken for veggmaling.
I europeisk kunst etter andre verdenskrig ble en viktig plass okkupert av retningen til neorealismen, hvis representanter vendte seg mot folkets liv, den vanlige mannen, til egenskapene til hans indre og ytre verden. Den franske neorealistgruppen ble ledet av A. Fougeron, en mesterrasjonalist som reflekterte de sosiale omveltningene på 1900-tallet ("Paris 1943", "The Glory of Andre Houllier", "Country of Mines", "18. mars 1871" og andre).
Nyrealismen ble nedfelt i arbeidet til B. Taslitsky, grafiker og karikaturtegner J. Eiffel. I Italia, hvor nyrealismen ble reflektert i kino (Fellini, Vitorio de Sica, Antonioni, Pasolini og andre), ble denne trenden i maleriet ledet av Renato Guttuso, en kunstnertenker, politisk skikkelse, kjemper mot fascismen. Temaene for verkene hans er kontrastene fra epoken, historien til hjemlandet hans, bilder av patrioter som dør i hjemlandets navn, livet til vanlige mennesker i Italia (den grafiske serien "Gud med oss", "Rocco kl. grammofonen", en serie malerier "A Man in the Crowd" og andre). Guttusos realisme er beriket med prestasjonene til postimpresjonisme og modernisme.
Den realistiske metoden er også utviklet innen skulptur: den italienske mesteren G. Manzu («Inges overhode», «dansere», «kardinal» og andre), skulptører fra Skandinavia og Finland, for eksempel V. Aaltonen (portrettgalleri av samtidige ) og andre. Det bør også bemerkes arbeidet til den danske tegneserieskaperen Herluf Bidstrup, som fanget epokens trekk i en skarp komisk form.
Skrevet på Allbest.ru
...Lignende dokumenter
Overgangen til postindustriell sivilisasjon i Vest-Europa i første halvdel av 1900-tallet. Utvikling av vestlig kultur. Realisme som hovedretning i kunsten. Modernisme og den fremvoksende avantgarden. Humanitær kultur. Ungdomskultur og motkultur.
sammendrag, lagt til 28.02.2012
Funksjoner ved utviklingen av innenlandsk kultur på slutten av det 19. - begynnelsen av det 20. århundre. Problemet med å introdusere grunnleggende leseferdighet til de lavere klassene. En økning i antall ulike frivillige utdanningssamfunn og offentlige universiteter. Forskernes bidrag til teknologisk fremgang.
presentasjon, lagt til 24.10.2014
Begrepet kulturelle prosesser (fremgang, krise, stagnasjon, regresjon). Kulturelle prosesser er endringer i tilstanden til kulturelle systemer og objekter over tid. Vitenskap i kultursystemet. Prestasjoner og tap av verdenskultur i perioden med vesteuropeisk kolonisering.
test, lagt til 02/03/2009
Historisk utvikling av kulturen på 1900-tallet, påvirkningen av sosiale prosesser på dannelsen. Essensen og årsakene til fremveksten av bevegelsene til modernisme og postmodernisme i kunsten og litteraturen i det tjuende århundre. Påvirkningen av vitenskapelig og teknologisk revolusjon på utviklingen av kultur. Konseptet med to kulturer av C. Snow.
sammendrag, lagt til 09.04.2009
Semantikk av begrepet "modernisme" i humaniora. Mønstre for utvikling av europeisk kultur på begynnelsen av det 20. århundre. Konseptualisering av begrepet "modernisme" i personlige teorier. Modernistisk stil, dens omvurdering, dehumanisering av kultur, den postmoderne perioden.
kursarbeid, lagt til 22.02.2010
Kultur som et historisk utviklende, mangefasettert sosialt fenomen, som en livsform som uttrykker hensikt. Det tjuende århundres kultur, dens betydning. Modernismen som kunstnerisk tema, dens retninger. Art Nouveau-stil i ulike former for kunst.
test, lagt til 05/03/2009
Russisk kultur på begynnelsen av det tjuende århundre. Sølvalderen for russisk kultur. De viktigste retningene for kulturen i sølvalderen. Dekadanse. Symbolikk. Styrking av reaksjonære mystiske ideer. Modernistiske bevegelser. Akmeisme er kulten av ekte jordisk eksistens. Futurisme.
sammendrag, lagt til 26.09.2008
Den industrielle sivilisasjonens innflytelse på dannelsen av verdier og etiske standarder. Mangfold av strømninger, generelle og spesifikke trekk ved nasjonal litteratur. Impresjonisme, kubisme, suprematisme i kunst. Modernisme i arkitektur og musikk.
sammendrag, lagt til 10.01.2009
Åndelig kulturs storhetstid på slutten av det 19. - begynnelsen av det 20. århundre. Fremveksten av nye trender og kunstneriske grupper. Funksjoner og forskjeller ved abstraksjonisme, avantgarde, impresjonisme, kubisme, kubofuturisme, rayonisme, modernisme, symbolisme og suprematisme.
presentasjon, lagt til 05.12.2015
Begynnelsen av århundret av klassikere i utviklingen av europeisk kultur med klassisk tysk filosofi. "Gylden" kunstalder. Populariteten til verkene til George Sand og Dickens. Representanter for de viktigste trendene og retningene for realisme innen maleri, kunst og litteratur.
emne: "Kulturstudier"
Verden kkultur XXårhundreEN
1. Kjennetegn ved epoken
2. Avantgarde
6. Modernisme og postmodernisme
7. Russisk ikon fra det 20. århundre
8. Avantgarde kunst
Konklusjon
1. Kjennetegn ved epoken
Det var ingen æra i kulturhistorien som berørte og begeistret samtidens bevissthet i samme grad som det 20. århundre, og vekket behovet for å forkynne deres ideer og kunstneriske oppdagelser, som ofte motsier hverandre. Nyheten av ideer som det 20. århundre raskt brøt inn i verdenskulturen med er virkelig fantastisk. De krever gjennomtenkte og systematiske analyser og vil bli tatt opp igjen og igjen av fremtidige generasjoner.
Faktisk det 20. århundre. begynte med erkjennelsen av at «alle gudene døde, mennesket forble» alene med sin kraft og sin fortsatt ufullkommenhet. På den ene siden forårsaket tapet av den kloke lederen av alt jordisk liv og den store kunstneren, som er Gud, enestående optimisme og kreativ energi, på den andre siden skremte det en person med tomheten som åpnet seg og det enestående ansvaret som han følte. Derav optimisme og pessimisme, håp og fortvilelse... Alt er ekstremt forverret og selvmotsigende, antagonistisk og raskt. Sosial tid på 1900-tallet. blir ekstremt tett og begivenhetsrik, som en person ofte ikke engang har tid til å forstå og oppleve.
Endringen i verdensbildet var også forbundet med oppdagelsen av relativitetsteorien i fysikk. Dette har i stor grad ført til relativisme av konsepter og verdikriterier på andre kunnskaps- og menneskelivsområder, inkludert kunst og dens kanoner. Objektiviteten til lovene i det menneskelige samfunn, tradisjonelle fundamenter og hele livsformen som menneskeheten har stolt på de siste århundrene har begynt å endre seg radikalt. En revolusjon i sinnet ga en revolusjon i hjertene, og deretter i selve samfunnet.
Tvilen har ødelagt integriteten til menneskelig eksistens. Utviklingen av industrien, veksten av byer og den raske utviklingen av teknologi har ført til at mennesket har mistet kontakten med naturen, ikke har funnet harmoni med samfunnet, men har heller ikke vært i stand til å finne fred og ro i seg selv gjennom hele tiden. hele århundret. Friheten, som han utropte som sitt idol, gjorde ham ikke lykkelig. Fra synspunktet til logisk rasjonalisme og abstrakt humanisme, ble kritikk av virkelig åndelige tradisjoner, som ikke kunne erstattes av noen fasjonable teorier om det nye postindustrielle samfunnet, utført og fortsetter å bli utført.
Impresjonisme og naturalisme på slutten av 1800-tallet. flyttet fra «absolutt ny kunst» til 1900-tallet. i kategorien "klassisk". Avantgardekunst med sine mange skoler fra første verdenskrig begynte å gjøre krav på absolutt nyhet. Ekspresjonister(ekspresjonisme betyr "ekspresjon") de understreker at de ikke har noe til felles med impresjonistene, og prøver å uttrykke sin holdning til det som skjer ved hjelp av kunsten deres. Futurister de gjenoppbygger verden, og kombinerer dens primære elementer etter eget skjønn, "som de vil", og frigjør seg fra byrden av logikk og fornuft.
Setter og løser problemene i moderne tid på sin egen måte Russisk avantgarde. Takket være maleriene til K. Malevich og V. Kandinsky Suprematisme og abstraksjonisme ble et merkbart fenomen ikke bare av russisk, men også av verdens kunstneriske kultur, og åpnet et nytt stadium i utviklingen. Ved hjelp av et nytt kunstnerisk språk klarte russiske kunstnere å skape en annen, hittil enestående ny kunstnerisk virkelighet, hvis oppfatning krevde en viss forberedelse og kunnskap om dens "lover".
Rollen som teoretikere for den nye kunsten ble tatt på seg av kunstnerne selv. I sitt arbeid "On the Spiritual in Art" skriver V. Kandinsky derfor om særegenhetene ved språket til abstrakt kunst: de kan bruke en sirkel, en firkant og en trekant som midler. «Hvert kunstverk er et barn av sin tid, ofte er det mor til følelsene våre. Dermed skaper hver kulturperiode sin egen kunst, som ikke kan gjentas.»
Avvisningen av det mimetiske (dvs. imitasjonen av kunst fra naturens side, slik de gamle gjorde), ønsket om å konstruere en helt ny "åndelig virkelighet", som igjen ville bidra til å reorganisere den sosiale verden - alt dette tiltrakk seg kunstnere av tidlig på 1900-tallet. Spiritualitet selv tok i økende grad på seg visse materielle konfigurasjoner. Så, for eksempel, i V. Kandinskys syn, så til og med åndelig liv i seg selv ut som «en stor spiss trekant, delt inn i ulikt deler». Samtidig er den skarpeste og minste delen av trekanten rettet oppover, og på toppen er det bare én person. På den ene siden er han glad, på den andre er han trist, fordi selv de som nærmer seg ham ikke forstår ham. Slik var Beethoven, ifølge V. Kandinsky, slik var andre genier i kunsten. «Når religion, vitenskap og moral rystes (sistnevnte av Nietzsches sterke hånd) og ytre grunnlag truer med å falle, vender en person blikket fra det ytre til seg selv,» slik karakteriserer V. Kandinsky tiden, av som han er en samtid (
Imidlertid presenteres det indre, dype grunnlaget for kreativitet for forfatteren av linjene av mystiske bilder, og de blir dårlig forstått og uttrykt gjennom ord, i billedkunsten ved hjelp av et punkt, linje, farge eller i musikk. Verbal kreativitet (litteratur, poesi) er like mottakelig for ødeleggelse som et helhetlig bilde - Ansiktet i maleriet. Alle disse estetiske transformasjonene er bevis på prosessene som fant sted i det 20. århundre. både med personen og med samfunnet han lever i.
Bebreidelser mot modernistiske kunstnere for angivelig "ikke vite hvordan de skal tegne" viste seg ofte å være urettferdige. Det er kjent at mange av representantene for den innenlandske og utenlandske avantgarden og modernismen i sine tidlige arbeider imiterte mesterne i klassisk maleri - Rembrandt, D. Velazquez, El Greco og andre, etter å ha adoptert deres kreative stil, men de bestemte seg for ikke å å stoppe der. Disse kunstnerne inkluderer for eksempel K. Malevich og P. Picasso, som også klarte å reflektere i sitt arbeid "ånden" av sin tid og fremfor alt ødeleggelsen av verdens og menneskets integritet, samt eksperimenter i feltet av nye muligheter for kunstspråket.
Utseende på 1900-tallet. myter om "kunstens død" vitnet om slutten av den klassiske kulturens tidsalder, inkludert kunst, hvis natur hadde endret seg merkbart. Kunstnere ble møtt med behovet for å løse nye problemer, ikke bare av særegenhetene ved den nye kunstneriske praksisen, men også av en betydelig endret sosial virkelighet, som i stor grad var påvirket av den russiske revolusjonen.
2. Avantgarde
Men i lang tid var det en misforståelse i samfunnet av den nye kunsten, hvis språk hadde endret seg merkbart i forhold til den klassiske, som anså antikken og renessansen som et forbilde. Avantgarde, i likhet med modernismens kunst generelt, anerkjente den ikke lenger de klassiske kanonene, frigjorde seg fra deres avhengighet og proklamerte fullstendig kreativitetsfrihet. Ny kunst forsøkte ikke å reflektere virkeligheten og mennesket, den skapte en ny virkelighet, konstruerte den etter eget skjønn. Kunstneren er i økende grad interessert, ikke i den ytre verden, men i den indre verden av sine egne erfaringer. Formålet med kunst blir selvrealisering kunstner, uansett i hvilken form den vises. Oppmerksomheten til seerne begynner å bli tiltrukket ikke bare av resultatet av kunstnerens arbeid - et kunstverk, men også av den kreative prosessen med opprettelsen fra konsept til implementering. Det hellige ble avslørt - kreativitetens hemmelighet, ønsket om å forstå som ved hjelp av logikk og fornuft ikke alltid er mulig. Rasjonalisme begynner i økende grad å vike for irrasjonalisme, som gir preferanse til følelser og intuisjon fremfor fornuft når det gjelder å forstå sannheten.
3. Karakteristiske trekk ved det 20. århundres kunst
Irrasjonalitet blir et av de karakteristiske trekk ved det 20. århundres kunst. Den næres av prestasjoner innen freudianismens og eksistensialismens filosofi, hvis innflytelse blir veldig merkbar. Kunstnere selv henvender seg i økende grad til filosofi for å forklare det uforklarlige, for å forstå det uforståelige, og bruker det til å lage manifester av nye kunstneriske bevegelser. Filosofi var nær kunst allerede før. Det begynte med aforismene til Confucius, de gamle diktene til Parmenides og Lucretius, dialogene til Platon, brevene til Epicurus og Seneca. Den organiske forbindelsen mellom filosofi og kunst ble ikke avbrutt i de påfølgende århundrene. Det er nok å minne om Augustin, Dante, Voltaire, Goethe, samt F. Dostojevskij, L. Tolstoy, F. Nietzsche, N. Berdyaev, V. Rozanov og andre, som uttrykte ideene sine ikke ved å konstruere abstrakte teorier, men med midler. av kunst levende og figurativt.
En av arvingene til denne tradisjonen var franskmennene eksistensialisme: dens forfattere var på samme tid kjente forfattere, dramatikere og publisister - J.-P. Sartre, A. Camus, F. Kafka og andre. Camus sa en gang: "Hvis du vil bli filosof, skriv romaner." Det var takket være romanene og skuespillene til eksistensialistene at ideene deres ble utbredt blant leserne, og kom inn i massebevisstheten ("pantragisk") på 1900-tallet. Moten for eksistensialisme førte til fremveksten i Europa av "eksistensialistiske kafeer" med et obligatorisk svart tak for å gjøre det lettere for besøkende å fokusere på sine indre opplevelser av melankoli, angst og absurditeten i tilværelsens meningsløshet. Alt dette forårsaket protest blant eksistensialistene selv, siden fascinasjonen for slike ytre effekter, ifølge A. Camus, vitnet om offentlighetens intellektuelle elendighet.
I Camus sitt arbeid ble to motstridende trender kombinert, gjensidig utelukkende og samtidig integrerte aspekter av menneskelig eksistens: ødeleggelse og skapelse. Camus vier sitt filosofiske essay «Myten om Sisyfos», samt historien «Den fremmede» og skuespillet «Caligula» til temaet det absurde. Han berørte temaet opprør i essayet «The Rebel Man», romanen «The Plague» og stykket «The Righteous». De filosofiske og kunstneriske refleksjonene til eksistensialistene var ikke langt inne, men ble anerkjent av livet selv.
Sammenbruddet av moralske verdier i bevisstheten til millioner av europeere og, som en konsekvens, den iboende nihilismen til alle tidligere eksisterende verdier i denne bevisstheten var et faktum i den historiske virkeligheten på 1900-tallet. Krisen med kristen tradisjon og moral har allerede blitt observert mer enn en gang i historien til menneskelig kultur, men kanskje påvirket den ikke alle grunnlaget for menneskelivet og var ikke så omfattende. Grunnlaget for alt liv, som ble dannet over en to tusen år lang periode med kristen historie og kultur, har blitt alvorlig rystet. Mennesket møtte enestående vanskeligheter og ødeleggelse bilde av hans liv, som i europeisk og verdenskultur ble dannet i henhold til det kristne bilde, sparende for ham, som hans forfedre fulgte. Europeisk kultur har ikke opplevd så alvorlige sjokk siden den gamle sivilisasjonens tilbakegang.
4. Den teknologiske utviklingens innvirkning på samfunnet
På 1900-tallet kulturstedet ble erstattet av sivilisasjonen, som ifølge A. Malraux «kan erobre hele jorden, men ikke er i stand til å finne opp hverken templene eller gravene». En ny sivilisasjon i dag skapes av en person som har frigjort seg fra moralske, klassemessige og andre begrensninger i sine aktiviteter. Alle tabuer som mange tradisjonelle kulturer ble bygget på og universelle menneskelige verdier ble skapt, ble betydelig forvandlet. Avvisningen av kanoner i kunsten og selve livet førte til at de viktigste meningsdannende spørsmålene ved menneskelig eksistens ble marginale (dvs. perifere, private). Tiden har kommet da vi ikke så mye må svare på spørsmålet "finnes det en Gud?", men heller spørsmålet "finnes det en mann?"
Enestående teknologiske fremskritt i samfunnet innen å skape fordelene ved sivilisasjonen på slutten av det andre årtusenet har allerede betydelig ødelagt håp om menneskehetens fremgang og fremfor alt i den åndelige sfæren. Verdenskriger, revolusjoner og kontrarevolusjoner, den pågående kampen for omfordeling og omorganisering av verden, totalitære regimer og konsentrasjonsleire førte til slutt til en krise og mangel på spiritualitet og noen ganger moralsk villskap hos mennesker, til tross for at de er alle på samme tid arvinger til prestasjonene til antikkens store kulturer og sivilisasjoner.
"Subjektivisme er en åndelig sykdom fra tiden som begynte med renessansen. Denne sykdommen består av antagelsen om at det som er nærmest meg er mitt "jeg", dvs. det nærmeste jeg vet er min virkelighet», skrev den berømte spanske filosofen José Ortega y Gasset, en teoretiker av modernistisk kunst. Avhandlingen «Kjenn deg selv», forkynt i antikken, har forblitt uferdig i vår tid. Mennesket forble som før et mysterium og en gåte ikke bare for seg selv, men også for andre. Situasjonen innen åndelig kultur og kunst, ifølge X. Ortega y Gasset, har utviklet seg på denne måten i stor grad på grunn av det faktum at «vi mister en følelse av avstand, mister respekt og frykt for kunst, nærmer oss den når som helst i hvilken drakt og stemning, og vi blir vant til å ikke forstå det,” dette er observasjonene om kulturens skjebne og den moderne sivilisasjonen til den fremragende tenkeren.
5. Det åndelige livet til en person i det tjuende århundre
Det moderne mennesket begynner i økende grad å se kunst fra det dagligdagse og nyttige, for å behandle det som et produkt av design, den "bleke nytelsen" som den estetiske nytelsen av skjønnhet i økende grad har blitt redusert til. Selvfølgelig ser vi ikke noe lignende i tidligere epoker. Estetisk kontemplasjon i dag er ikke lenger fri for pragmatisk interesse for kunstfaget, og det forblir mindre og mindre kunst og mer og mer en dekorativ utforming av miljøet rundt en person, som verdsetter mer komfortable levekår og er mindre og mindre i stand til å estetisk nyte det vakre.
Ytre konflikter beveger seg inn på det indre planet og blir konflikter i den åndelige sfæren av menneskelig eksistens – eksistensialister forsøkte å forstå dem. For Heidegger forårsaket disse prosessene «angst» og for Sartre «kvalme». Å rette menneskelige anstrengelser for å søke etter meningen med ens eksistens i verden ("å være-i-verden") rettferdiggjorde delvis livet hans, men ofte ble en person rett og slett overvunnet av kjedsomhet eller "russisk blues." Kierkegaard var en av de første filosofene som ga subjektive følelser (frykt, melankoli, kjedsomhet, etc.) ontologisk status, og understreket objektiviteten i deres eksistens i verden. Camus betraktet absurditet som en følelse som mest nøyaktig karakteriserer eksistensen til en person som levde på 1900-tallet - den er født ut av kjedsomhet, og negerer betydningen av alle andre opplevelser. I rutinen i hverdagen begynner en person i økende grad å stille spørsmålet: "Er det verdt å leve i det hele tatt?" Uten å ha en høyere mening og nåde, reflekterer Camus. «Det absurde er synd uten Gud», som er forbundet med nostalgi og lengsel etter et tapt paradis.
Hvor paradoksalt det kan virke, har absurditet mye til felles med sunn fornuft, sier Camus. For å overvinne eksistensens permissiveness og absurditet, er det nødvendig å strebe etter å utvikle "klarhet i visjonen og fullstendigheten av opplevelsen." En persons høyeste skjebne blir evnen til å bære livets byrde uten å resignere. Ifølge Camus er følelsen av livsfylde gitt av engasjement i kreativitet - dette er toppen man må strebe etter.
6. Modernisme og postmodernisme
Det ville være en feil å anta at den åndelige atmosfæren i det 20. århundre. uttrykte kun modernisme. Den kulturelle situasjonen viste seg å være mye mer komplisert. Gjennom århundres modernisme, og så postmodernisme, eksisterte og fortsetter å eksistere i opposisjon til andre bevegelser innen kunsten på 1900-tallet. og fremfor alt med realisme. Realistisk kunst, som erklærte seg i full kraft på 1800-tallet, fortsetter å være en av de største og utprøvde bevegelsene innen kunst. Det ser ut til å fremheve søkene og innovasjonene til mange, raskt erstatte hverandre skoler og retninger av modernisme og postmodernisme. Og mens en annen ny bevegelse innen kunst erklærer seg, har realismen sine beundrere som oppriktig elsker dens kreasjoner. Interessen for realisme er konstant og ubøyelig. Ofte førte konfrontasjonen mellom modernisme og realisme til at de nærmet seg. Dermed ble P. Picassos «Guernica» ofte kalt enten et modernistisk eller et realistisk verk. Hvis den første kjennetegner kunstnerens malestil, hans språk, så er den andre relatert til innholdet, skapelsen av sannferdige bilder som dypt trenger inn i essensen av det som er avbildet - krigstemaet som sjokkerte kunstneren og fremfor alt en spesifikk historisk begivenhet.
Det subjektive, personlige prinsippets stempel kjennetegner det 20. århundres kunst. fra tidligere tidsepoker. Kanskje i ingen annen tid har tilstedeværelsen av en kunstner i et kunstverk blitt følt med en slik kraft som i det 20. århundres kunst. I kunsten modernisme og postmodernisme i dens mange stiler og retninger, ble mange nøkkeløyeblikk i kulturen på 1900-tallet tydeligst reflektert.
Til tross for de relativt vanlige røttene som de to ledende bevegelsene innen kunsten på 1900-tallet vokste fra. modernisme og postmodernisme eksisterer samtidig og det er en betydelig forskjell i det kunstneriske bildet av verden, som disse to retningene var i stand til å reflektere. Innenfor modernismens rammer er det fortsatt en tro på vitenskapelig og teknologisk fremgang basert på utviklingen av naturvitenskap og teknologi, som ble dannet på ruinene av tro på religion og tradisjon. Men senere var det en avvisning av alle tradisjonelle moralske normer og verdier som europeisk kristen kultur hadde eksistert på i mange århundrer, en vending fra eurosentrisme til polysentrisme og konvertering av vestlig kultur til en ny, tidligere ukjent kultur i øst med sin mystikk, eksotisme og så videre. Modernismen søkte å komplementere rasjonalismen med irrasjonelle måter å forstå verden og være i verden på.
Modernismens kunst har skapt en helt annen kunstnerisk virkelighet, forskjellig fra den objektive verden rundt oss. Subjektivitet deformerte bevisst estetiske objekter, og skapte fundamentalt nye bilder i dens fantasi. Avvisningen av enhver kanon innen kunst førte til opprettelsen av ens egen individuelle stil (eller mange stiler) innen kunst. Stil, i motsetning til kanon, kommer fra individualiteten til "jeg" og manifesterer seg i ting, mener designere. Og en ny oppfatning higer i kunsten og livet etter lek, gest, provokasjon.
Samtidig 1900-tallets kunst. var et slags kunstnerisk dokument fra sin tid. De totalitære politiske regimene i Tyskland, Russland, Italia og andre land førte til fødselen av totalitær kunst, fremkomsten av bilder som er bevis på tiden, dens ledere og "helter". Og dette gjelder ikke bare kino eller kunst, men også fotografi, musikk, arkitektur, poesi osv. På 1900-tallet Det er nært samspill og gjensidig påvirkning av europeisk og russisk kultur. Altså på begynnelsen av 1900-tallet. S. Diaghilevs "Russian Seasons" og utstillinger av russiske kunstnere i Paris var viden kjent. Verkene til kunstnerne K. Korovin, V. Serov, V. Kandinsky, K. Malevich og mange andre representanter for russisk klassisk og avantgarde kunst er godt kjent over hele verden. Symbolister, futurister, akmeister og andre kunstneriske bevegelser i russisk kunst på begynnelsen av århundret reflekterte ønsket om fornyelse i deres poetiske og billedlige verk. De musikalske verkene til A. Skrjabin, S. Rachmaninov, D. Shostakovich var i stand til å uttrykke epokens "ånd" og sosiale omveltninger bedre enn mange historiske dokumentariske bevis om den. Romantikken i det sovjetiske hverdagslivet gjenspeiles i skulpturverkene laget av S. Konenkov og A. Golubkina, så vel som i maleriene til kunstnerne P. Vodkin, A. Deineka og andre.
Russisk kunst kan ikke forstås uten russisk historie, akkurat som historien i seg selv ikke kan forstås uten kunst. Utenfor arbeidet til A. Blok, V. Mayakovsky, S. Yesenin, A. Platonov, M. Tsvetaeva, A. Akhmatova, B. Pasternak, F. Iskander, Ch. Aitmatov og andre poeter og forfattere som ikke bare reflekterte ulike sider livet, dets motsetninger og konflikter, men også følelses- og opplevelsesverdenen til et individ og fremfor alt forfatterne selv. Takket være forbindelsen mellom kunst og virkelighet, oppdaterte og beriket språket sitt, utviklet nye stiltrekk og teknikker. Kunstnerisk kreativitet til den russiske "undergrunnen" på slutten av 1900-tallet. uttrykte sammenbruddet av idealer, skuffelse, forvirring og håp i post-sovjettiden.
Vitenskapelig og teknologisk revolusjon førte til fremveksten og utviklingen av nye typer kunst, som kino, fjernsyn, design, kunstnerisk fotografering, reklame osv. En ny følelse av tid i livet og i kunsten førte til en skjerping av persepsjonspsykologien av kunstnerisk kreativitet, endret menneskets holdning til naturen som et naturlig miljø et habitat.
Kunstnerisk kultur på 1900-tallet. Det er umulig å redusere det bare til noen strøm eller retning, for denne kulturen er mosaikk og er bredt representert av mange samtidige sameksisterende stiler og retninger. Men kunstnernes sivile likhet betyr ikke den estetiske ekvivalensen og ekvivalensen til deres verk. Prioriteten for verdens kunstneriske kultur er fortsatt kunst som har høy spiritualitet og moralsk mening, preget av perfeksjon og formskjønnhet. Slik kunst i sitt dypeste grunnlag har ikke mistet kontakten med tradisjonen, tvert imot gir tradisjonen næring og inspirasjon til mange kunstnere, og lar dem kreativt utvikle kunstens kanoner.
7. Russisk ikon fra det 20. århundre
En bemerkelsesverdig kulturell og historisk begivenhet i hele det åndelige livet i Russland og Vest-Europa var "oppdagelsen" av miraklet til det gamle russiske ikonmaleriet (1912), som den franske kunstneren Henri Matisse var direkte relatert til. Og i begynnelsen av det tredje årtusenet fortsetter det russiske ikonet å være et uovertruffen eksempel på perfeksjon i å skape et visuelt bilde av ekte spiritualitet. Gjenoppdaget på begynnelsen av 1900-tallet, ser ikonet ut til å være en guide og påminnelse til kunstneren og hele verden om det høye kall og skjebne som han må oppfylle før mennesker, slik at de ikke glemmer i hvilket bilde og likhet mennesket selv ble skapt.
Ofte blir ikonet sammenlignet med avantgardekunst, og ser noen lignende trekk ved språket deres og til og med setter dem på linje når det gjelder deres "kunstneriske fordeler." Imidlertid må man huske på den enorme forskjellen i naturen til disse to fenomenene. I virkeligheten tilhører det russiske ikonet og den russiske avantgarden to forskjellige åndelige poler. La oss se på dette mer detaljert.
For det første er et ikon ikke bare kunst og ikke så mye kunst. Den har mange andre funksjoner i tillegg til kunstneriske og estetiske. Å sammenligne et ikon med avantgarden utarmer dets betydning og formål betydelig. For det andre er ikonet hellig, dvs. inneholder hemmeligheten bak skapelsen av gudsbildet og de hellige. Hun deltar i bønn som et mellomledd mellom den troende og Bildet. Ikonet tilhører først og fremst Kirken og dets hovedformål er dens liturgiske funksjon. Derfor er ikonets bosted ikke museer og private samlinger, slik tilfellet er med avantgardekunstverk, men tempelet, som er dets sanne "hjem". For det tredje er ikonet strengt underordnet kanonen, dvs. visse lover og regler som den ble skapt etter og som ble kollektivt (konsiliært) etablert av kirken ved de økumeniske råd (husk at de viktigste for ikonmalere er II og VII). For det fjerde inneholder ikonet ikke bare en viss betydning, en viss spiritualitet, men formidler innholdet i Den hellige skrift ved hjelp av et spesielt språk.
8. Avantgarde kunst
Når det gjelder avantgardekunst, er dette et fenomen som helt og holdent tilhører den sekulære verden og kunstens verden, og bør ikke kreve noen spesiell rolle i menneskelivet. Riktignok ble den ved begynnelsen av avantgardeismens fødsel, sammen med dens kunstneriske funksjon, også tildelt en aktiv sosial rolle i den revolusjonære omorganiseringen av samfunnet. En stor rolle i dette tilfellet tilhørte kunstneren selv, hans subjektive smak og ideologiske ambisjoner. Avantgardekunst er snarere et eksperiment innen kreativ frigjøring av kunstneren, et opprør av energi, ofte ubevisst. Mens ikonmaleri krever en spesiell "bønneanstrengelse" og konsentrasjon av alle åndelige krefter, som det mentale og fysiske også er underlagt. Navnene på de tidlige ikonmalerne er ofte anonyme, de var så ydmyke at de ikke turte å sette sin signatur ved siden av helgenbilder. Dette kan ikke sies om avantgarde-artister som åpenlyst drømte om berømmelse og var godt kjent i løpet av livet.
Selvfølgelig, med respekt for den russiske tradisjonen, kan noen avantgarde-kunstnere ha absorbert og assimilert visse teknikker fra russiske ikonmalere, og ble påvirket av dem (som P. Vodkin eller N. Goncharova), men denne likheten er rent ekstern. og påvirker ikke essensen og dybden av å skape et ikonografisk bilde der alt er enhetlig og gjensidig avhengig. Tvert imot, avantgardekunsten søkte og streber nettopp etter å krenke denne integriteten med mulige midler, å omforme virkeligheten, å forandre mennesket selv. Det reflekterte opprøret, revolusjonen, tørsten etter et altoppslukende eksperiment som svevde over Russland og Europa på begynnelsen av det 20. århundre. Dermed viser selv den mest generelle sammenligningen av ikonet og avantgarden en betydelig forskjell mellom disse to fenomenene, som ikke bør settes på samme nivå.
Konklusjon
Så, i kulturen på 1900-tallet. Flere hovedtrekk kan identifiseres. For det første er det akselerasjonen av vitenskapelig, teknisk og industriell utvikling og, som en konsekvens, kunstnerisk utvikling sammenlignet med tidligere århundrer. Kunstnerisk tid og rom har endret seg radikalt, der hendelsesforløpet i økende grad begynte å bli erstattet av deres samtidige sameksistens og representasjon i ulike lag av tilværelsen. Nye medier og kommunikasjon, virtuell kunst, spredning av design, reklame og Internett har dukket opp.
For det andre, i åndelig og materiell kultur har det kanskje aldri vært en så rask endring i verdiorienteringer, smaker, ideologiske og kunstneriske bevegelser, stiler og retninger som på 1900-tallet. Dette gjelder først og fremst avantgardebevegelser, som kontinuerlig avløste hverandre. Men også til de realistiske trendene som utviklet seg på 1900-tallet. ikke mindre stormfull. Det er nok å si det, for eksempel innen billedkunst i andre halvdel av 1900-tallet. Nesten hvert tiår dukket det opp en ny generasjon artister med sine egne kreative egenskaper, programmer og til og med manifester. Kunstnerisk kultur på 1900-tallet. Den utmerker seg ved sin ekstraordinære differensiering, et mosaikkspekter av tradisjonelle og ikke-tradisjonelle typer kunst og åndelig praksis, samt måter å forstå verden og mennesket på. I tidligere epoker erstattet noen stiler og trender andre jevnt: på 1800-tallet. romantikk - realisme, impresjonisme - postimpresjonisme osv. På 1900-tallet. Det var en merkbar polarisering mellom avantgarde og klassisk, og deretter deres sammenslåing og fremveksten av nye spirituelle praksiser og måter å mestre dem på og "inkorporere" dem i moderne kultur.
For det tredje ble demokratiseringsprosessen i det offentlige liv også reflektert i kunstnerisk kultur, dens horisontale spredning blant de mest forskjellige lag i samfunnet og aldersgrupper. Som en konsekvens av denne prosessen, på 1900-tallet. Delingen av kultur i «masse» og «elite» har intensivert.
Filosofiske teorier i forskjellige historiske perioder inneholdt ikke bare originale kulturelle konsepter, men påvirket også den åndelige kulturen i hver epoke betydelig, og bestemte i stor grad det estetiske synet til tenkere og kunstnere, forfattere og musikere, komponister og regissører. Denne påvirkningen blir spesielt tydelig på 1900-tallet, da filosofi og kunst konkurrerer med hverandre i et forsøk på å forstå de mest komplekse prosessene som skjer i samfunnet og mennesket selv. Kunst henvender seg til filosofi for å utvikle kunstneriske kriterier og vurderinger av kunstverk, og prøver å forstå motsetningene i det kunstneriske og sosiale livet. Det er i den estetiske assimileringen av virkeligheten at fylden av den åndelige opplevelsen av kulturen i hver periode er inneholdt. Intensjonen om å forstå essensen av prosesser og analysere deres årsaker forener filosofi og kunst. Faktisk utgjør analysen av disse problemene emnet for kulturstudier.
Liste over kilder som er brukt
1. Rozanov V.V. Religion. Filosofi. Kultur. – M., 1992.
2. Gnedich P.P. Verdens kunsthistorie. – M., 2000.
3. Toynbee A. Historieforståelse. – M., 1991.
4. Mamontov S.P. med Fundamentals of Cultural Studies. – M., 1993.
Læring
Trenger du hjelp til å studere et emne?
Våre spesialister vil gi råd eller gi veiledningstjenester om emner som interesserer deg.
Send inn søknaden din angir emnet akkurat nå for å finne ut om muligheten for å få en konsultasjon.
Jo lenger vi beveger oss bort fra 1800-tallet, jo nærmere blir det oss. Dette fenomenet kan tilsynelatende forklares med det faktum at mange problemer - sosiale, etiske, kunstneriske - som ble stilt den gang, fortsatt angår oss i dag.
Begynnelsen av denne epoken går tilbake til krigen for uavhengighet av de nordamerikanske koloniene, til den store franske revolusjonen i 1789, som ga et avgjørende slag for det føydale systemet, på ruinene som en ny sivilisasjon ble bygget av, preget av følgende funksjoner:
den industrielle revolusjonen som startet i England ble omfattende for Europa og Nord-Amerika: et industrisamfunn ble skapt på grunnlag av storskala maskinproduksjon og en kompleks arbeidsdeling;
Føydale herrer og bønder mister sine posisjoner, i den nye sosiale strukturen i samfunnet kommer borgerskapet, proletariatet og urbane intelligentsia, som har økt i antall og har betydelig innflytelse i samfunnet, i forgrunnen;
sivilsamfunnet med dets lover og politiske partier blir dannet;
nasjoner og nasjonalstater dannes innenfor deres moderne grenser;
en rekke former for statlige og sosiale strukturer vokser frem.
Politiske, sosioøkonomiske og nasjonale spørsmål kom til uttrykk i kulturlivet i det europeiske samfunnet på 1800-tallet, der tradisjonelle undersystemer av kultur (religiøse, aristokratiske, folkelige) var i ferd med å miste sin tidligere betydning.
Den naturlige utviklingen av markedet var den "industrielle revolusjonen" - dette er navnet gitt til den raske utviklingen av produksjonen på 1800-tallet og dens kvalitative endring assosiert med vitenskapelige og tekniske oppdagelser. P. Sorokin beregnet at «det 19. århundre alene brakte flere oppdagelser og oppfinnelser enn alle tidligere århundrer til sammen», nemlig 8527.
Nye midler for å overvinne tid og rom dukket opp, takket være hvilke kulturell og vitenskapelig utveksling mellom folk intensiverte. Dette skyldes først og fremst utviklingen av transport og kommunikasjon. På 1800-tallet dukket havfart opp (Fultons dampskip - 1807), jernbane- og bilkommunikasjon.
Richard Trevithick var den første som kom opp med ideen om å konvertere til damptrekk. I 1802 fraktet det første lokomotivet han bygde 10 tonn malm eller 70 passasjerer med en hastighet på 8 km/t. Stephenson forbedret lokomotivet, dets kraft og hastighet betydelig. Dette gjorde det mulig i andre kvartal av 1800-tallet å gå over til bygging av jernbaner i massiv skala: innen 1840 i Europa og Amerika utgjorde jernbanenettet 8 tusen km, og i 1850 - mer enn 38 tusen km. Byggingen av jernbaner begynte også i Russland (den første i 1837 mellom St. Petersburg og Pavlovsk - 27 km, deretter Nikolaevskaya: St. Petersburg - Moskva).
Utseendet til bilen (1886, G. Deimer og K. Benz) og flyet (den første flyvningen til Wright-brødrene - 1903) ville vært umulig uten oppfinnelsen av motoren (i 1876 - N. Otto, i 1897 - R. Diesel).
En annen oppdagelse på 1800-tallet var bruken av elektrisitet. Likestrøm - grunnlaget for praktisk bruk av elektrisitet - ble oppnådd i 1800. I 1808 demonstrerte Devi prinsippet om drift av en buelampe, i 1880 introduserte Edison en glødelampe, hvoretter elektrisitet begynte å bli mye brukt til husholdningsbehov , som radikalt endret livsstilen til mennesker. Bruken av elektrisitet ville vært umulig uten utviklingen av det grunnleggende til en elektrisk motor i 1821 av Faraday og utviklingen av en elektrisk maskin i 1831. Det skal bemerkes at i 1834 oppfant akademiker Jacobi den første modellen av en elektrisk motor.
Disse oppdagelsene førte til oppfinnelsen i 1837, uavhengig av hverandre, av telegrafen til S. Morse og Cook og Wheatstone. Men tilbake i 1828-1832 designet Schilling den elektriske telegrafen i Russland. Allerede i 1868 var lengden på telegraflinjen i England over 25 tusen km. Telegrafen vinner raskt terreng, og samfunnet blir mer informert.
Kommunikasjon mellom mennesker, kontinenter og kulturer akselererer med oppfinnelsen av telefonen. Den første telefonen var en enhet designet av F. Reis i 1861, men den forble et leketøy. I 1860 oppfant italieneren Manzetti også telefonen, men patenterte den ikke, som amerikanske A. Bell i 1876. Denne telefonen fikk praktisk anvendelse i alle siviliserte land i verden. Til å begynne med var rekkevidden for samtalen ca. 30 km, deretter opp til 72 km, men med introduksjonen i 1890 av induksjonsladesystemet og vakuumrørforsterkere ble rekkeviddeproblemet eliminert.
1800-tallet kan virkelig betraktes som århundret for teknologiens triumf, den radikale gjenopprustningen av menneskeheten med arbeidsverktøy og bevæpning med nye tekniske produksjonsmetoder: fra plogen til traktoren, fra den enkleste dampmaskinen til den massive bruk av elektrisk energi og til flyet...
Grunnlaget for disse kvalitative endringene var utviklingen av vitenskap, både anvendt og grunnleggende. Fysikk og kjemi, som allerede gjorde store fremskritt på 1700-tallet, har kommet i forgrunnen i det nye århundre og utvikler problemer med termisk og elektrisk energi. Loven om bevaring og transformasjon av energi ble oppdaget, og fysikere begynte å strebe etter å forklare alle fysiske og kjemiske prosesser i naturen med energi. Allerede i andre halvdel av århundret førte imidlertid oppdagelser innen materiens elektriske og atomære struktur til et sammenstøt mellom energiteori og atomteori. Verkene til den østerrikske fysikeren L. Boltzmann, engelskmannen J.K. Maxwell, tyskeren M. Planck og andre førte til opprettelsen av en ny fysikk basert på studiet av elektromagnetiske bølger og materiens atomstruktur. Dens hovedretninger, utviklet av H.A. Lorenz, V.K. Roentgen, E. Rutherford, N. Bohr, A. Einstein, en stor gruppe russiske fysikere, kokte ned til følgende grunnleggende teoretiske prinsipper:
a) uuttømmeligheten av naturens strukturelle struktur;
b) komplementaritet og gjensidig nødvendighet i kontrast til den klassiske funksjonen til verdens materielle og energibilder;
c) den aktive rollen til vitenskapsmannen - et erkjennende subjekt, og derfor en filosofisk studie av problemet med objektiviteten til kunnskap.
La oss huske navnene på noen forskere, hvis funn bør være kjent for studenter som studerer fysikk, kjemi og matematikk.
Engelskmannen D. Joule og tyskeren R. Mayer bekreftet ikke bare loven om bevaring av energi, men skapte også en hel gren av teoretisk mekanikk.
Den russiske kjemikeren A. Butlerov, som bygger på forskningen til A. Cooper og F.A. Kekule, skapte teorien om materiens kjemiske struktur. Ved Kazan-skolen for organiske kjemikere, som A.M. tilhørte. Butlerov, universitetsprofessor N.N. I 1842 oppdaget Zinin en metode for å produsere anilin og erstatte vegetabilske fargestoffer med anilin, og først da, i 1856, ble den engelske kjemikeren W.G. Perkin syntetiserte anilinfargestoff. Der oppdaget Clausewitz grunnstoffet ruthenium (russisk).
I 1859-1861 W. Bunsen og G. Kirchhoff oppdaget spektralanalyse. I 1869 Mendeleev D.I. oppdaget den periodiske loven om kjemiske elementer, som var inkludert i det periodiske systemet av grunnstoffer som han utviklet. Dermed ble grunnlaget for moderne kjemi lagt, nye kjemiske vitenskaper ble opprettet - fysisk kjemi, stereokjemi, elektrokjemi, biokjemi, farmakologi. På slutten av århundret hadde kjemi blitt en ledende gren av vitenskapen.
Den raske utviklingen av maskinproduksjon henger også sammen med utviklingen matematikk og mekanikk. Russiske matematikere bestemte faktisk alle hovedretningene til denne vitenskapen. Oppdagelsene til rektor ved Kazan-universitetet, professor N.I., var av stor teoretisk betydning. Lobachevsky - grunnleggeren av ikke-euklidisk geometri, senere brukt til å løse kosmiske problemer, kvanteteorien. Oppdagelser i matematisk fysikk M.V. Ostrogradsky, opprettelsen av teorien om differensialligninger av A.M. Lyapunov, grunnlaget for moderne tallteori P.L. Chebyshev førte til det faktum at den russiske matematikkskolen ble ansett som den mest avanserte i verden.
Dannelsen av et kvalitativt nytt bilde av verden skyldtes i stor grad suksessene biologisk vitenskap. Allerede på begynnelsen av århundret dukket det opp ulike hypoteser om utviklingen av alle levende ting. Vitenskapen om paleontologi oppsto, og beviste at mennesket dukket opp på jorden mye senere enn levende vesener og planter. Den franske vitenskapsmannen J.B. Lamarck og hans tilhengere kom til ideen om utviklingen av arter. Basert på materialet akkumulert av ulike vitenskaper, underbygget Charles Darwin i et verk publisert i 1859 vitenskapelig den evolusjonære utviklingen av den organiske verden som et resultat av naturlig utvalg. Denne læren erstattet til slutt den teologiske ideen om liv på jorden og etablerte i hodet til verdens forskere ideen om en vitenskapelig-historisk tilnærming til analysen av alle livsfenomener.
Før Darwin, russiske forskere H.I. Pander og K.M. Baer og den tyske biologen T. Schwann skapte en teori om cellestrukturen til hele den organiske verden. Alt dette førte til arbeidet til G. Mendel, deretter T. Morgan, som ga opphav til en ny vitenskap - genetikk.
Ved å undersøke årsakene til vingjæring, etablerte den franske forskeren Louis Pasteur rollen til mikroorganismer i denne prosessen, og deretter i smittsomme sykdommer, og utviklet tiltak for å bekjempe de farligste sykdommene. Han var den første som brukte beskyttende vaksinasjoner mot rabies og miltbrann, utviklet en metode for matkonservering (pasteurisering), og skapte grunnlaget for bakteriologi og teorien om immunitet. I 1888 ble Pasteur Institute (Paris) opprettet. Arbeidet til den tyske mikrobiologen R. Koch er assosiert med studiet av patogener av tuberkulose, kolera og difteri. Disse arbeidene tjente som grunnlag for dannelsen av vitenskapelig sanitær og hygiene, og forebygging av smittsomme sykdommer. Medisin fra 1800-tallet fikk betydelig sosial betydning.
I det siste århundre har nye retninger og metoder for diagnose og behandling dukket opp i medisinsk vitenskap. Oppdagelsene til J. Liebig om kjemiske prosesser i en levende organisme, R. Virchow om degenerering av celler og svulster, og russiske forskere I.M. hadde en eksepsjonell innflytelse på utviklingen av medisin. Sechenova, S.P. Botkina, I.P. Pavlova innen feltet for å studere det menneskelige nervesystemet ...
Gjennom århundret forsøkte filosofien først å forklare det mekanistiske verdensbildet, og deretter finne en vei ut av den eksisterende motsetningen mellom objektiv kunnskap og dens tolkning. Fra en idealistisk posisjon prøvde I. Kant, I.G. å løse disse problemene. Fichte, F.W. Schelling, G. Hegel, som sto på toppen av klassisk tysk filosofi. På midten av århundret skapte K. Marx og F. Engels en dialektisk-materialistisk doktrine, ved hjelp av denne forsøkte de å forklare naturlige og sosiale prosesser. I andre halvdel av århundret skiller følgende seg ut: teorien om vulgær materialisme (L. Buchner, K. Focht), positivisme (O. Comte, G. Spencer), irrasjonalisme (A. Schopenhauer, E. Hartmann), nykantianisme (W. Windelband, G. Rickert ), intuisjonisme (A. Bergson), nyhegelianisme (F.G. Bradley, J. Royce, A. Liebert), machisme (E. Dewey), livsfilosofi (F. Nietzsche , G. Simmel, O. Spengler). Hele denne mengden av filosofiske trender, som studentene vil bli kjent med i løpet av filosofien, ga ikke en eneste systemisk begrunnelse for de naturvitenskapelige skiftene som 1800-tallet var så rikt med.
For å studere og forklare sosiale fenomener og prosesser skapte O. Comte, G. Spencer, M. Weber, E. Durkheim en ny vitenskapsretning - sosiologi, på grunnlag av dens sosialpsykologi, kunstsosiologi, sosiometri, kognisjonssosiologi og mange andre områder av relaterte vitenskaper dannes.
På slutten av århundret dukket det opp sosiofilosofiske ideer som hadde større innflytelse på samfunns- og kulturutviklingen på 1900-tallet: «psykoanalyse» av S. Freud, som reduserer alle kulturelle begivenheter til ulike former for manifestasjon av det primære. livsinstinkter og drifter til en person, og motkulturen til F. Nietzsche, som koker ned til fornektelse av offisiell kultur.
For å oppsummere det som er sagt, bør det bemerkes at på 1800-tallet ble de viktigste politiske og ideologiske doktrinene dannet, på grunnlag av hvilke hele menneskesamfunnet utviklet seg på 1900-tallet og som påvirket tidens kultur.
1800-tallet ga ikke en eneste retning eller stil i kulturen. Slik skiller det seg fra tidligere tidsepoker. Dette kunne ikke skje i en raskt skiftende, mobil og ustabil verden. Fornuften, som opplysningsmennene satte sitt håp til, var ikke i stand til å løse motsetningene og vise veien til en perfekt verdensorden. Hver større personlighet eller krets av likesinnede forsøkte å si et nytt ord på jakt etter sannhet.
En av de største bevegelsene av denne typen var romantikken, som dukket opp på 1870-tallet i perioden med å bryte ned føydale forhold og kapitalismens fremvekst. Den romantiske bevegelsen spredte seg til alle europeiske land, og senere til Russland og Amerika. I hvert land manifesterte romantikken seg forskjellig og eksisterte frem til 30-60-tallet av 1800-tallet, og gikk inn i et unikt forhold til kritisk realisme. Romantikken gikk gjennom flere stadier i sin utvikling og utviklet seg merkbart under denne bevegelsen. De tidlige romantikerne aksepterte entusiastisk den store franske borgerrevolusjonen. Det virket for dem som om den stygge verden ville bli organisert i henhold til lovene om rettferdighet, skjønnhet og adel. De håpet at idealet om en perfekt person ville bli nedfelt i virkeligheten. Men forhåpningene var ikke berettiget. Harmonien mellom individet og samfunnet gikk tapt. I et forsøk på å overvinne ensidigheten til opplysningsrasjonalismen, ved å tro at frihet bare er mulig innenfor grensene for det individuelle åndelige livet, vendte romantikerne seg fra menneskets sosiale liv og dets formål til problemene med det indre, åndelige, følelsesmessige livet til individuell. For romantikere er en person et lite univers, et mikrokosmos. En person må finne seg selv, og for denne Fr. Novalis (1772-1801) introduserte et symbol i romantisk litteratur - bildet av en "blå blomst", som hadde en viktig betydning for romantikere: søket etter seg selv. Denne letingen er en intens, kompleks prosess, og romantikere vender sin interesse mot sterke og levende følelser, altoppslukende lidenskaper, til sjelens hemmelige bevegelser, til dens nye side - individet, det ubevisste.
De proklamerte frihet og uavhengighet som sitt viktigste livsprinsipp, de gikk inn i etablerte tradisjoner, de bryter dem, og anså det ikke som deres plikt å følge lærernes forskrifter. De tar til orde for fornyelse av kunstneriske former, mot klassisismens normativitet, og mente at det i tillegg til gammel kunst var gotisk kunst, ridderromanser og folkelegender, og de priste dem i sitt arbeid. Tilsynelatende destruktive tendenser – nihilisme og brudd på tradisjoner – er faktisk romantikkens kreative essens. De gjenopplivet glansen til renessansefigurene, som hadde begynt å bli glemt, og vekket interesse for middelalderen (ofte idealiserte den), og for østens kultur.
Romantikere mente at det ikke er noe frosset i verden, det er en evig fornyelse i den og mennesket eksisterer i en verden i stadig endring. Dette var universelt - i litteratur, kunst, filosofi og politikk, psykologi - ønsket om fornyelse, ubegrenset frihet: sivil og personlig. I romantikernes verk er det et motiv av den fengslende evige jakten på et ideal, vandringer og lengsel etter avstanden. Og en endring av sted, handling eller karakter er det motsatte av klassisismens prinsipper. Karakterene beveger seg rundt, bilder av en postvogn og reiser dukker opp. I russisk litteratur, for eksempel, er dette reisene til Chichikov i diligens eller Chatsky, som kommer fra et sted i begynnelsen av stykket ("Han ble behandlet, sier de, i surt vann ..."), og deretter drar et sted igjen ("Gi meg en vogn, vogn"). I L. Tiecks roman "The Wanderings of Franz Sternbald" møter helten mange mennesker og finner i hver av dem noe kjært og nært.
Essensen i det romantiske verdensbildet er erkjennelsen av den dramatiske uløselige motsetningen mellom den stygge virkeligheten og det høye idealet som er uforenlig med den. Ifølge V. Hugo, «det stygge ... eksisterer ved siden av det vakre, det stygge - ved siden av det vakre, det groteske - med det sublime, onde med det gode, mørke med lys... Alt henger sammen med hverandre. ” Ved å fikse kontraster, forsøkte de tidlige romantikerne å kombinere dem. Derav halvtonene, den "flytende" poetiske stilen. I følge F. Schlegel (1772-1829), en tysk kulturfilosof, er integritet «det høyeste mangfoldet av fenomener». Og hvert fenomen, hvert objekt er komplekst; for å forstå det, må du ta hensyn til alle dets fasetter, se på det fra forskjellige synspunkter. Likeledes har Novalis (tysk forfatter og filosof) i «Fragmenter» og romanen «Heinrich von Ofterdingen» ideen om at liv og død opptrer i dialektisk enhet; og etter Henrys møte med Zuleima (på tampen av korstoget til Jerusalem), blir det gjort justeringer av forståelsen av krigens mål og natur.
Romantiske helter opplever følelser fra glede til skuffelse, fra inspirasjon til fortvilelse. M. Prishvin uttrykte subtilt essensen av romantikk - "streben etter det enestående."
Romantikkens litteratur og kunst er preget av en appell til åndeliggjort og helbredende natur. En av fasettene til det romantiske idealet var hagen. Han tiltrakk seg romantiske forfattere med sin evne til å reagere på forskjellige tilstander i den menneskelige sjelen. Hagen i seg selv vekker de mest subtile, følsomme strengene i menneskehjertet, så hagen er et sted for drømmer, tanker og minner. Hagen som en modell av verden gjenspeiler den romantiske ideen om menneskets rolle og plass i verden, om hans forhold til naturen: Romantikkens mann føler seg en viktig del av naturen, utstyrt med de samme kreative evnene som den, inn i konkurranse med den.
Den ustabile freden i Europa, misnøye med nåtiden, ønsket om frihet aktualiserte følgende temaer:
Napoleons personlighet. Håp knyttet til progressive endringer i det sosiopolitiske livet i Europa. Deretter - politiske konflikter, som ikke stoppet selv etter Napoleon.
Frigjøringsbevegelser mot Napoleons okkupasjon (spesielt i Italia, Tyskland, Hellas), kolonisering av Amerika.
Ludditbevegelse i England.
Sosiale endringer knyttet til finansborgerskapets seier, parlamentariske reformer og samtidig arbeiderklassens uavhengige bevegelse.
Alle disse problemene går gjennom en person, hans sjel. Romantikerne skapte nye sjangre: historisk roman, psykologisk historie, lyrisk poesi, ballade, lyriske dikt. De innså spesielt tydelig og helhetlig historisismen ved tenkning i arbeidet sitt, og anerkjente ekvivalensen mellom tidligere og nye kulturer.
Historiske romaner om vendepunkter i kulturhistorien ble skapt av Walter Scott (1771-1832): «Puritanerne», «Rob Roy», «Ivanhoe» osv., Alfred de Vinon: romanen «Saint Mar» (om konspirasjonen). av adelen mot kardinal Richelieu), Victor Hugo (1802-1885): "Notre Dame", "Les Miserables", "Mannen som ler", "93", Adam Mickiewicz (1798-1882) - figur i den nasjonale frigjøringen bevegelse, polsk poet - dikt " Pan Tadeusz."
Fenimore Cooper (1789-1851) uttalte seg mot slaveri og grusomhet mot indianere under koloniseringen av Nord-Amerika: "The Last of the Mohicans", "Pioneers", "St. John's Wort", Henry Longfellow (1807-1882) - " The Song of Hiawatha " og etc.
Men protestens heltemot eller nasjonal frigjøring og revolusjonær kamp eksisterer ofte samtidig blant romantikerne (spesielt fra den senere perioden) med motivene "verdenssorg", "verdens ondskap", "nattsiden" av sjelen, som er kledd. i konvensjonelle former for grotesk og fantasi. En kritisk holdning til ufullkommen sosial virkelighet gir opphav til romantisk ironi, og senere satire. På den annen side streber romantikken etter å produsere den indre verdenen til en rastløs person. Ideen om livets dissonante essens, den tragiske oppløsningen av den opprinnelige harmonien styrkes. Dette tragiske gapet mellom sosial virkelighet og det romantiske idealet var dypt følt, ble kalt dobbeltverdener og er det mest karakteristiske trekk ved den romantiske metoden.
Hvem er de - romantiske forfattere? Dannelsen av romantikken er i stor grad forbundet med navnet på den engelske poeten, jevnaldrende, medlem av House of Lords og samtidig opprørsrevolusjonæren J. Byron (1788 - 1824). Ja, han uttalte seg til forsvar for luddittene, han var medlem av den italienske Carbonari-bevegelsen og døde i Hellas, og deltok i den nasjonale frigjøringsbevegelsen. Og i diktet «Childe Harolds pilgrimsreise» (1812) skapte han bildet av et fritt individ, en skuffet enstøingsopprører, en bærer av de sosiale følelsene fra det tidlige 1800-tallet. I de «østlige» diktene «The Giaour», «The Corsair» og «Lara» oppfordrer Byron åpent de undertrykte folkene til å reise seg mot sine undertrykkere. Byron skrev de filosofiske dramadiktene «Manfred» og «Cain» og et av dikterens beste verk, «Don Juan». Aktiv humanisme og profetisk framsyn gjorde Byron til hersker over tankene i det daværende Europa. En person for hvem uavhengighet er mer verdifull enn personlig fred og lykke kalles den "byroniske helten."
Kjente romantikere var engelskmennene J. Keats og Percy Bishu Shelley.
J. Keats (1795 - 1821) i "Endymion" taler mot puritansk hykleri, og i odene "Fire" og "Psyche" sang han kulten for skjønnhet og harmoni i naturen. Han er forfatteren av det symbolsk-allegoriske diktet «Hyperion».
P.B. Shelley (1792-1822) - forfatter av det allegoriske diktet "Queen Mab", som avslører fordervelsen til det moderne samfunnet. I diktet «The Rise of Islam» rettferdiggjør han despotismens voldelige styrt. Han ga en filosofisk forståelse av problemene med frihet og tyranni i tragedien "Cenci" og i det lyriske diktet "Prometheus Unbound."
Kjente representanter for romantikken var de verdensberømte historiefortellerne William Hauff, Hans Christian Andersen og brødrene J. og V. Grimm, som vendte seg mot folkekunsten: språk, bilder, moral, i en allegorisk form avslørte og latterliggjorde grådigheten, oppkjøpsevnen til det rike, glorifiserte motet, intelligensen, menneskeverdet til vanlige mennesker.
I tillegg til de tidligere nevnte kjente tyske forfattere og romantiske filosofer (Fr. Novalis, F. Schlegel, L. Tieck), er det nødvendig å merke seg Ernest Theodor Amadeus Hoffmann (1776-1822). I hans arbeid nådde den tyske romantikken sitt høydepunkt. En begavet mann, han var forfatter, komponist og kunstner. I verkene sine hentet han frem en eksentrisk helt, en drømmer, som rømte inn i kunstens og fantasiens verden. Karakterene hans er preget av subtil filosofisk ironi og lunefull fantasi, og når punktet av mystisk grotesk (romanen "Djevelens eliksir"), kombinert med en kritisk virkelighetsoppfatning (historien "Den gyldne gryte", eventyrene "Little Tsakhes" ”, “Loppenes Herre”) og en satire over tysk filistinisme og føydalabsolutisme (romanen “The Everyday Views of Murr the Cat”). Hoffmanns poetiske bilder passer godt med musikk, de ble oversatt til verkene sine av R. Schumann ("Kreisleriana"), J. Offenbach ("The Tales of Hoffmann") og P.I. Tsjaikovskij (Nøtteknekkeren).
I første halvdel av 1800-tallet var Heinrich Heine (1797-1856) en stor tysk poet som kombinerte romantikk og ironi i sitt arbeid. Temaet ulykkelig kjærlighet (egen svikt) ble lenge dominerende i Heines tekster. Med uvanlig kraft er han i stand til å skildre på noen få linjer et komplekst bilde av følelser, et landskap rikt på stemning, og gi en liten hverdagsskisse. Et politisk tema resulterer noen ganger i en feuilleton eller et virkelig lyrisk verk, og lyriske dikt får plutselig en skarp sosial betydning. Ofte er dikt nær i formen til folkesanger.
Etter den franske revolusjonen i 1830 dro Heine til Paris, hvor han ble resten av livet. Her tok endelig dikterens satiriske talent form. Han støttet et fragmentert Tyskland, drømte om et samlet demokratisk hjemland, fulgte arbeiderbevegelsen og var venn med K. Marx.
Dikt «Tyskland. Winter's Tale» - om inntrykkene fra en reise til mitt hjemland. Det ekle bildet av det reaksjonære Tyskland og kjærligheten til folkets Tyskland. Men frihet og lykke kommer ikke av seg selv, de må erobres.
Vi er en ny sang, vi er en bedre sang
Nå, venner, la oss begynne.
Vi vil gjøre himmelen til jord,
Jorden vil være vårt paradis.
Nazistene inkluderte Heines verk på listen over bøker som er utsatt for brenning og evig glemsel, noe som indikerer den moderne lyden av poesien hans.
Etableringen av romantikkens prinsipper i Frankrike er assosiert med navnene til François Chateaubriand (1768-1848), Germaine de Stael (1766-1817), Alfred de Vigny (1797-1863), Alfred de Musset (1810-1857), Victor Hugo (1802-1885) og George Sand (1804-1876). De representerte forskjellige retninger av romantikken: Chateaubriand - konservativ, religiøs; de Stael er liberal (forresten, hun forsvarer kvinners rett til følelsesfrihet); Sand er demokratisk.
Av de amerikanske forfatterne bør, i tillegg til de som er nevnt ovenfor, spesielt nevnes Edgar Allan Poe (1809-1849), grunnleggeren av detektivlitteraturen. Novellene hans er overveiende tragiske, fantastiske eller humoristiske. Eksperter anser ham som symbolismens forløper.
Under påvirkning av europeisk romantikk, på midten av 1800-tallet, tok romantikken form i Russland, som hadde forskjellige trender. De spesifikke egenskapene til en av dem var patosen til høyt statsborgerskap. De sentrale temaene var fedrelandet og tjeneste til fedrelandet. Dette er verkene til Decembrists: "Dumas" av K.F. Ryleev, dikt av A.I. Odoevsky, V.F. Raevsky, V.K. Kuchelbecker og andre. Arbeidene deres er manifester av kampen for «undertrykt menneskelig frihet». Arbeidet til I.I. utviklet seg i tråd med sivilromantikken. Kozlova, A.A. Delviga, N.M. Yazykova.
Menneskets åndelige verden og dets innerste følelser ble sunget av V.A. Zhukovsky ("Lyudmila", "Svetlana", "Til henne", i verket "Sanger in the Camp of Russian Warriors" glorifiserer Zhukovsky sitt elskede hjemland), K.N. Batyushkov.
Etter nederlaget til Decembrists, da skuffelsen grep en betydelig del av det russiske samfunnet, ble pessimismens stemning intensivert i litteraturen - elegiske motiver kom tydeligst til uttrykk i poesien til E.A. Baratynsky. Forsøk på å forstå motsetningene mellom eksistens og personlighet ble gjort av F.I. Tyutchev og V.F. Odojevskij. Romantikkens høydepunkt i russisk litteratur var det tidlige arbeidet til A.S. Pushkin. Hans frihetselskende dikt "Liberty", "Village", "To Chaadaev" og andre fikk enorm popularitet. Hele Russlands avanserte intelligentsia kjente dem utenat. Skuffelse i virkeligheten, lengsel etter idealet om en fri og opprørsk personlighet drev de tidlige romantiske diktene og modne tekstene til M.Yu. Lermontov ("Duma", "Både lei og trist", "Profet", dikt "Mtsyri", drama "Masquerade"). I diktet "Demon" legemliggjorde Lermontov symbolsk ideene om personlig opprør mot urettferdigheten til "verdensordenen", ensomhetens tragedie.
Men det var andre trender i romantikken som snakket fra posisjonen til offisiell nasjonalitet, og glorifiserte den treenige formelen "Ortodoksi, autokrati og nasjonalitet" - F. Bulgarin, N. Grech, O. Senkovsky og andre.
I billedkunsten ble romantikken tydeligst manifestert i maleriet av Frankrike. Her, under restaureringen og julimonarkiet, i en hardnakket kamp mot den offisielle akademiske klassisismens dogmatisme, oppsto den mest konsekvente romantikkens skole.
Sammenbruddet av illusjoner knyttet til Napoleontidens prakt, misnøye med nåtiden og tørsten etter store lidenskaper - dette er det fransk romantikk vokste ut av. Den frosne antikke masken og ansiktet til folket forvrengt av fortvilelse og håp - absurditeten i de gamle kanonene i maleriet var for åpenbar. Klassisismens ramme kunne ikke romme hendelsene som rystet Europa og Frankrike. I kampen for lidenskaper, kokingen av poetiske følelser, ble en ny kunst født - romantikk, designet for å gjenspeile all dramatikken, all kompleksiteten i den nye tiden. Det er i det virkelige liv, i motsetning til klassisismen, at kunstnere finner det betydningsfulle og heroiske.
Begrepet "romantikk" i forhold til maleri ble først brukt i en nekrolog skrevet etter den franske kunstneren Theodore Gericaults død; før det ble det bare brukt i litteratur.
Géricault tilhørte en generasjon fransk ungdom som levde med en sjokkert bevissthet, men vekket av Napoleons seire og nederlag. Hans første verk var inspirert av seire - "En offiser av beredne rangers går til angrep" (1812), deretter, som en kontrast til ham, "En såret kyrasser som forlater slagmarken" (1814). Manifestet for den nye kunsten var det syv meter lange lerretet "The Raft of the Medusa" (1819) - en tragisk rapport om forliset til fregatten "Medusa" i 1816, om døden til nesten hele mannskapet. "Dette er selve Frankrike, dette er samfunnet vårt lastet på flåten til Medusa," skrev historikeren Michelet. Ja, bildet ble oppfattet som et journalistisk arbeid: et hjemmelaget seil blåses opp av vinden rettet i motsatt retning fra skipet som dukket opp i horisonten, og flåten bæres tilbake. Betydningen av bildet vokser ut av betydningen av den virkelige episoden: Frankrike, ydmyket og nedtrampet etter sin oppgang, opplevde katastrofen ved sitt fall... vil det bli reddet?
Den pro-regjeringsvennlige pressen kalte forfatteren en "farlig opprører." Maleriet, nå et mesterverk av Louvre, er forbudt. I løpet av forfatterens levetid, selv om verkene hans dukket opp på utstillinger, ble ingen av dem kjøpt. Theodore Gericault levde et kort liv og døde i fattigdom. I mellomtiden åpnet maleriet en ny side i vesteuropeisk maleri. Gericaults arbeid er virkelig preget av alle egenskapene som er forbundet med romantikk: intensiteten av følelse og fantasi, lidenskap for dramatiske situasjoner, lidenskapelig dynamikk. Alt dette forstyrret balansen i komposisjonen og gjorde tegningen ujevn.
En av de viktigste figurene i kunsten på 1800-tallet var Eugene Delacroix. Den russiske kritikeren V. Stasov vurderte ham som "den viktigste revolusjonæren og pioneren" innen farge, i utviklingen av harmoniske lover for fargemaleri. DVS. Repin skrev at "i form av glans og kraft av farger, tok han et dristig skritt fremover ...". Dette trinnet ble reflektert i arbeidet til de franske impresjonistene. A.V. Surikov kalte Delacroix "en komponist innen maleri." Og han hadde rett - Delacroix viet mye arbeid og krefter på å utvikle komposisjonen og musikaliteten i maleriet (jaget rytme og harmoni som er iboende i musikk). Omfattende begavet, hadde han både musikalsk og litterært talent, Delacroix etterlot dagbøker og artikler om kunst og kunstnere, som avslørte nyheten i hans estetiske vurderinger, som var i strid med dogmatiske, akademiske opuser om maleri. Men hovedsaken er at han etterlot verkene sine, fullførte over 40 år med kreativitet.
Berømmelse kom til ham i 1822, da han stilte ut "Dantes båt" i salongen: Virgil og Dante krysser den dystre elven Styx, der kroppene til de onde levende døde virvler. Betrakteren ble ikke bare overrasket over handlingen, men også av fargens koloristiske kraft. "For bedre å forestille seg det fantastiske inntrykket av Delacroix sin debut," skrev Théophile Gautier senere, "må vi huske hvor ubetydelig og kjedelig ... den nyklassisistiske skolen, en fjern refleksjon av David, ble til slutt. En meteor som falt ned i en sump midt i flammer, røyk og støy kunne ikke ha forårsaket mer forvirring i et kor av frosker." Det var andre meninger: bildet var "malt med en beruset kost." Men én ting var klart: det var en seier!
Fra og med temaet Dante, vender Delacroix seg til Shakespeare, Goethe, W. Scott og Byron. I løpet av sorgdagene for Byron i april 1824, stilte Delacroix ut lerretet "Massacre at Chios" på Paris Salon. Dette var bomben som sprengte salongen. Progressive Europe fulgte med uro de dramatiske hendelsene i Hellas, og... Delacroix brakte sterkt, rasende ned over publikum sannheten om krigens gru. Fiender fra klassikernes leir kalte dette maleriet "en massakre av maleri." For å forsvare romantikere mot de ondsinnede angrepene fra konservative skrev Hugo: «Det er ikke tørsten etter noe nytt som begeistrer sinn, men behovet for sannhet, og dette behovet er enormt.» Tragedien til Byron er inspirert av maleriet "The Death of Sardanapalus" - Delacroix ble tiltrukket av kraftige lidenskaper, og han taklet dette strålende takket være en rik koloristisk løsning. Kunstkritikere mener at dette er et av kunstnerens mest romantiske malerier. Kunstministeren La Rochefoucauld advarer den unge kunstneren og kunngjør at han ikke kan regne med noen statlige ordre før han endrer oppførsel. Tordenen fra julirevolusjonen i 1830 måtte ringe ut for at Delacroix skulle slutte å være en utstøtt. Det var ingenting å bli overrasket over, for den berømte frihetskvaleren Thiers sa en gang: "Vi kjenner disse romantikerne - i dag er han en romantiker, og i morgen en revolusjonær."
"Den mest interessante tiden i vårt århundre" ble kalt av A.S. Pushkins revolusjonære kupp i Paris. "Jeg begynte å male om et moderne emne - en barrikade," skrev Delacroix til sin bror. "Hvis jeg ikke kjempet for fedrelandets frihet, så vil jeg i det minste lage malerier til hans ære!"
«Frihet på barrikadene den 28. juli 1830» kalte kunstneren sitt lerret. Det var en storslått reportasje om hva som hadde skjedd, uten sidestykke i kunsthistorien. Den franske revolusjonens apoteose. En gledelig salme til Seier. Maleren kombinerte det tilsynelatende umulige - protokollvirkeligheten til en reportasje med det sublime stoffet til en romantisk, poetisk allegori. Hvordan ble dette bildet mottatt? Etter seieren blusset lidenskapene rundt bildet opp igjen: heltene er rasende - "mobben", "denne jenta" er rasende: "hvis friheten er sånn... trenger vi den ikke, har vi ingenting å gjøre med denne skammelige røven!»
160 år har gått, og i dag er «Frihet på barrikadene» Frankrikes stolthet, Louvres perle.
Delacroix hadde en sjelden bredde av synspunkter, objektivitet og historisisme i sine vurderinger om kunst, og var i stand til å sette stor pris på det nye ordet - Courbets realisme. I 1864, et år etter Delacroix’ død, dukket det opp et lerret med den betydelige tittelen “The Apotheosis of Delacroix” på salongen, hvor Edouard Manet, Charles Baudelaire... beundrere av hans talent samlet seg rundt den avdøde kunstneren. Blant dem kan man telle Renoir, Degas, Cezanne, som også aktet den store romantikeren og betraktet ham som faren til fransk maleri på 1800-tallet.
Oppdagelsen av kompleks individualitet av romantikerne tjente betydelig tjeneste for realistene, og banet vei for dem til nye høyder i forståelsen av menneskets indre verden.
Realismen arver det viktigste av prinsippene for romantisk estetikk – historisismens prinsipp. Men hvis det blant romantikerne hadde et idealistisk grunnlag, så hadde det blant realistene et materialistisk grunnlag (deres spesielle interesse for de økonomiske strukturene i samfunnet, i sosialpsykologien til de brede massene av folket; historisismen er nedfelt i skildringen ikke av fortiden, som med romantikerne, men av moderne borgerlig virkelighet som et bestemt stadium i historieland). Det begge stilene har til felles er kritikken av klassisismen og dens hovedkanoner.
Romantikken ga drivkraft til utviklingen av realismen, men selv ble han ikke beseiret av sitt hjernebarn. Krysset av disse retningene finnes i Honore de Balzac, C. Dickens, M.Yu. Lermontov, L. Maskani, G. Heine og andre.
Livets grusomme praksis tvang kunstnere til å gå dypere inn i det sosiale livet, inn i den moderne virkeligheten og forstå alle motsetningene i et etablert kapitalistisk samfunn.
Den realistiske tradisjonen har en lang historie innen kultur. En helhetsforståelse og selve begrepet "realisme" dukket imidlertid opp på 20-tallet av 1800-tallet; dens betydning forsterket ved midten av århundret, da denne retningen ble dominerende i europeisk kultur. Realisme på 1800-tallet kalles vanligvis kritisk realisme.
Kritisk realisme er basert på følgende prinsipper:
en objektiv refleksjon av de essensielle aspektene ved livet i kombinasjon med høyden og sannheten av forfatterens ideal ("Naturen presenterer uvanlige briller, sublime kontraster; de kan forbli uforståelige for speilet, som ubevisst gjengir dem," skrev Stendhal, og Balzac fortsetter : "Kunstens oppgave er ikke å kopiere naturen, men å uttrykke den!");
reproduksjon av typiske karakterer under typiske omstendigheter med fullstendig individualisering (ifølge Balzac er kunstneren ikke en enkel kroniker av sin tid, men en forsker av dens moral, en analytisk vitenskapsmann, en politiker og en poet);
livaktig autentisitet av bildet ("i livets former");
overveiende interesse for problemet med "personlighet og samfunn" (i deres forbindelse og motstand);
kritikk av materiell, uåndelig fremgang og borgerlig sivilisasjon.
Frankrike er fødestedet til kritisk realisme i litteraturen. Her går realismen gjennom to stadier i sin utvikling. Den første - dannelsen og etableringen som en ledende retning i litteraturen (slutten av 20-40-tallet) - er representert av verkene til Beranger, Merimee, Stendhal, Balzac. Den andre (50-70-tallet) er assosiert med navnet Flaubert - arvingen til realismen av Balzac-Stendhal-typen og forgjengeren til den "naturalistiske realismen" til Zola-skolen.
Grunnleggeren av kritisk realisme ikke bare i Frankrike, men også i vesteuropeisk litteratur, var den franske forfatteren Henri Bayle, bedre kjent under pseudonymet Stendhal (1783-1842). Han var ikke bare den første som underbygget hovedprinsippene og programmet for dannelsen av realisme, men legemliggjorde også briljant prinsippene for realistisk estetikk i kunstneriske mesterverk. Originaliteten til hans kreative individualitet vil bli fullt avslørt i typen sosiopsykologisk roman han skapte. Forfatterens første erfaring i denne sjangeren var romanen "Armans" (1827). Romanen "Red and Black" tar karakter av samfunnsforskning. "Krønike av 1800-tallet" er undertittelen til romanen. Her blir Frankrike handlingens teater, representert i sine viktigste sosiale krefter og i deres samhandling. Syklusen til "Italian Chronicles" er bemerkelsesverdig. Stendhal var svært produktiv som forfatter. Hans siste mesterverk var "The Parma Cloister" (1839), diktert på 53 dager! Balzac kalte romanen "den beste boken de siste femti årene."
Et eksempel på realistisk poesi i Frankrike på 1800-tallet ble gitt av poeten Pierre Jean de Beranger (1780 - 1857), som to ganger ble stilt for retten for sine politiske sanger i reaksjonsperioden. Bérengers revolusjonære poesi har ingen sidestykke i fransk litteratur fra 1. halvdel av 1800-tallet. Kunsten å refrenge, løsheten i verset, mangfoldet av intonasjoner som fritt formidler dagligtale, påvirket dannelsen av den ledende sjangeren av sang - revolusjonær-demokratisk poesi. Beranger spilte en stor rolle som en dikter som vendte seg til en utopisk sang, en sangrefleksjon, en sangfabel – de fant tilhengere i 2. halvdel av 1800-tallet.
Vesteuropeisk realisme nådde sitt høyeste utviklingspunkt i arbeidet til Honore de Balzac (1799 - 1850). Opprinnelsen til hans arbeid er dyp og variert. I leksikonet av interesser og kunnskap kunne Balzac konkurrere med geniene fra renessansen. Hans hovedskapning - multi-bindende eposet "The Human Comedy" - absorberte de viktigste prestasjonene til kultur og vitenskap fra mer enn én generasjon, og forhåndsbestemte veiene for videre fremgang av menneskelig tanke. Han viet all sin styrke til henne, og skrev 90 romaner og noveller av de planlagte 143 bøkene. Den inkluderte romaner som "Det ukjente mesterverket", "Shagreen Skin", "Eugenie Grande", "Père Goriot" og mange andre, som hver kan betraktes som komplette, men Balzac insisterte på at hans individuelle verk skulle oppfattes som en helhet i sammenheng med The Human Comedy.
Det generelle konseptet og karakterene (mer enn to tusen) knytter dem inn i Frankrikes virkelige samtidshistorie, nesten år etter år fra 1816 til 1848. Foran oss ligger et realistisk bilde av borgerskapets berikelse, moralen i endring i det adelige samfunnet i forbindelse med borgerskapets inntrengning i det, motsetningene i det offentlige livet i landet. "Historikerne selv kunne bare være hans sekretær," erklærer Balzac i forordet til eposet.
Prosper Merimee (1803-1870) - dramatiker, mester i noveller (blant dem "Colomba" (1840), "Carmen" (1845), som fungerte som grunnlaget for librettoen til Wieses opera, og hans mesterverk "Matteo Falcone" ). I sine noveller løser han et vanskelig problem: gjennom en enkelt hendelse, å vise historien til hele nasjoner og andre tidsepoker. Merimee er forfatteren av den store romanen "Chronicle of the Times of Charles IX" (om kampen mellom katolikker og protestanter), en tragedie av mennesker delt av forskjellige religioner. «Papester! Hugenotter! Overtro her og der. Våre litanier, dine salmer - ett tull er verdt et annet. Disse ordene fra en bror til en annen inneholder den progressive og pedagogiske betydningen av hele verket. I tillegg til Mérimées originale verk, inntar oversettelser av Pushkin, Gogol og Turgenev til fransk en viktig plass i hans arv. Han skrev en rekke artikler om arbeidet til disse forfatterne, og berømmet russisk litteratur.
Guy de Maupassant (1850-1893) skapte et kollektivt portrett av det franske borgerskapet i 2. halvdel av 1800-tallet. "Livet", "Kjære venn", "Mont-Ariol" er Maupassants beste romaner, der skarpheten i samfunnsanalyse og antiborgerlig orientering nådde høy spenning, og renheten til menneskelige følelser står i motsetning til åndelig elendighet, egoisme og falskhet. moral.
Den nasjonale originaliteten til engelsk kritisk realisme bestemmes først og fremst av den satiriske, anklagende orienteringen til arbeidet til de fleste store forfattere under påvirkning av borgerlig liberalisme, på den ene siden, og veksten og utviklingen av proletariatet, på den andre. Utviklingen av politisk økonomi, sosiologi, filosofi og opphetet debatt om sosiopolitiske og økonomiske spørsmål setter et klart avtrykk på litteraturen.
Ideene fra århundret, tilstanden til den sosiale bevegelsen og epokens moralske prinsipper ble reflektert i sosiale romaner til Charles Dickens (1812-1870), William Thackeray (1811 - 1863), John Galsworthy (1867-1933), søstrene Charlotte (1816-1855) og Emilia (1818) -1848) Bronde og J. Bernard Shaw (1856 - 1950) - de største representantene for kritisk realisme i England.
Vokter av den store tradisjonen til den engelske romanen, Dickens var både en stor reformator og innovatør innen sjangeren til romanen; han klarte å legemliggjøre et stort antall ideer og observasjoner i sine kreasjoner. Hans verk "The Last Papers of the Pickwick Club", "David Copperfield", "Dombey and Son", "Bleak House", "The Adventures of Oliver Twist", "The Antiquities Shop" og andre var vellykkede blant alle engelskklasser. samfunn. Og dette var ingen tilfeldighet. Han skrev om det alle vet godt: om familieliv, om gretten koner, om spillere og skyldnere, om undertrykkere av barn, om utspekulerte og smarte enker... Mer enn noen av hans samtidige var Dickens en eksponent for samvittigheten til nasjon.
Kunstneren (mer enn 2000 tegninger for verkene hans og verkene til andre forfattere er kjent), utgiver og forfatter W. Thackeray bekjente idealene om «opplyst republikanisme». Han skriver i en rekke sjangre - brosjyrer, krimkrøniker, satiriske essays, essays. Et bredt panorama av det engelske samfunnet i 1. halvdel av 1800-tallet er tegnet av Thackeray i "Vanity Fair" (undertittelen er symbolsk: "A Novel without a Hero"). Dette verket sementerte forfatterens navn som en bemerkelsesverdig realist, og skildrer moral og karakterer uten partiskhet eller partiskhet, der alle spiller sin rolle - bedrageren eller den forførte.
John Galsworthy ga et episk bilde av moralen i det borgerlige England på slutten av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet i sin berømte trilogi "The Forsyte Saga" og "Modern Comedy".
Klassikere av science fiction - en ny sjanger i litteraturen som ble veldig populær på 1800-tallet. XX århundre er Herbert George Wells (1866 - 1946) og Jules Verne (1828 - 1905) - fremveksten av denne sjangeren var bevis på en enestående interesse for vitenskapelig kunnskap i forbindelse med vitenskapelige og teknologiske oppdagelser.
Til slutt er det nødvendig å merke seg en annen fremragende forfatter-dramatiker av England, 1925 Nobelprisvinner George Bernard Shaw - skaperen av dramadebatter av politisk og filosofisk karakter. Det skarpe språket og de kloke tankene i verkene hans ble til aforismer ("Pygmalion", "Cæsar og Cleopatra", etc.).
I USA ble ideene om kritisk realisme utviklet av Walt Whitman (1819-1892), som glorifiserte fritt arbeid og uavhengig personlighet, i Tyskland - Heinrich Mann, i Norge - Heinrich Ibsen (1828-1906).
Navnet realisme i kunst er direkte relatert til Courbet, som etter å ha leid et lager ved siden av salongen (han fikk ikke komme inn i salongen), stilte ut verkene sine under dekke av "realisme", selv om noen forskere mener at han burde regnes som en av grunnleggerne av "naturskolen". Det ser ut til at han gikk lenger enn "naturalisme", fordi han, ikke uten påvirkning fra Proudhon, erklærte at en realistisk kunstner må formidle moralen, ideene og utseendet til sin tidsalder. Courbets nyvinning var ikke at han malte sjangerscener fra hverdagen, men at han monumentaliserte denne trivielle hverdagen, og hevet den til rangering av et "historisk maleri." Han kalte først hovedverket sitt, "Funeral in Ornans", "Historical Picture of a Funeral in Ornans", og ønsket tilsynelatende å understreke at slike hverdagslige hendelser, som skjer foran alles øyne, er levende, autentisk historie. Blant Courbets beste verk er "The Artist's Workshop" og "The Stone Crusher".
Jean François Millet jobbet samtidig med Courbet. Han var svakere enn Courbet som maler, men overlegen ham som kunstner. Han hadde hjertets poesi, som Courbet ikke hadde. «Kunsten å male er å formidle utseendet til gjenstander. Men dette er ikke kunstens mål, men bare et middel, et språk som brukes til å uttrykke ens tanker. Det som kalles komposisjon er kunsten å formidle sine tanker til andre», skrev Millet.
Etter å ha vokst opp i landsbyen og assosiert med den hele livet, malte Millet i sine modne år utelukkende bønder og deres arbeid på åkrene. Uten å krenke realistisk autentisitet oppnår han et inntrykk av bibelsk storhet i sine små malerier: «Man with a Hoe», «Gatherers of Ears», «The Sower».
Faktisk var representanten for kritisk realisme Honore Daumier. I likhet med Balzac skapte han tidens "menneskelige komedie" i tusenvis av tegninger, litografier og malerier. Han jobbet i satiriske magasiner, og dette bestemte retningen for arbeidet hans som politisk tegneserieskaper. Daumier slapp ikke unna fengselet på grunn av sin satire over kongen, den sterkeste av dem var litografien "Ned teppet spilles farsen." Kunstnerens høyeste prestasjon i løpet av julimonarkiet var det tragiske arket «Transnonen Street» om massakren på sivile. Bare fra 1830 til 1834 var det 520 presserettssaker i Frankrike, til tross for den eksisterende loven om pressefrihet. Daumier lager litografien "The Printer Who Defended Press Freedom." Men i 1834 avsluttet regjeringen ytringsfriheten og gjenopprettet sensuren. Daumier bytter til sjangeren satire av moral. Han er en av de første urbanistene innen kunst. Fra 1837 til 1851 laget Daumier omtrent tretti litografiske serier (flere tusen litografier har overlevd): «Parisiske typer», «Respektable borgerlige», «rettferdighetsarbeidere» osv. - hele Frankrikes liv gjennom flere tiår.
På 80-tallet ble naturalismen en innflytelsesrik bevegelse i litteraturen.
«Vi er de samme flittige arbeiderne som nøye inspiserer bygningen, som oppdager råtne bjelker, interne sprekker, forskjøvede steiner - alle de skadene som ikke er synlige fra utsiden, men som kan føre til at hele bygningen dør. Er ikke dette en mer nyttig, seriøs og verdig aktivitet... enn å klatre opp på en høy pidestall med en lyre i hendene? - Emile Zola (1840-1902).
«Vi må behandle folk som mastodonter eller krokodiller. Er det mulig å bli begeistret for hornene til noen og kjevene til andre? Vis dem, lag kosedyr av dem, legg dem i krukker med alkohol - det er alt, men ikke uttal moralske dommer foran dem, og hvem er dere alle, dere små padder?» - Gustave Flaubert (1821-1880).
Disse tilståelsene til to fremragende ordmestere gjenspeiler posisjonen til tilhengere av naturalisme, som bevisst begrenser forfatterens rolle, og ikke tillater ham å generalisere.
Naturalisme i litteraturen er en ensidig utvikling av realisme, en avvisning av idealer, av penetrering i den indre essensen av et fenomen, en fornektelse av kunstnerens rett til fiksjon og uttrykk for sine følelser og synspunkter. Naturforskere etterstreber en objektiv skildring av virkeligheten, og sammenlignet metoden deres med den vitenskapelige studien av livet, som ville være basert på eksperimenter, nøyaktighet av beskrivelse og dokumentasjon. Deres estetikk er i tråd med positivismens filosofi
Du kan bedre forstå de historiske prosessene i første halvdel av det 20. århundre ved å se på malerier av den tidens kunstnere og lese de mest interessante litterære verkene til deres samtidige. La oss dra på en kort utflukt.
Kultur og kunst fra første halvdel av 1900-tallet: en oppsummering
Ved århundreskiftet hersket dekadensen i europeisk kultur - det var et stort antall forskjellige motstridende trender som ikke hadde noen fellestrekk. Kultur og kunst fra første halvdel av 1900-tallet har to hovedretninger:
- Moderne (fransk - jugendstil, tysk - jugendstil).
- Modernisme.
Den første oppsto i det siste tiåret av 1800-tallet og avsluttet gradvis sin eksistens med utbruddet av første verdenskrig (i 1914).
Modernismen er en interessant bevegelse fra slutten av 1800-tallet - første halvdel av 1900-tallet. Den er så rik på mesterverk av maleri og grafikk at den er delt inn i separate bevegelser etter karakteristiske trekk.
Moderne: naturen er en kilde til uuttømmelig inspirasjon
Navnet på retningen kommer fra det franske ordet "moderne", som betyr "moderne". Dette er en bevegelse innen amerikansk, europeisk og russisk kunst på begynnelsen av 1800- og 1900-tallet. Art Nouveau blir ofte forvekslet med modernisme, selv om dette er grunnleggende forskjellige ting som har lite til felles med hverandre. La oss liste opp de karakteristiske trekk ved denne retningen i kunst:
- søker inspirasjon i naturen og verden rundt;
- avvisning av skarpe linjer;
- falmede, dempet toner;
- dekorativitet, luftighet;
- tilstedeværelsen av naturlige elementer i maleriene: trær, gress, busker.
Den enkleste måten å forstå hva modernisme er ved å tenke på arkitekturen til europeiske byer i denne stilen. Nemlig - bygningene og katedralene til Gaudi i Barcelona. Hovedstaden i Catalonia tiltrekker seg så mange turister nettopp på grunn av sin unike arkitektur. Innredningen til bygningene utmerker seg ved sublimitet, asymmetri og luftighet. Holy Family) er det mest slående prosjektet til den store Antonio Gaudi.
Modernisme
Hvorfor var denne trenden i stand til å dukke opp, vinne seernes kjærlighet og gi opphav til utviklingen av så interessante bevegelser som surrealisme og futurisme?
Fordi modernismen var en revolusjon innen kunsten. Den oppsto som en protest mot realismens utdaterte tradisjoner.
Kreative mennesker lette etter nye måter å uttrykke seg på og reflektere virkeligheten på. Modernismen har sine egne karakteristiske trekk som er unike for den:
- den høye rollen til en persons indre verden;
- søk etter nye originale ideer;
- stor vekt er gitt til kreativ intuisjon;
- litteratur bidrar til åndeliggjøring av en person;
- fremveksten av myteskaping.
Kultur og kunst fra første halvdel av 1900-tallet: vi vil studere bilder av ulike kunstnere i de neste to delene.
Hva er de? Utrolig: du kan reflektere over dem og stadig oppdage noe nytt. Kulturen og kunsten i første halvdel av 1900-tallet vil bli kort beskrevet nedenfor.
La oss ikke forvirre deg og presentere informasjonen i den mest konsise formen - i form av en tabell. Til venstre vil være navnet på den kunstneriske bevegelsen, til høyre - dens egenskaper.
Kultur og kunst fra første halvdel av 1900-tallet: tabell
| Nåværende navn | Karakteristisk |
| Surrealisme | Apoteosen til menneskelig fantasi. Den utmerker seg ved en paradoksal kombinasjon av former. |
| Impresjonisme | Den oppsto i Frankrike og spredte seg deretter over hele verden. Impresjonistene formidlet verden rundt i dens variasjon. |
| Ekspresjonisme | Kunstnere forsøkte å uttrykke sin følelsesmessige tilstand i maleriene sine, fra frykt til eufori. |
| Futurisme | De første ideene oppsto i Russland og Italia. Futurister formidlet mesterlig bevegelse, energi og fart i maleriene sine. |
| Kubisme | Maleriene består av bisarre geometriske former i en bestemt komposisjon. |
Kultur og kunst fra første halvdel av 1900-tallet (tabell, klasse 9) reflekterer grunnleggende kunnskap om temaet.
La oss se nærmere på impresjonisme og surrealisme som bevegelser som brakte grunnleggende nye ideer til kunsten.
Surrealisme: kreativitet hos psykisk syke eller genier?
Det var en av modernismens bevegelser som oppsto i 1920 i Frankrike.
Når vi studerer surrealistenes arbeid, lurer den gjennomsnittlige personen ofte på deres mentale helse. For det meste var kunstnere av denne bevegelsen ganske
Hvordan klarte de så å male så uvanlige bilder? Alt handler om ungdom og ønsket om å endre standardtenkning. Kunst for surrealistene var en måte å frigjøre seg fra allment aksepterte regler. Surrealistiske malerier kombinerte drømmer med virkelighet. Kunstnerne ble ledet av tre regler:
- avslapning av bevissthet;
- akseptere bilder fra underbevisstheten;
- hvis de to første punktene ble fullført, tok de opp børsten.
Det er ganske vanskelig å forstå hvordan de malte slike flerverdige bilder. Et forslag er at surrealistene ble fascinert av Freuds ideer om drømmer. Den andre handler om bruken av visse sinnsendrende stoffer. Hvor sannheten er her er uklart. La oss bare nyte kunst, uansett omstendigheter. Nedenfor er maleriet "Klokken" av den legendariske Salvador Dali.
Impresjonisme i maleriet
Impresjonisme er en annen retning av modernismen, hjemlandet er Frankrike ...
Malerier i denne stilen er preget av refleksjoner, lysspill og lyse farger. Kunstnere søkte å fange den virkelige verden i dens variasjon og mobilitet på lerret. Impresjonistiske malerier forbedrer stemningen til en vanlig person, de er så levende og lyse.
Kunstnere av denne bevegelsen reiste ikke noen filosofiske problemer - de malte ganske enkelt det de så. Samtidig gjorde de det mesterlig ved å bruke ulike teknikker og en lys palett av farger.
Litteratur: fra klassisisme til eksistensialisme
Kulturen og kunsten i første halvdel av 1900-tallet er nye trender i litteraturen som endret folks bevissthet. Situasjonen ligner på maleri: klassisismen er i ferd med å bli en saga blott, og viker for nye trender innen modernismen.
Han bidro til slike interessante "oppdagelser" i litteraturen som:
- intern monolog;
- tankeflyt;
- fjerne assosiasjoner;
- forfatterens evne til å se på seg selv fra utsiden (evnen til å snakke om seg selv i tredje person);
- urealisme.
Den irske forfatteren James Joyce var den første som brukte litterære teknikker som intern monolog og parodi.
Franz Kafka er en fremragende østerriksk forfatter, grunnleggeren av bevegelsen av eksistensialisme i litteraturen. Til tross for at verkene hans i løpet av hans levetid ikke vakte stor glede blant leserne, er han anerkjent som en av de beste prosaforfatterne på 1900-tallet.
Hans arbeid ble påvirket av de tragiske hendelsene under første verdenskrig. Han skrev veldig dype og vanskelige verk, og viste menneskets maktesløshet når han ble møtt med absurditeten i den omgivende virkeligheten. Samtidig er forfatteren ikke fratatt humor, selv om han har en veldig spesifikk og svart en.
Vi advarer om at meningsfylt lesing av Kafka kan bidra til nedsatt humør. Det er best å lese forfatteren i godt humør og litt abstrahert fra hans dystre tanker. Til slutt beskriver han bare sitt syn på virkeligheten. Kafkas mest kjente verk er Rettssaken.
Kino
Morsomme stumfilmer er også kulturen og kunsten fra første halvdel av 1900-tallet; les meldingen om dem nedenfor.
Det er ingen annen kunstform som utvikler seg så raskt som kino. Filmproduksjonsteknologi dukket opp på slutten av 1800-tallet: på bare 50 år var den i stand til å endre seg sterkt og vinne hjertene til millioner av mennesker.
De første filmene ble laget i avanserte land, inkludert Russland.
I utgangspunktet var filmen i svart-hvitt og uten lyd. Poenget med stumfilm var å formidle informasjon gjennom skuespillernes bevegelser og ansiktsuttrykk.
Den første filmen med snakkende skuespillere dukket opp i 1927. Det amerikanske selskapet Warner Brothers bestemmer seg for å gi ut filmen "The Jazz Singer", og dette er allerede en fullverdig film med lyd.
B sto heller ikke stille. Det første vellykkede prosjektet var filmen "Don Cossacks". Sant nok, sensur i russiske filmer fant også sted: filming av kirkeritualer og medlemmer av kongefamilien var forbudt.
Et spesielt stadium i utviklingen av russisk kino begynte etter at bolsjevikene kom til makten. Disse kameratene innså raskt at kino ikke bare kan være underholdning, men også et seriøst propagandavåpen.
Den mest kjente sovjetiske regissøren på 30-tallet var Verk som "Slagskipet Potemkin" og "Alexander Nevsky" har lenge blitt klassikere. Kiev-regissør Alexander Dovzhenko nådde også høyder på kino. Det mest slående verket er filmen "Earth".
Det mest interessante samtaleemnet blant voksne er kulturen og kunsten i første halvdel av 1900-tallet. 9. klasse gir avkortet informasjon som raskt forsvinner fra hodet ditt. Dette gapet kan fylles ved konstant selvutdanning.
1860-tallet ble følt av menneskeheten som vendepunkter: gamle idealer og verdier gikk tapt, etter å ha blitt foreldet, og nye var ennå ikke dannet. Erkjennelsen ble født av at en hel epoke var over og en ny estetikk var nødvendig; det var på tide å sette andre oppgaver, løse dem ved hjelp av andre kunstneriske teknikker. Det virkelige problemet var ikke "hva du skal vise", men "hvordan" du gjør det, så mange forskjellige konsepter dukket opp. Kunsten ble merkbart individualisert og subjektiv, selv i sammenligning med romantikken. Den politiske situasjonen forble anspent - enten var Østerrike i krig med Preussen (1866), deretter Preussen med Frankrike (1870), og enestående omveltninger begynte i selve Frankrike (72 dager med Pariserkommunen i 1871, og i 1878 konfrontasjonen mellom republikanerne parlamentet og det monarkiske senatet forårsaket nesten borgerkrig).
Sosial spenning var knyttet til økonomisk og politisk ustabilitet, men kunsten utviklet seg samtidig ganske raskt og på nyskapende måter. Vitenskapen har nådd et enestående høyt nivå - viktige funn er gjort...
Det er ikke overraskende at verden, etter å ha blitt kjent med nye teknologier, positivt aksepterte mange filosofiske trender som forutsatte praktisk kunnskap.
Flere prioriterte estetiske trender dukket opp innen filosofi, litteratur og kunstnerisk kultur som påvirket europeernes verdensbilde i andre halvdel av 1800-tallet:
Positivisme, som ga opphav til naturalisme og realisme;
Symbolikk;
Estetisme og dekadanse;
Intuisjonisme og teosofi, som skapte metafysisk kunst og modifiserte romantisk orientalisme...
POSITIVISME - basert på noe stabilt og utvilsomt (dvs. positivt), var det basert på naturvitenskapenes metodikk og tok avgjørende avstand fra metafysikk og esoterisme. Positivismen graviterte mot gyldighet, bevis og forsøkte å bli universelt gyldig. Positiv tenkning forutsatte kunnskap som hadde en rent anvendt, praktisk anvendelse. Den tolererte ikke abstraksjon, og anerkjente bare faktas forrang. Positivismen så på kunst fra synspunktet om menneskelig selvforbedring. Det er ikke overraskende at på dette feltet ble litterær realisme fra 1800-tallet født i personen til Balzac og Dickens, og fremveksten av naturalisme i Zola begynte, noe som førte til en interesse for menneskelig psykologi (spesielt i Italia, hvor verisme ble dannet i litteratur og musikkteater ved århundreskiftet).
NATURALISME er en tendens til å forklare sosiale fenomener og prosesser med naturlige faktorer. Dette er resultatet av den intensive utviklingen av biologi, da samfunnet begynte å bli sett fra perspektivet til menneskekroppens funksjon. Observasjoner av virkeligheten ble utført lidenskapelig og objektivt, fakta ble omhyggelig registrert. Karakterene til mennesker oppdratt av miljøet, med dets verdier, tradisjoner og konvensjoner, ble studert, og fysiologiske motiver karakteristiske for ulike sosiale lag i samfunnet ble også tatt i betraktning. Det ble lagt vekt på den forhåndsbestemte skjebnen til helten. Naturforskere ga ikke en kritisk vurdering av hva de observerte og gjorde uten kunstneriske generaliseringer og teoretisering (mens realismen generaliserte og typifiserte, selv om det var én base - positivisme). Naturalismens teoretiker er Emile Zola, som ble inspirert av Georg Mendels lære om genetikk. Forfattere utforsket årsak-og-virkning-forhold (Hauptmann - drama "Før soloppgang"). Zola, Maupassant, Courbet og Millet snakket om de sosiale lavere klassene i samfunnet, som Gorkys «At the Depths». Deres tradisjoner ble utviklet av Ed. Manet og E. Degas. Vi bør ikke glemme kunstnerne i den realistiske bevegelsen - Millet, Courbet og de omreisende, som graviterte mot en kritisk fremvisning av virkeligheten, spesielt dens stygge sider.
SYMBOLISM protesterte mot naturalismens metoder, med opprinnelse i 1860-årene og videreførte ideene til romantikerne på begynnelsen av 1800-tallet. Den var basert på materialismens og idealismens dualisme, samfunnets og individets motstand. Det åndelige og moralske prinsippet kom nærmere religiøsitet. Ideen ble tatt utover følelsenes grenser. Kunstnerens subjektive verden ble avslørt gjennom ideer-symboler. De skjulte aspektene ved livsfenomener ble studert. I fransk litteratur er symbolismen representert med navnene Mallarmé og Verlaine, Rimbaud og Maeterlinck, i østerriksk litteratur - Rilke, på russisk - Bryusov, Balmont, Merezhkovsky, etc. Symbolismen fikk sitt høyeste uttrykk i maleriet (G. Moreau, M. Denis, Puvis de Chavannes) og musikk (Debussy). I Russland ble de kjent med fransk symbolikk først i 1911, da Bryusov publiserte Verlaine på russisk, og Balmont skrev manifestet "Elementært ord om symbolsk poesi", men vi bør ikke glemme at for den opplyste delen av det russiske samfunnet, det franske språket var normen for utdanning! Symbolistene strebet også etter åndelig frihet, og forutså tragedien med sosiale omveltninger i fremtiden; de tvilte på de vanlige åndelige verdiene, og innså at de hadde sluttet å være etterspurt av samfunnet i den nye tiden. Men for å vise den "skjulte virkeligheten", var det nødvendig med nye kunstneriske virkemidler, fordi det var umulig å uttrykke det "uutsigelige" med de vanlige. Symbolisme ble også preget av sin tendens til å syntetisere typer kunst. Litteratur, maleri og musikk kom tettere sammen, slik det ble praktisert av romantikerne - maleri ble musikalsk, og litteratur lånte mye fra musikk...
ESTETISM ble preget av en spesiell holdning til kunst som et objekt for raffinert nytelse, som bare var verdig for en utvalgt del av samfunnet - den intellektuelle eliten (oversatt fra gresk, begrepet står for "oppfatte", dvs. i stand til å oppfatte). Grunnlaget for den estetiske tendensen er ideen om å transformere verden og mennesket gjennom skjønnhet, som Schiller skrev om i sine brev om estetisk utdanning. En retningsfilosofi har dukket opp - estetisk humanisme som et system av syn på utviklingen av personlighet, kunst og samfunnet som helhet. Aestetes kombinerte begrepene god og moral i prosessen med å danne den menneskelige personlighet med kunstens skjønnhet og alt rundt dem, og som et resultat av en slik syntese ble en kreativ personlighet med spesielle prinsipper født. Estetismen hadde sitt eget program og motto «kunst for kunstens skyld». Gjennom kunsten skulle det bekrefte universelle menneskelige verdier og konsepter, styrke rollen til det humanistiske idealet og frigjøre bevissthet fra påtvungne stereotypier. Friedrich Nietzsche ble ansett som doktrinens ideolog; den største representasjonen i kultur var England (Wilde, Beardsley og Whistler). De var alle imot positivisme, og anså den som hverdagslig og altfor praktisk, noe som førte til kommersialisering av kultur. Blant kritikerne av positivismen var fysikeren Avenarius (ikke å forveksle med hans navnebror russiske forfatter). Han foreslo teorien om empiriokritikk (dvs. kritikk av erfaring) som grunnlag for estetikk, fordi ideen om verden ikke så mye kommer fra erfaring og hva som kan berøres og ses i virkeligheten, men snarere fra sensasjoner. Avenarius ble lyttet oppmerksomt til på begynnelsen av 70-tallet. Frankrikes impresjonister, selv før deres første utstilling i 1874. Den berømte franske landskapsmaleren C. Corot samler en samling observasjoner av øyeblikkelige endringer i naturen - "Estetisk glede".
DEKADENSE - i lang tid ble det identifisert med symbolikk, selv om dette er to påfølgende faser av en bevegelse med et felles åndelig miljø og prinsippene for dens refleksjon i kunsten. Forfall er tilbøyelig til en pessimistisk oppfatning av livet, estetisering av det stygge og frastøtende, kaller ikke å hate, men å elske det. På denne bakgrunn dukket symbolikken opp som en intellektuell refleksjon over det som skjedde, et forsøk på å utforske individets lyriske verden, underbevissthetens område. De hadde lignende temaer - fantasiens og legendernes verden, østen og den europeiske middelalderen, mystikk og drømmenes rike, melankolien til kvinnelige bilder (Ophelia, femme fatale, som Salome og androgyner), symboler på planter og dyr , spesielt stadiet med å visne og dø. Dekadanse skapte stemninger, symbolikk underbygget og legemliggjorde dem, og forberedte fenomenet modernitet med ideen om en syntese av kunst. Symbolismen manifesterte seg i maleri, jugendstil - i interiør- og bokdesign, brukskunst og arkitektur. De var basert på den panestetiske filosofien til Wagner og Ruskin, Pater og Morris med ideen om GesammtKunstWerk.
INTUITIVISME - temaet om transformasjonen av livet og mennesket, søket etter fremtidens veier og utopi, intuisjonens dominans over intellektets og fornuftens makt, har dannet en spesiell retning i kunnskapsteorien. Intuisjon, som den mest pålitelige måten å vite på, ble studert av Henri Bergson (1859-1941). Kunst er designet for å holde en person fra endeløs refleksjon, som ødelegger bevissthet, sjel, liv. En person kan flykte fra problemer ved å skape myter - slik er naturen til menneskelig intelligens. Bevissthet projiserer fantastiske skapninger rundt seg selv og oppfinner hendelser som fyller tilværelsen gjennom kunstverdenens prisme. En person har en illusjon av å mestre livsprosesser og håndtere dem. Etter å ha innsett situasjonen, kan du mestre den, legge den under deg selv, sa intuisjonistene. Kunst kan hjelpe en person til å identifisere seg selv, lindre problemer og ta ham bort fra endeløse bekymringer og tanker om nødvendige og unødvendige saker. Og gjennom opprettelsen av en kunstnerisk verden, vil en person kunne tilpasse seg verden. I England ble dette forkynt av George Moore og William Morris i News from Nowhere, og i Frankrike skrev Charles Baudelaire en avhandling om det umoralske ved narkotikabruk, Artificial Paradise.
Ideene til dekadenter og esteter, impresjonister og symbolister har i stor grad interessert moderne filosofer som er engasjert i studiet av menneskelig underbevisst aktivitet. En av disse filosofene var grunnleggeren av «livsfilosofi»-bevegelsen, Friedrich Nietzsche (1844-1900). Estetene betraktet ham som deres leder.
I 1871 skrev F. Nietzsche, som diskuterte kunstens generelle problemer og musikkteaterets tilstand spesielt, et verk om Richard Wagner, som ikke bare var et idol for tysktalende land i andre halvdel av 1800-tallet - " Tragediens fødsel fra musikkens ånd.» Nietzsche betraktet musikk som hovedformen for kunst (i solidaritet med romantikerne).
Siden 1875 har en fasjonabel fascinasjon for den andre verden trengt inn i europeisk kultur. Fra spiritualisme med spinning av tallerkener og bord, fra samtaler med medier, gikk mange mennesker som var interessert i esoterisme videre til mer komplekse vitenskapelige emner - teosofi og antroposofi.
Laster inn...
