Ликовната уметност на Индија во средниот век. Ликовна уметност на Индија. (КРИШНА.). Индиска култура VI - X век

Ликовна уметност на Индија. (КРИШНА.)

Имајќи ги предвид делата на ликовната уметност од азиската антика, често се среќаваме со имиња на големи мајстори, особено во уметноста на Кина и Јапонија. Сепак, малку е веројатно дека многу љубители на уметноста ќе можат да ги именуваат извонредните имиња на индиски скулптори или уметници. Индиската ликовна уметност е анонимна и ова е една од нејзините најважни карактеристики. И оваа анонимност се манифестира не само во отсуство на имињата на авторите кои ја создале сликата, туку честопати и во делумната анонимност на самите слики. Индискиот уметник повеќе би сакал да создаде слика на божество отколку конкретен крал или благородник. Секојдневните сцени од секојдневниот живот вклучуваат генерализирани слики и не можат да бараат сличност со портрет, како и секоја друга слика во индиската уметност.

Индискиот мајстор никогаш не ги создавал своите дела од животот, било да е тоа слика на личност, свето дрво или кое било животно. Индискиот мајстор работеше од памет, додавајќи на својата креативност, покрај директната перцепција на природата, сопствената визија, како и следењето на каноните. Каноните детално ги развиваат правилата за прикажување пози (асани) и положби на рацете и прстите (мудри). Индиските дела, ако не беа слики на богови, секогаш беа субјективен одраз на објективната реалност.

Емоцијата (расата) беше важна на сликите. Осум емоции се сметаа за основни: љубов, возвишена духовна состојба, радост, изненадување, тага како сочувство, мир и незадоволство. Сите народни приказни ја прикажуваа радоста на битието, која се манифестираше преку емоции - раса, тие се сметаа за манифестација на Брахман кај една личност.

Секоја ера е уникатна со своја посебна култура. Исто така, уметноста на Индија постојано се менувала низ вековите. Во оваа земја се развиле сликарството, архитектурата и скулптурата.

Развојот на уметноста во земјата Индија

Уметноста на Индија потекнува од праисториските карпести слики. Генерално, елементите се чист одраз на менталитетот на таа земја, што ги прави поинтроспективни. Една од нив е идејата за јога за важноста на одвојувањето од сите надворешни влијанија и минливи емоции. Затоа, околната реалност игра споредна улога во земјата на Индија. Уметноста на Индија е карактеристична по тоа што акцентот во иконографијата е ставен на религиозното и метафизичкото, дури и кога орнаментите, костимите итн., позајмуваат елементи на модерниот живот.

Карактеристики на сликата на околниот свет

Прашањето за животната средина мора да се разгледува во контекст на естетиката на земјата, која не прифаќа површен натурализам, реализам или илузија. Она што навистина е важно е „создавањето на вистината“, кое претпоставува дека Индија е многу едноставна, бидејќи самата природа е создадена сложена и интелигентна, и само преку знаци и симболи стана возможно да се изрази. Затоа симболите играат клучна улога овде. Едноставноста од оваа гледна точка не носи никакво погрдно значење, што може да се забележи во декадентната уметност. Се сведува на развојот на голем број техники за изразување на вистинското значење на предметите или предметите што уметникот и скулпторот ги доловил.

Методите на прикажување на околната реалност во уметноста секогаш, во поголема или помала мера, ги одразуваат модерните погледи на одредена ера. Овде не зборуваме за перспектива, но техниките и средствата што се користеа за пренесување на идеите до публиката, кои беа различни во различни временски периоди, од естетски аспект немаа никакви предности во однос на другите во земјата Индија. Индиската уметност е често многу симболична, особено во смисла на пренесување на природата на нештата.

Уметност од 2 век п.н.е. - III век од нашата ера

Во античката уметност, во текот на 2 век. п.н.е. - III век од нашата ера, може да се најде одреден акцент на Уметниците како што е Амаравати, на пример, се обиделе да приговараат на околната реалност. Во нивната потрага низ симболите, тие се обидоа да претстават не само епизоди од животот на Буда, туку и, на пример, обожавањето на Јакши и дрвја, што беше многу вообичаено меѓу луѓето од тој период. Но, не целата уметност беше посветена на аспекти од секојдневниот живот. Уметниците секогаш се трудат да го нагласат фактот дека надворешните природни феномени можат да предизвикаат само ограничени чувства. Природата, според нивното мислење, е богата со длабоки симболички значења. Уметноста на античка Индија е богата со траги од космологија, што не може да се разбере без повикување на древната индиска литература. Вакви карактеристики може да се најдат до 6 век во сликите на Ајанта и Баг.

Индиска култура VI - X век.

Со почетокот на ерата Гупта, почнаа да се појавуваат нови елементи. Уметниците изгубија интерес за човекот, но почнаа да го покажуваат во боговите и нивното живеалиште. А и со ова поместување на акцентот, тие сепак внимаваа на секојдневието, иако во помала мера. Приказот на природата стана повеќе стереотипни. Во Vishnu Dharmottara Purana, напишана во овој период, може да се најде посебен дел посветен на сликарството, кој зборува за тоа како треба да се почитуваат конвенциите. Во следните векови во уметноста можеме да забележиме главно само теми посветени на боговите, а многу малку од тогашната животна актуелност.

Уметност од X - XIV век.

По 10 век, многу малку елементи на природата и модерниот живот можат да се најдат во индиското сликарство, како и во будистичките ракописи. Игнорирајќи ја својата околина, уметниците се концентрираа исклучиво на будистичките богови, божици и Мандали. Бидејќи имале ограничен простор на располагање, сликарите биле задоволни со прикажување на богови и божици. Ова ги исполнува ракописите што тие ги илустрирале со магична моќ, што ги прави предмет на обожавање за обожавателите во земјата Индија. Индиската уметност е многу оригинална. Единствените надворешни влијанија што уметниците ги разгледувале биле верувањата на тантричкиот будизам. Тие не беа загрижени ниту за природата, ниту за социјалните услови од тој период.

Уметност на Индија XIV - XVI век.

До крајот на 14 век, уметниците станаа малку повеќе заинтересирани за темите на општествениот живот. Во нивните дела може да се забележи пројавување на муслиманските стереотипи во прикажувањето на сите странци кои се појавиле во нив. Тоа укажува на тоа дека тие имале одредени мислења за Турците кои владееле со северните и западните делови на Индија во тој период. Во нивните дела, пејзажите беа прикажани како посебен дел од композицијата, а не само како позадина на одредени сцени.

Визуелните уметности на Индија даваат многу појасна слика за животот на луѓето од кој било друг литературен извор од тоа време. Во 16 век овој интерес сè уште постоел. Овде, на пример, за прв пат се појавуваат слики на конкретни рурални жители, земјоделци и овчари, како и жени вклучени во секојдневниот живот во домаќинството. Природата, исто така, стана многу пошироко застапена, со целосни илустрации на шуми и диви животни. Индиската уметност почна да се полни со нови значења.

Во текот на многу векови, многу светли и оригинални движења, училишта и насоки се појавија, се развија, се менуваа или исчезнаа во индиската уметност. Индиската уметност, како и уметноста на другите народи, ги познаваше не само начините на внатрешниот континуитет, туку и надворешните влијанија, па дури и инвазијата на други, туѓи уметнички култури, но во сите овие фази таа останува креативно силна и оригинална. И покрај добро познатата условеност на религиозните канони, индиската уметност содржи голема универзална, хуманистичка содржина.

Невозможно е да се опфати во какви било детали историјата на индиската уметност во кондензиран есеј. Затоа, овде ќе биде даден само општ краток преглед на највпечатливите и најкарактеристичните споменици и најважните линии на развој на уметноста и архитектурата во Индија од античко време до денес.

Потеклото на ликовната уметност и архитектурата на Индија датира од најстарите периоди од нејзината историја.

Во централните региони на земјата, откриени се слики кои датираат од палеолитот и неолитот, кои прикажуваат сцени од лов и животни. Најстарите култури на Синд и Балучистан се карактеризираат со мали скулптури од глина, во кои доминираат грубо извајаните и насликани женски фигурини, обично поврзани со култот на мајката божица и насликана керамика со украси во црна или црвена боја. Орнаментот вклучува слики на бикови, лавови, планински кози и други животни, како и дрвја во комбинација со геометриски мотиви.

Првиот процут на индиската урбана култура е претставен со архитектонските споменици на Харапа (Пенџаб) и Мохенџо-Даро (Синд). Овие споменици сведочат за многу високиот развој на урбанистичкото планирање, архитектонско-техничката мисла на најстарите индиски градители и нивната голема професионална вештина за тоа време. При ископувањата овде се откриени урнатини на големи населби од градски тип со многу развиен распоред. Во западниот дел на овие градови имало силно утврдени цитадели со различни јавни објекти. Ѕидовите на цитаделите биле зајакнати со испакнати правоаголни кули. Карактеристика на изгледот на овие градови беше речиси целосното отсуство на архитектонски украси.

Неколкуте скулптурни дела пронајдени во Мохенџо-Даро, Харапа и во некои други центри на цивилизацијата на долината Инд сведочат за натамошното подобрување на сликовните техники и пластичната интерпретација на сликата. Бистата од сапуница на свештеник (или крал) и бронзената фигура на танчер од Мохенџо-Даро претставуваат две сосема различни индивидуализирани слики, интерпретирани на генерализиран начин, но многу експресивно и витално. Две торса од Харапа (црвен и сив варовник) сведочат за големото разбирање на скулпторите за пластичноста на човечкото тело.

Изрезбаните печати од сапуница со слики на животни, божества или ритуални сцени се одликуваат со нивната висока перфекција на извршување. Пиктографските натписи на овие печати сè уште не се дешифрирани.

Архитектурата и ликовната уметност од подоцнежниот, таканаречен ведски период ни се познати само од пишани извори. Автентичните споменици од ова време речиси никогаш не се откриени. Во оваа ера, градежништвото од дрво и глина се развило широко, а биле развиени и конструктивни и технички техники, кои подоцна ја формирале основата на камената архитектура.

Од почетокот на најславните денови на државата Магада (средината на VI-IV век п.н.е.), зачувани се остатоци од киклопски одбранбени ѕидови и големи платформи кои служеле како темели на зградите. Во раните будистички текстови се спомнуваат статуи на богови.

Поцелосно може да се суди за уметноста на империјата Маурја (крајот на 4 - почетокот на 2 век п.н.е.). Кралската палата во нејзиниот главен град Паталипутра била споредувана од античките извори со Ахеменидските палати во Суза и Екбатана.

Ископувањата ги открија остатоците од оваа палата - огромна правоаголна сала, чиј таван се потпираше на сто камени столбови.

Брзо цветање на архитектурата и скулптурата се случи за време на владеењето на Ашока. Под него, изградбата на будистички религиозни објекти се здоби со посебен опсег.

Карактеристични споменици од времето на Ашока биле бројните камени монолитни столбови - стамби, на кои биле врежани кралски едикти и будистички религиозни текстови; нивните врвови имаа капитен во форма на лотос и беа крунисани со скулптурни слики на будистички симболи. Така, на еден од најпознатите столбови од Сарнат (околу 240 г. п.н.е.), со неверојатна умешност и експресивност се прикажани релјефни фигури на коњ, бик, лав и слон, а врвот на овој столб е крунисан со скулптура. од четири полуфитури поврзани со нивните грбови Лавов градот

Најтипичен споменик на будистичката архитектура од ова време се ступи - меморијални структури дизајнирани за складирање на будистички мошти (традицијата му припишува изградба на 84 илјади ступи на Ашока). Во својата наједноставна форма, ступа е монолитна хемисфера поставена на цилиндрична основа, на врвот со камена слика на чадор - чатра (симбол на благородното потекло на Буда) или шпиц, под кој биле зачувани светите предмети во мала комора во посебни реликвијари. Околу ступата често се правеше кружна прошетка и целата структура беше опкружена со ограда.

Класичен пример за градби од овој тип е Големата Ступа во Санчи (3 век п.н.е.), со дијаметар од 32,3 m во основата и 16,5 m во висина без шпицот. Зградата е направена од тули и е обрабена со камен. Подоцна, во 1 век. п.н.е д., околу неа била подигната висока камена ограда со четири порти - торана. Решетките на оградата и портата се украсени со релјефи и скулптури засновани на сцени од будистички легенди, слики на митолошки ликови, луѓе и животни.

Од крајот на 2 век. а особено во 1 век. п.н.е д. Карпестата архитектура е широко развиена. Изградбата на пештерски комплекси во Канхери, Карли, Бхаја, Бага, Ајанта, Елора и други места датира од ова време. Во почетокот тоа биле мали манастирски манастири, кои постепено се ширеле и низ вековите се претвориле во пештерски градови. Во карпестата архитектура, најважните типови на будистички култни згради се чаитја и вихара (молитвени сали и манастири).

Грчките походи во Индија (IV век п.н.е.), формирањето на индо-грчките држави, а подоцна, на крајот на нашата ера, инвазијата на племињата Сака и создавањето на моќната држава Кушан имаа силно влијание врз Индијанците. уметност. Како резултат на зајакнувањето на политичките, трговските и културните врски меѓу Индија и земјите од Медитеранот, Централна Азија и Иран во тоа време, нови уметнички трендови навлегоа во Индија. Доаѓајќи во контакт со уметноста на хеленизираните земји на Блискиот Исток, индиската уметничка култура асимилирала дел од достигнувањата на класичната уметност, креативно обработувајќи ги и преиспитувајќи ги, задржувајќи ја својата оригиналност и оригиналност.

Сложениот процес на креативна обработка на различни надворешни уметнички влијанија во индиската уметност од овој период е особено јасно изразен во делата на трите најзначајни и најзначајни уметнички школи од 1-3 век. n. д. - Гандара, Матура и Амаравати.

Уметничкото училиште на Гандара - древен регион на северозападна Индија во средниот тек на Инд, во областа на модерниот Пешавар (сега во Пакистан) - очигледно се појави на крајот на нашата ера, достигнувајќи го својот врв во 2-3 век. и постоела во неговите подоцнежни гранки до VI-VIII век. Географската положба на најважната копнена рута што ја поврзува Индија со другите земји ја предодреди улогата на овој високо развиен регион како диригент и во исто време филтер на различни уметнички влијанија кои доаѓаат во Индија од Медитеранот, Блискиот Исток, Централна Азија и Кина. Влијанието на духовната и уметничката култура на Индија врз овие земји навлезе и преку Гандара. Токму тука се појави и се оформи длабоко контрадикторна, до одреден степен еклектичка уметност, која во литературата го доби името „грчко-будистичка“, „индо-грчка“ или едноставно „Гандара“. Во однос на неговата содржина, ова е будистичка религиозна уметност, која во пластични слики го раскажува животот на Гаутама Буда и многу бодисатви. Неговото индиско потекло се манифестираше во композиција која ги следеше традициите и каноните развиени во будистичката уметност од претходните периоди. Во уметничкиот манир, во вајањето на тридимензионални форми, се чувствуваше интерпретацијата на лица, пози* на облека, влијанието на класичните примери на хеленистичката скулптура. Постепено, класичниот тек се трансформира, се приближува до чисто индиски форми, но до крајот на постоењето на оваа школа тоа е јасно видливо во неговите дела.

Училиштето за скулптура Матура зазема многу важно место во историјата на индиската уметност. Неговиот подем во времето на Кушан беше обележан со голем број уметнички достигнувања кои ја формираа основата за понатамошен развој на индиската уметност. Иконографскиот канон на ликот на Буда во форма на човек, создаден во Матура, подоцна широко се прошири низ будистичката религиозна уметност.

Скулптурата на Матура за време на нејзиниот врв (II-III век) се одликува со полнокрвното прикажување на формите на човечкото тело.

Скулптурата на училиштето Амаравати - третото од најважните уметнички школи од овој период - открива уште посуптилно чувство за пластична форма. Ова училиште е претставено со бројни релјефи кои ја украсувале ступата кај Амаравати. Неговиот врв датира од 2-3 век. Човечките фигури овде се категорично витки во нивните пропорции, а жанровите композиции се уште пореалистични.

Периодот на постоење на моќната држава Гупта (IV-VI век) е поврзан со нова уметничка ера, која го претставува вековниот развој на древната индиска уметност. Уметноста на ерата Гупта ги концентрираше уметничките достигнувања од претходните периоди и локалните уметнички училишта. „Златното доба на индиската уметност“, како што често се нарекува ерата Гупта, произведе дела кои се вклучени во ризницата на светската уметност.

Релјефи на портата (торана) на Големата Ступа во Санчи

Широката и разновидна градба е претставена со бројни градби на храмови, и карпести и земјени. Суштински ново во архитектурата на Гупта беше изградбата на наједноставниот тип на ран брамански храм: тој се состоеше од ќелија што стоеше на издигната платформа, квадрат во план, покриена со рамни камени плочи, чиј влез беше дизајниран во форма на колона. предворје, исто така со рамен таван. Пример за таква градба е тенкиот и елегантен храм бр. 7 во Санчи. Подоцна, покриен бајпас коридор или галерија се појавува околу зградата на ќелијата; во 5 век над ќелијата се појавува скалеста надградба слична на кула - прототип на идната монументална гихара на средновековните брамански храмови.

Пештерската архитектура во тоа време доживуваше нов подем. Се развива покомплексен тип на карпеста структура - вихара, будистички манастир. Во план, вихара била огромна правоаголна сала со столбови со светилиште каде што имало слика на Буда или ступа. По страните на салата се наоѓале бројни ќелии на монаси. Надворешниот влез во таквиот манастир имал форма на колонообразен трем, богато украсен со скулптура и сликарство.

Едно од највисоките достигнувања на уметноста од ерата Гупта беше ѕидното сликарство на пештерските манастири. На нивното создавање му претходеше долг развој на овој жанр, почнувајќи од времето на Мауриите, но речиси и да нема вистински споменици на раното сликарство до нас. Меѓу спомениците на ѕидното сликарство, најпознати се најдобро зачуваните слики на Ајанта, меѓу кои по вешто изведба се издвојува сликарството на пештерата бр.17.

Уметниците од Ајанта ги исполнија своите композиции на традиционални теми на будистичките легенди со изобилство на жанрови и секојдневни детали, создавајќи галерија од сцени и слики кои рефлектираа многу аспекти од секојдневниот живот од тоа време. Изведбата на фреските на Ајанта се одликува со висока вештина, слобода и доверба во дизајнот и композицијата и суптилно чувство за боја. И покрај ограничувањата на визуелните средства со голем број канонизирани техники, непознавањето на хиароскурото и правилната перспектива на уметниците, фреските на Ајанта се впечатливи по својата виталност.

Скулптурата од овој период се одликува со суптилно и елегантно моделирање, мазност на формите, мирна рамнотежа на пропорции, гестови и движења. Карактеристиките на експресивност и брутална сила карактеристични за спомениците на Бхархут, Матура и Амаравати отстапуваат место на рафинираната хармонија во уметноста Гупта. Овие карактеристики се особено јасни во бројните статуи на Буда, нурнати во состојба на мирна контемплација. Во времето на Гупта, сликите на Буда конечно добија строго канонизиран, замрзнат изглед. Во другите скулптури, помалку врзани со иконографски канони, поцелосно се зачувани живото чувство и богатството на пластичниот јазик.

На крајот на периодот Гупта, во 5-6 век, беа создадени скулптурни композиции врз основа на теми од браманската митологија. Во овие скулптури повторно почнуваат да се појавуваат карактеристики на голема експресивност и динамика. Ова се должело на почетокот на процесот на таканаречената брахманска реакција и постепеното, сè порешително туркање на будизмот од страна на брахманските култови (или, подобро кажано, од култите на хиндуизмот).

На почетокот на 6 век. империјата Гупта паднала под ударите на Хефталитите, или Белите Хуни, кои навлегле од Централна Азија; Многу уметнички центри во Индија се уништуваат и животот во нив изумира.

Новата етапа во историјата на индиската уметност датира од раниот среден век и по својата содржина е поврзана речиси исклучиво со хиндуизмот.

Во раната средновековна архитектура на Индија, се издвојуваа два големи тренда, кои се одликуваа со оригиналноста на нивните канони и форми. Една од нив се развила на северот на Индија и во литературата обично се нарекува северна или индоариевска школа. Вториот се разви на териториите јужно од р. Нарбада и е позната под името јужно или дравидско училиште. Овие две главни насоки - северноиндиски и јужноиндиски - за возврат се поделени на голем број локални уметнички училишта.

Додека јужноиндиски<жая, или дравидийская, архитектурная школа была связана в этот период лишь с областями восточного побережья Индостанского полуострова, южнее р. Кистны (Кришны), северная-индоарийская школа складывалась и развивалась на большей части территории северной Индии, распространившись даже на некоторые области Декана VII-VIII вв. в истории индийского искусства являются переходной эпохой.

Во тоа време, уметничките традиции, а особено традициите на архитектурата на скалпот, ја доживеаја последната фаза од нивниот развој и престанаа. Во исто време, постои процес на формирање на нови уметнички канони, форми и техники поврзани со потребите на феудалното општество во развој и неговата идеологија.

Улогата на копнената конструкција нагло се зголемува. Појавата на такви архитектонски дела како монолитни рати - мали храмови во Махабалипурам и познатиот храм Каиласаната во Елора, зборува за суштински промени во архитектурата на Индија: тоа се надземни згради, направени само во традиционалната техника на карпеста архитектура.

Будистичката карпеста архитектура во Ајанта кулминира во VII век. неколку вихари. Најпозната е Вихара бр.1, позната по ѕидните слики.

Од светски познатите ѕидни слики на оваа пештера до нас стигна само мал дел, а потоа во тешко уништена состојба. Преживеаните фрагменти прикажуваат епизоди од животот на Буда, како и бројни жанровски сцени кои се одликуваат со голема виталност.

Сликата на Вихара бр. Визуелните техники и средства што ги користеле сликарите што ги создале овие слики носат печат на традиционализам и одредена каноничност; И покрај прилично строгите ограничувања на визуелните средства, уметниците на Ајанта беа во можност да отелотворат во своите дела цел свет на големи човечки чувства, акции и искуства, создавајќи сликовити ремек-дела со навистина глобално значење.

Мотивите на сликата Ајанта се широко користени до ден-денес во уметничката работа на народите во Индија.

Меѓутоа, традиционалните пештерски манастири, приспособени за потребите на малите монашки браќа, не ги задоволувале потребите на брахманскиот култ со неговата сложена симболика и преполни церемонии. Техничките тешкотии поврзани со обработката на тврда карпеста почва ја принудија потрагата по нови архитектонски решенија и градежни техники. Овие пребарувања доведоа до изградба

Елора, еден од познатите комплекси на пештерски храмови во Индија, се наоѓа југозападно од Ајанта. Изградбата започнала овде уште во 5 век, кога биле исечени првите будистички пештери. Целиот комплекс на храмови во Елора се состои од три групи: будистички, брамин и џаин.

Создаден во втората половина на 8 век. Храмот Каиласаната претставува одлучувачко отфрлање на основните принципи на пештерската архитектура. Оваа зграда е градба од земја, направена со традиционални техники типични за карпеста архитектура. Наместо подземна сала да оди длабоко во карпата, градителите издлабиле структурен надземен храм од карпестиот монолит, чиј тип веќе бил развиен во неговите основни контури до тоа време. Откако ја одвоија потребната маса од планината со ровови, архитектите го отсекоа храмот почнувајќи од горните катови, постепено продлабочувајќи се до основата. Целата богата скулпторска декорација е извршена истовремено со ослободувањето на делови од објектот од карпестата маса. Овој метод бараше не само детален развој на дизајнот на зградата во сите негови делови и нивните односи, туку и исклучително точно олицетворение на плановите на архитектот во материјалот.

Скулптурата има доминантна улога во украсувањето на градбите од храмскиот комплекс. Сликањето се користи само во внатрешна декорација. Преживеаните фрагменти укажуваат на зголемување на карактеристиките на шематизмот и конвенцијата. Традициите на монументалното сликарство, тесно поврзани со будизмот, изумираат. Во хинду архитектурата, скулптурата добива особено прекрасен развој.

Третиот важен споменик во историјата на индиската средновековна архитектура е храмскиот ансамбл во Махабалипурам, кој се наоѓа на источниот брег јужно од Мадрас. Нејзиното создавање датира од средината на VII век. Храмскиот комплекс бил издлабен од природни излети на крајбрежен гранит. Се состои од десет колони сали издлабени во карпи, од кои две останале недовршени, и седум надземни храмови - рати, издлабени од гранитни монолити. Сите рати останаа недовршени. Најзначајниот од нив е храмот Дар-мараја-рата.

Храмскиот ансамбл на Махабалипурам вклучува прекрасен споменик на скулптура - релјефот „Слегувањето на Ганг на Земјата“. Издлабен е на стрмна падина од гранитна карпа и гледа кон исток - кон изгрејсонцето. Центарот на заплетот на композицијата е длабока вертикална пукнатина по која во античко време паѓала вода, обезбедена од посебен базен.

Боговите, луѓето и животните прикажани на релјефот се стремат кон овој водопад, кој јасно ја персонифицира легендата за слегувањето на небесната река на земјата и, откако стигна до неа, се замрзнуваат во восхитена контемплација на чудото.

И покрај надворешната статична природа на скулптурите на боговите, луѓето и животните, со голема генералност, дури и одредена шематика во интерпретацијата на нивните фигури, огромниот релјеф е исполнет со живот и движење.

Следната фаза во развојот на средновековната архитектура во Индија беше конечната транзиција кон градба преку ѕидање - камен или тула.

Развојот на архитектурата во северните региони на Индија следеше малку поинакви патишта. Овде се разви уникатен тип на храмска градба, значително различен од јужниот тип опишан погоре.

Во рамките на северното училиште се појавија неколку локални архитектонски трендови, кои создадоа голем број оригинални решенија за надворешните и внатрешните форми на градбата на храмот.

Архитектурата на северна Индија се карактеризира со распоредување на сите делови од зградата на храмот долж главната оска, обично строго од исток кон запад; Влезот во храмот се наоѓал од исток. Во споредба со југ, храмовите на северна Индија имаат поразвиен и покомплексен распоред: покрај вообичаените градби на светилиштето и главната сала, на вториот често се прикачуваат уште два павилјони - таканаречената сала за танц и сала на понуди. Во надворешниот состав на храмовиот објект обично остро се истакнува нејзината поделба на делови. Доминантен елемент на надворешниот изглед на градбата на храмот станува надградбата над зградата на светилиштето - шихарата со својата динамична криволинеарна контура; во северната архитектура, најпрво имало форма на повисока кула отколку на југ, квадрат или блиску до квадрат во план, чии странични рабови брзо се издигнуваат по стрмно исцртана парабола. Шихара насочена нагоре е во контраст со преостанатите делови од зградата на храмот; сите се значително пониски, нивната обвивка обично има форма на благо наведната скалеста пирамида.

Карпестиот храм Каиласаната. VIII век n. д.

Можеби најживописното, целосно олицетворение на каноните на северната архитектура беше пронајдено во делата на архитектонското училиште во Ориса. Ова училиште се развило во 9 век. и постоел до крајот на 13 век. Најистакнатите архитектонски споменици на училиштето Ориса се сметаат за огромниот храмски комплекс во Бубанешвар, храмот Јаганата во Пури и Храмот Сонце во Конарак.

Ансамблот на шаивитски храмови во Буванешвар се состои од многу голем број згради: најраните од нив биле изградени во средината на 8 век, најновата - на крајот на 13 век. Најзначајните од нив. е храмот Лингараја (околу 1000 г.), кој се одликува со своите монументални форми.

Зградата на храмот се наоѓа во средината на правоаголна област опкружена со висок ѕид. Се состои од четири дела, сместени по главната оска од исток кон запад: салата за дарување, салата за танцување, главната сала и светилиштето. Надворешните архитектонски поделби на зградата на храмот ја нагласуваат независноста на секој дел.

Храмот на Сонцето во Конарк се смета за едно од највисоките достигнувања на архитектонското училиште во Ориса во однос на смелоста на неговиот дизајн и монументалноста на неговите форми. Изградбата на храмот била извршена во 1240-1280 година, но не била завршена.Целиот комплекс бил џиновска соларна кочија - рата, влечена од седум коњи.Зградите на храмот биле поставени на висока платформа, на чии страни Дваесет и четири тркала и седум извајани фигури беа прикажани коњи како влечат кочија.

Кула на храмот Лингараја во Бубанешвар. Ориса, VIII век.

Храмовите во Каџурахо (средна Индија) биле создадени во различни архитектонски форми. Храмскиот комплекс во Каџурахо бил изграден помеѓу 950 и 1050 година. и се состои од хинду и џаин храмови. Брахманските храмови на Каџурахо претставуваат уникатен феномен во историјата на индиската архитектура: распоредот и волуметриско-просторниот состав на зградата на храмот овде имаат голем број значајни разлики од типовите на градби на храмовите опишани погоре.

Храмовите во Каџурахо не се опкружени со висока ограда, туку се издигнати високо над земјата на масивна платформа. Зградата на храмот овде е проектирана како единствена архитектонска целина, во која сите делови се споени во една просторна слика. И покрај релативно малата големина на зградите од оваа група, тие се одликуваат со хармонијата на нивните пропорции.

Во времето за кое станува збор, скулптурата е тесно поврзана со архитектурата и игра огромна улога во украсувањето на храмските згради. Самостојната тркалезна скулптура е претставена само со единечни монументални споменици и мали бронзени скулптури. Во однос на својата содржина, индиската скулптура од 7-13 век. е исклучиво хинду и е посветен на фигуративното толкување на религиозните легенди и традиции. Значајни промени се случуваат и во интерпретацијата на пластичните форми во споредба со скулптурата од претходните периоди. Во средновековната индиска скулптура, од самиот почеток на нејзиниот развој, се појавија карактеристики на зголемена експресивност и желба да се отелотворат во скулптурална слика разновидните фантастични аспекти карактеристични за божествата Брахман и станаа сè пораспространети. Овие карактеристики не беа присутни во скулптурата од периодот Кушан и Гупта.

Една од омилените теми на индиската скулптура од тоа време се чиновите на Шива и неговата сопруга Кали (или Парвати) во нивните бројни инкарнации.

Новите уметнички квалитети јасно се манифестираат веќе во монументалниот релјеф од Махишасура мандапа (почетокот на VII век, Махабалипурам), прикажувајќи ја борбата на Кали со демонот Махиша. Целата сцена е исполнета со движење: Кали, седната на лав во галоп, гаѓа со стрела кон демонот со глава на бик, кој, паѓајќи на левата нога, се обидува да го избегне ударот; во негова близина се прикажани неговите бегани и паднати воини, немоќни да го издржат бесниот напад на божицата.

Пример за тоа како новото разбирање на сликата почнува да се развива во рамките на старата уметничка форма е релјефот од островот Елефанта, кој го прикажува уништувачот Шива. Шива со осум раце е прикажан во движење, неговиот израз на лицето е лут: остро заоблени веѓи, бесен поглед на широко отворени очи, остар преглед на полуотворена уста експресно ја карактеризираат емоционалната состојба на богот. Во исто време, пластичните техники со кои е направен овој релјеф се несомнено сè уште тесно поврзани со традициите на класичната скулптура од ерата Гупта: истата мекост на скулпторските форми, донекаде генерализирано моделирање на лицето и фигурата и балансот на движењето се зачувани. Хармоничната комбинација на сите овие во голема мера контрадикторни карактеристики му овозможи на скулпторот да создаде слика на голема внатрешна сила.

Уметничките квалитети на индиската средновековна скулптура биле најцелосно развиени во храмовите од 10-13 век. Особено впечатливи примери се дадени од храмските комплекси Бубанесвар и Каџурахо. Овде беа прикажани фигурите на танчери, музичари и небесни моми кои ја сочинуваа свитата на боговите. Со текот на времето, овие древни слики на индиската уметност добија многу поекспресивна интерпретација, во која жанровскиот елемент е многу силен.Јужноиндиската бронзена скулптура се карактеризира со уметнички и стилски карактеристики карактеристични за индиската скулптура во целина: генерализирана интерпретација на тридимензионални форми, канонско тројно свиткување на човечката фигура, комбинација на динамички движења со хармоничен баланс на композицијата, суптилно прикажување на деталите на облеката и накитот. Типичен пример се бројните фигури на Шива Натараја (танцува Шива), слики на Парвати, Кришна и други божества, фигурини на кралеви и кралици донатори од династијата Чола.

Во XVII-XVIII век. Бронзите од Јужна Индија во голема мера ги губат своите уметнички квалитети.

Главните карактеристични карактеристики и традиции на средновековната браманска уметност, испитани на примерот на наведените споменици, добија независен и оригинален развој и уметничка интерпретација во бројни локални уметнички училишта. Овие традиции и канони живееле особено долго на крајниот југ на Индија, во Виџајанагар.

Формирањето на големи муслимански држави во северна Индија беше придружено со драматични промени не само во политичкиот и социо-економскиот живот, туку и во сферата на културата и уметноста. Со појавата на Султанатот Делхи, почна да се развива и брзо да се зајакнува нов голем правец во архитектурата и уметноста, конвенционално наречен „индо-муслимански“ во литературата. Интеракција на средновековните уметнички училишта во северна Индија

Иран и Централна Азија може да се следат многу порано. Но, сега процесот на меѓусебно навлегување и испреплетување на уметничките традиции на овие земји стана особено интензивен.

Од најраните архитектонски споменици на султанатот Делхи, до нас стигнаа урнатините на џамијата Кувват ул-Ислам во Делхи (1193-1300) со познатото минаре Кутб Минар и катедралната џамија во Ајмир (1210).

Распоредот на овие џамии се навраќа на традиционалниот двор или колонообразен распоред на џамијата. Но, општиот состав на овие згради укажува на блиско, на почетокот прилично еклектично преплетување на архитектонските традиции на Индија и Централна Азија. Тоа јасно се гледа на примерот на џамијата во Ајмир. Речиси квадрат во план, пространиот двор на џамијата е опкружен од три страни со колони порти со четири реда колони, покриени со бројни куполи. Молитвената сала на џамијата, формирана од шест реда колони, се отвора во дворот со монументална фасада, пресечена со седум сводови со кили, чија средина доминира во останатите.Но, само вештината на индиските архитекти во уметноста на камениот овозможи да се создаде таква хармонична зграда во пропорции.

Од подоцнежните споменици треба да се забележи мавзолејот на Гијас уд-дин Туглак (1320-1325) во градот Туглакабад во близина на Делхи. Припаѓа на типот мавзолеи со централна купола распространети на Блискиот Исток.

Доцната архитектура на султанатот Делхи се карактеризира со масивност, одредена тежина во општиот изглед на зградите и сериозноста и едноставноста на архитектонските детали.

Истите карактеристики се карактеристични за раната архитектура на Бахманидскиот султанат во Декан. Но, од почетокот на 15 век, со пренесувањето на главниот град во Бидар, овде започна енергично градење и се оформи локалниот уникатен стил. Тенденцијата да се маскира масата на зградата со декоративна декорација, во која се игра главната улога, станува сè појасно.

полихромни облоги и украсни резби. Најзначајните споменици на бахманидската архитектура се мавзолеите на Ахмед Шах и Ала-удин и медресата Махмуд Гаван во Бидар (средината на 15 век).

Божицата Парвати. Бронза, 16 век

Извонреден споменик на пред-мугалската архитектура во северна Индија е мавзолејот на Шер Шах во Сасарам (средината на 16 век, Бихар). Масивниот октаедар на зградата на мавзолејот, покриен со огромна хемисферична купола, се издигнува на брегот на езерото на моќна квадратна цоколка, на чии агли и страни има големи и мали куполи павилјони. Општиот изглед на зградата, и покрај сета негова масивност, создава впечаток на волумен и леснотија.

Периодот од XIII до почетокот на XVI век. е од големо значење во историјата на индиската архитектура. Во тоа време, постои сложен процес на преиспитување и преработка на архитектонски форми и техники кои дојдоа од Централна Азија и Иран, во духот на локалните индиски уметнички традиции. Во таканаречената хинду-муслиманска архитектура, водечки принцип продолжи да биде пластичното, волуметриско решение на архитектонската слика.

Зафатената градба во Султанатот на Делхи и другите држави во северна Индија во голема мера ги создала предусловите за нов процут на архитектурата и уметноста во 16-18 век. под Големите Могали.

Во архитектурата на Мугал, јасно се разликуваат два периода: претходниот, поврзан со активностите на Акбар, и подоцнежниот, кој се однесува првенствено на владеењето на Шах Џехан.

Размерот на урбаната градба под Акбар беше исклучително голем: беа изградени нови градови - Фатехпур Сикри (70-ти на 16 век), Алахабад (80-90-ти) и други. Како резултат на обемната градба во 60-тите, според современиците, Агра стана еден од најубавите градови во светот.

Од големиот број архитектонски споменици од ова време, најпознати се мавзолејот Хумајун (1572) во Делхи и катедралната џамија во Фатехпур Сикри.

Мавзолејот на Хумајун е првата градба од ваков тип во архитектурата на Могал. Во центарот на паркот, поставен според правилата на централноазиската паркова уметност, на широка основа се издига октагонален мавзолејски објект, изграден од црвен песочник и обложен со бел мермер. Главната бела мермерна купола е опкружена со голем број отворени куполи павилјони.

Архитектурата на зградите Фатехпур Сикри дава примери за спојување на елементи од централно-азиско-иранската и индиската архитектура во уникатен и независен архитектонски стил.

Големата џамија во Фатехпур Сикри е ѕиден правоаголник ориентиран по кардиналните точки. Ѕидовите, празни однадвор, од северната, источната и јужната страна се опкружени со колони од внатре. Западниот ѕид е окупиран од зграда џамија. Во средината на северниот ѕид се наоѓаат мавзолеумите на шеикот Селим Чишти и Наваб Ислам Кан, од југ е главниот влез - таканаречениот Буланд Дарваза, кој е величествен објект во кој се карактеризираат карактеристиките на монументалниот стил на архитектура на беше отелотворена ерата Акбар. Оваа зграда е изградена во 1602 година за да го одбележи освојувањето на Гуџарат. Основата е формирана од 150 широки камени скалила на огромен портал, кој бил крунисан со ажурна галерија со минијатурни куполи и неколку куполи павилјони на горната платформа.

Колона изработена од не'рѓосувачки метал. Делхи

Во подоцнежниот период, главно поврзано со владеењето на Шах Џехан, продолжи изградбата на монументални градби. Овој период вклучува такви споменици како Катедралната џамија во Делхи (1644-1658), Бисерната џамија (1648-1655) таму, бројните згради на палатата во Делхи и Агра и познатиот мавзолеј Таџ Махал. Но, во општиот карактер на архитектурата на ова време се забележува отстапување од монументалниот стил на времето на Акбар и тенденција кон намалување на архитектонските форми. Улогата на декоративниот принцип е значително зголемена. Интимните павилјони на палатата со извонредна, софистицирана декорација стануваат доминантен тип на градби.

Манифестацијата на овие трендови може да се види на примерот на мавзолејот Itimad uddoule во Агра (1622-1628). Во центарот на паркот има бел мермерен мавзолејски објект. Архитектот го изградил во духот на павилјоните на палатата, напуштајќи ги монументалните форми традиционални за гробница. Леснотијата и благодатта на облиците на зградата се нагласени со нејзината извонредна декорација.

Орнамент на Кутуб Минар (околу 1200 година, Делхи)

Во многубројните градби на Шах Џехан во Делхи, она што е највпечатливо е богатството и разновидноста на украсни мотиви.

Крунското достигнување на архитектурата на Могал е мавзолејот Таџ Махал (завршен во 1648 година) на брегот на Џумна во Агра, изграден од Шах Џехан во спомен на неговата сопруга Мумтаз-и-Махал. Зградата, заедно со столбната плоча и куполата, е направена од бел мермер и стои на масивна платформа од црвен песочник. Неговите форми се одликуваат со исклучителна пропорционалност, рамнотежа и мекост на нивните контури.

Ансамблот на мавзолејот е надополнет со зградите на џамијата и павилјонот за состаноци, кои стојат по рабовите на платформата. Пред ансамблот има огромен парк, чии централни улички се протегаат по долгиот тесен базен од влезниот портал директно до мавзолејот.

Во втората половина на 17 век, со промена на внатрешниот политички курс под Ауранџеб, развојот на архитектурата во државата Могал престана.

Во Индија во 16-17 век, заедно со Мугалите, постоеле голем број локални архитектонски школи кои создале нови решенија за традиционалните архитектонски теми...

Во тоа време, во Бидар и Биџапур, кои ја задржаа независноста од Могалите релативно долго време, се шири уникатен тип мавзолеј со централна купола, чии типични примери се мавзолејот Али-Барид (16 век) во Бидар и мавзолејот на Ибрахим II (почетокот на 17 век) во Биџапур.

До XV-XVIII век. вклучуваат бројни реконструкции на ансамблите на храмот на Џаин на планината Гирнар, во Шатрунџаја (Гуџарат) и на планината Абу (Јужен Раџастан). Многу од нив биле изградени во 10-11 век, но подоцнежните реконструкции во голема мера го промениле нивниот изглед.

Џајнските храмови обично се наоѓале во центарот на огромен правоаголен двор, опкружен со ѕид, долж чиј внатрешен периметар имало ред од ќелии. Самата градба на храмот се состоела од светилиште, соседна сала и сала со столбови. Џаин храмовите се одликуваат со своето извонредно богатство и разновидност на скулпторски и украсни украси.

Мавзолеј на Таџ Махал. Агра

Познатите храмови на планината Абу се целосно изградени од бел мермер. Најпознат е храмот Тејпала (13 век), познат по внатрешната декорација и особено скулптурната декорација на таванот.

На југот на Индија, мајстори на доцната браманска архитектура во 17 - 18 век. создаде голем број извонредни архитектонски комплекси. Токму во јужните региони, особено во Виџајанагар, најцелосно се зачувани уметничките традиции на јужноиндиската или дравидската школа опишани погоре, кои континуирано се развиваат овде од 8-11 век. Во духот на овие традиции, беа создадени такви обемни храмски комплекси како што се храмот Џамбукешвара кај Тиручирапали, храмот Сундарешвара во Мадурај, храмот во Танџур итн. Тоа се цели градови: во центарот е главниот храм, чија градба често се губи меѓу бројните помошни згради и храмови. Неколку концентрични контури на ѕидовите ја делат огромната територија окупирана од таков ансамбл на голем број делови. Обично овие комплекси се ориентирани според кардиналните точки, со главната оска на запад. Кули со високи порти - гопурами - се подигнати над надворешните ѕидови, кои доминираат во целокупниот изглед на ансамблот. Имаат изглед на силно издолжена скратена пирамида, чии рамнини се густо покриени со скулптури, често насликани и украсни резби. Друг карактеристичен елемент на доцната браманска архитектура се огромните базени за абдести и салите на нивните страни со многу стотици столбови рефлектирани во водата.

Во XVIII-XIX век. Во Индија се одвиваше доста граѓанска градба. Од тоа време датираат бројни замоци и палати на феудални принцови и голем број значајни градби во многу големи градови во Индија. Но, архитектурата од ова време беше ограничена само на повторување или барање нови комбинации и варијанти на архитектонски форми веќе развиени порано*, сега сè повеќе и повеќе декоративно интерпретирани.

Храмска кула во Мадурај

Заедно со. традиционално индиски, се повеќе се користат различни елементи и форми на европската архитектура. Овие карактеристики на доцната индиска архитектура го определија нејзиниот чуден, бизарен изглед, карактеристичен за многу индиски градови, особено за нивните нови квартови.

Во втората половина на 19 и почетокот на 20 век. Значителен број официјални згради се градат по европски модели.

Избледувањето на традициите на монументалното ѕидно сликарство, забележано погоре, воопшто не значело нивно целосно прекинување во уметноста на народите во Индија. Овие традиции, иако во многу изменета форма, беа продолжени во книжни минијатури.

Најраните примери на средновековна индиска минијатура кои ни се познати се претставени со делата на таканаречената гуџарати школа од 13-15 век. Во содржината, тие се речиси целосно илустрации на религиозни книги на Џаин. Првично, минијатурите се пишувале, како книги, на лисјата од палми, а од 14-15 век. - на хартија.

Минијатурите на Гуџарати имаат голем број карактеристични црти, првенствено во начинот на прикажување на човечката фигура: лицето беше прикажано во тричетвртински поглед, а очите беа нацртани од предната страна. Долгиот, зашилен нос штрчеше многу подалеку од контурата на образот. Градите беа прикажани како претерано високи и заоблени. Општите пропорции на човечката фигура се одликуваа со нивното нагласено сквотирање.

На дворот на големите Могали се развила и достигнала високо совршенство таканаречената мугалска школа за минијатури, чијшто развој, според изворите, ги поставиле претставниците на школата Херат, уметниците Мир Сеид Али Табризи и Абд ал-Самад Машади. Могалските минијатури го достигнаа својот врв во првата половина на 17 век, за време на владеењето на Џехангир, кој особено ја покровител оваа уметност.

Излегувајќи од традициите на класичните средновековни минијатури во Иран и Централна Азија, мугалските минијатури во нивниот развој се приближија до реалистичните техники на сликање од сите други школи на ориентални минијатури. Важна улога во формирањето на могалските минијатури играше духот на голем интерес за поединецот и неговите искуства, интересот за секојдневниот живот што владееше на могулскиот двор. Несомнено, со ова се поврзани голем број портрети и жанровски композиции; Значајно е што могалските минијатури ни зачувале најголем број имиња на уметници и потпишани дела, што е релативно ретко во другите училишта. Заедно со експресивните портрети, значајно место заземаат сликите на приеми во палата, фестивали и свечености, лов итн. При развивањето на овие традиционални теми за ориентални минијатури, уметниците Могал правилно ја пренесуваат перспективата, иако ја конструираат од возвишена гледна точка . Могалските мајстори постигнале големо совршенство во прикажувањето на животни, птици и растенија. Мансур беше извонреден мајстор на овој жанр. Тој црта птици со беспрекорно прецизни линии, исцртувајќи ги деталите на нивните пердуви со најубави потези и нежни транзиции на боите.

Процутот на мугалските минијатури придонесе за развојот на крајот на 17-18 век. голем број локални сликарски училишта, кога со падот на државата Могол, поединечните феудални кнежевства станаа посилни.Обично овие училишта се нарекуваат конвенционално колективен термин Раџпут минијатура. Тука спаѓаат минијатурните училишта во Раџастан, Бунделханд и некои соседни области.

Минијатура на Могалската школа, крајот на 15 век. Помирување на Бабур со султанот Амир Мирза во Кохлин кај Самарканд

Омилени теми на минијатурите на Раџпут се епизоди од циклусот легенди за Кришна, од индиската епска и митолошка литература и поезија. Нејзини карактеристични карактеристики се големата лиричност и контемплација. Нејзиниот уметнички стил се карактеризира со нагласена контура, конвенционална рамна интерпретација и на човечката фигура и на околниот пејзаж. Бојата во минијатурите на Раџпут е секогаш локална.

Во средината на 18 век. Уметничките квалитети на минијатурите на Раџпут опаѓаат и тие постепено се приближуваат до народните популарни принтови.

Колонијалниот период во индиската историја на уметност беше време на стагнација и пад на повеќето традиционални форми на средновековна индиска уметност. На крајот на XVIII-XIX век. Карактеристиките на оригиналната светла креативност се најзачувани во индиските народни отпечатоци и ѕидни слики. Во однос на нивната содржина, ѕидните слики и популарните графики беа претежно култна уметност: беа прикажани бројни брамански божества, епизоди од религиозни легенди и традиции, а поретко беа пронајдени сцени земени од обичниот живот. Тие се блиски и во уметничките техники: се карактеризираат со светли, заситени бои (главно зелена, црвена, кафеава, сина), јасен, силен преглед и рамна интерпретација на формата.

Еден од значајните центри на индискиот популарен печат беше Калигат во близина на Калкута, каде што во 19-20 век. Се разви уникатна школа на таканаречениот популарен печат Калигат, што имаше одредено влијание врз работата на некои модерни сликари.

Во обид да ги потисне сите манифестации на индиската национална култура, британската колонијална администрација се обиде да формира слој од населението во земјата, чии претставници, според колонијалистите, по потекло Индијци, ќе бидат Англичани во нивното воспитување. образование, морал и начин на размислување. Спроведувањето на таквата политика беше олеснето од различни образовни институции за Индијците, програмите и целиот наставен систем во кој беа изградени на англиски модели; Овие институции вклучуваа неколку уметнички училишта, особено Уметничката школа во Калкута.

Кон крајот на 18 и почетокот на 19 век. Во Индија се појавува одредена насока, понекогаш наречена. Англо-индиска уметност. Создаден е од европски уметници кои работеле во Индија и усвоиле некои од техниките на индиското минијатурно сликарство. Од друга страна, во формирањето на англо-индиската уметност, индиските уметници одиграа голема улога, израснати во традициите на индиските минијатури, но позајмувајќи ги техниките на европското цртање и сликање.

Типичен претставник на овој тренд беше Рави Варман (80-90-тите години на 19 век), чии дела имаа силни особини на сентименталност и сладост. Овој тренд не создаде значајни дела и не остави забележителен белег на индиската уметност, но до одреден степен придонесе за поблиско запознавање на индиските уметници со техниките и техниките на европското сликарство и цртање.

Формирањето на нова, модерна ликовна уметност во Индија на почетокот на 20 век. поврзани со имињата на Е. Хавел, О. Тагоре и Н. Бошу.

Е. Хавел, кој раководел во 1895-1905 година. Уметничкото училиште Калкута, објави голем број дела за историјата на индиската уметност, нејзината содржина и уметнички и стилски карактеристики.

Индиска минијатура на училиштето Раџпут, 17 век. Бог Шива со неговата сопруга Парватиченија и високите уметнички заслуги на античките и средновековните уметнички споменици на Индија. Во уметничката и педагошката практика, Е. Хавел повика на следење на традиционалните форми и техники на индиската ликовна уметност. Се покажа дека овие идеи на Е. Меѓу последните беше О. Тагоре, една од најистакнатите фигури во движењето на таканаречената бенгалска преродба.

Извонредна јавна личност и извонреден уметник, Обонидронат Тагоре собра околу себе значајна група млада национална интелигенција и создаде неколку центри - уникатни универзитети, чија главна задача беше практична работа на реконструкција и заживување на различни гранки на индиската уметничка култура. паднал во опаѓање за време на колонијалното ропство.Индија.

Друга голема фигура во индиската уметност од почетокот на дваесеттиот век. Имаше еден сликар, Нондолал Бошу, кој се обиде да создаде нов монументален стил на сликање, заснован на традициите на сликање пештерски храмови.

Н. Бошу и О. Тагоре биле основачи на движењето познато како Бенгалско училиште. Во 20-тите и 30-тите години, бенгалското училиште одигра водечка улога во ликовната уметност на Индија - повеќето од уметниците од тоа време се приклучија на него.

Н. Бошу, О. Тагоре и нивните следбеници ги цртаа заплетите на нивните дела првенствено од индиската митологија и историја. Нивните дела, многу различни по манир и стил, содржеа многу противречности. Така, О. Тагоре, во своите имитации на могалските минијатури, ги комбинира техниките карактеристични за него со оние на европското и јапонското сликарство. Работата на уметниците од бенгалската школа како целина се одликува со карактеристиките на романтизмот. Но, и покрај бројните слабости на нивната работа, нејзината идеолошка ориентација, желбата за оживување на националното сликарство, привлечноста кон чисто индиски теми и теми, во комбинација со нагласената емоционалност и индивидуалност на уметнички начин, го определија успехот и популарноста на школата на слика создадена од О. Тагоре и Н. Бошу. Многу познати современи мајстори од постарата генерација излегоа од него, или беа под силно влијание од него, како С. Укил, Д. Рој Чаудхури, Б. Сен и други.

Светла и уникатна појава е дело на Амрита Шер-Гил. Откако доби уметничко образование во Италија и Франција, уметникот, по враќањето во Индија во доцните 20-ти, зазеде сосема поинаква позиција во споредба со бенгалското училиште, кое таа го отфрли. Омилени теми на уметникот се секојдневниот живот на индиското селанство во неговите различни манифестации. Воведувајќи ја оваа тема во индиската уметност, А. Шер-Гил во своите дела се обиде да ја прикаже маката на обичните луѓе во Индија во тоа време, благодарение на што многу од нејзините дела имаат допир на трагедија и безнадежност. Уметникот разви свој, светло индивидуален стил, кој се карактеризира со високо генерализирана линија и фундаментално реалистична форма. Нејзината работа, која не се здоби со популарност за време на животот на уметникот, беше ценета само во повоените години и влијаеше на многу современи индиски уметници.

Независноста на Индија создаде предуслови за нов подем и развој на архитектурата и ликовната уметност, иако одвојувањето на Пакистан доведе до изолација на значајни уметнички сили.

„Одмор“ (од слика на уметникот Амрита Шер-Гил)

Современиот уметнички живот во Индија е исклучително разновиден, сложен и контрадикторен. Во него се испреплетуваат бројни трендови и школи, а интензивно се бара начини за понатамошен развој и усовршување. Индиската ликовна уметност сега минува низ период на интензивна идеолошка и уметничка борба; Се одвива процесот на формирање и формирање на нова изворна национална уметност, која ги наследува сите најдобри традиции на вековната индиска уметничка култура и се стреми креативно да ги совлада и преработи уметничките техники и средства на најновите трендови во светската уметност.

Во современата индиска архитектура се појавува движење кое се обидува да создаде нов национален стил преку оживување и користење на формите и елементите на античката архитектура, главно од времето на Гупта. Заедно со ова стилизирачко движење, модерното архитектонско училиште на Корбизје е сега е исклучително распространета во Индија; Самиот Корбизје го развил распоредот и архитектурата на зградите во Чандигар, новиот главен град на источен Пенџаб, и изградил голем број јавни и приватни згради во Ахмедабад и други градови. Многу млади индиски архитекти работат во истата насока.

Во современата индиска ликовна уметност, широко се раширени разни „ултрамодерни“, модернистички и апстракционистички трендови, духовно поврзани со екстремните формалистички движења на западноевропската и американската буржоаска уметност. Апстракционистичките тенденции во работата на индиските уметници често се испреплетуваат со декоративни и стилизирачки техники. Овие моменти се особено впечатливи во делата на мајстори како Џ. Кит, К. Ара, М. Хусаин, А. Ахмад и други.

„Тие излегуваат на море“ (од слика на уметникот Хирен Даш)

Друга насока во сликарството е исто така многу распространета, свртувајќи се кон познатите споменици на античка и средновековна Индија во потрага по начини за заживување на националната уметност. Продолжувајќи ги традициите на бенгалската школа, уметниците на ова движење бараат во пештерските слики на Ајанта и Баг, во минијатурите на Могал и Раџпут, во народните популарни отпечатоци не само за заплетите и темите на нивните дела, туку и за нови, досега неистражени сликовити, технички и композициски техники. Заедно со симболичните и историско-митолошките композиции, тие развиваат и теми од народниот живот во нивните слики. Нивниот уметнички стил се карактеризира со генерализирана конвенционално декоративна интерпретација на формата. Впечатлив пример е делото на Џамини Рој, уметник од постарата генерација и еден од најзначајните мајстори на ова движење. Работејќи во раниот период на своето творештво на начин на бенгалската школа, тој подоцна се сврте во својата потрага по популарниот популарен принт и разви јасен, непречено заоблен преглед, едноставна силна форма, монументална и лаконска композиција и строго боење карактеристично за неговите следни дела. Во истиот дух, но секој на свој индивидуален начин, работат и истакнати уметници како М. Деј, С. Мукерџи, К.

„Круг по круг“ (од слика на уметникот К. К. Хебар)

Заедно со овие трендови, во индиската уметност расте и зајакнува движење, развивајќи теми од секојдневниот модерен живот на народите во Индија користејќи реални средства. Делата на уметниците од ова движење ги рефлектираат со голема експресивност, љубов и топлина сликите на обичните луѓе во Индија; карактеристиките на нивниот живот и дело се пренесени многу поетски и витално вистинито. Ова се сликите и графичките дела: А. Мукерџи („Езерце во селото“), *С. Б. Круг“), А. Бозе (портрет на Р. Тагоре), скулптура од Ч. Кара (портрет на М. К. Ганди) и многу други“.

Овие главни насоки во никој случај не ја исцрпуваат различноста на уметничките движења и индивидуалната уникатност на работата на индиските уметници. Многу мајстори, во нивната креативна потрага по нови патеки, користат многу широк арсенал на визуелни средства и создаваат дела на широк спектар на, честопати контрадикторни, манири.

Ликовната уметност во Индија сега доживува период на енергично истражување на полето на идеолошката содржина и уметничката форма. Клучот за неговиот успешен и плоден развој е тесната поврзаност на напредните индиски уметници со животот и аспирациите на индискиот народ, „со движењето на човештвото кон мир и напредок.

Во овие сали, танчерите на храмовите изведуваа ритуални танци.

На територијата на џамијата се наоѓа познатата колона од не'рѓосувачки метал кој датира од 4-5 век. n. д. Многу Индијци веруваат дека ќе имаат среќа ако можат да ги обвиткуваат рацете околу колона свртени со грбот кон неа.

Индиско сликарство
Традицијата на сликање во индискиот потконтинент датира од далечното минато. Доказ за високата вештина на индиските уметници се фреските што преживеале до денес во пештерите на Ајанта и Елора, будистичките ракописи на лисјата од палми, минијатурните слики на училиштата Могал и Рајпут и многу повеќе.
Преку цртежот, индиското класично сликарство ја изразува радоста на животот, великодушноста на неговите дарови, религиозните чувства и триумфот на духовното совршенство. Карактеристична карактеристика на индиското сликарство е отсуството во него, за разлика од европското сликарство, на темата на трагедијата.
Индиската класична ликовна уметност може да се подели на два вида: ѕидни слики (фрески) и минијатури. Со текот на времето, овие типови се развиле во мешавина од различни стилови, кои влијаат еден на друг. На пример, индиските ѕидни слики на храмот последователно се појавија од ѕидните слики на пештерите.

Пештерски (карпести) фрески
Историјата на карпестата уметност на Индискиот Полуостров датира од II милениум п.н.е. д. Впечатлив пример за ова се пештерските фрески на Баг и Ситанавасала. Фреските на Ајанта и Елора, наведени како светско наследство на УНЕСКО, заслужуваат посебно внимание и се ризница на античката уметничка уметност.

Пештерите Ајанта(Ајанта), датира од 2 век. п.н.е. - V век н.е., некогаш биле живеалиште на будистичките монаси. Подоцна, напуштени, се верува дека за време на најславниот период на Елора, тие биле заборавени до 1819 година. Случајно откриени од една британска ловечка забава, пештерите му ја откриле на светот највисоката уметничка вештина на древна Индија. Пештерите содржат многу прекрасни насликани фрески темпера. Реставрирани во 1920-тите, фреските на Ајанта прикажуваат приказни од животот на Буда, како и кралското семејство и придружбата. Денес, карпестата уметност Ајанта е препознаена како историско наследство и културно наследство на Индија.

Ѕидното сликарство Ајанта

Падмапани бодисатва (Ајанта)

Во комплексот на пештерскиот храм Елора(Елора) карпести фрески се зачувани главно во храмот Каиласа. Некои од нив го прикажуваат богот Вишну и неговата сопруга Лакшми, други - небесни куртизани апсари, и риши- свети мудреци.

Фрески на Елора

Издлабена во карпа Баг пештери(Баг), кој се наоѓа во Мадја Прадеш, се познати по нивните ѕидни слики. Според легендата, овие пештери ги основал будистичкиот монах Датака. Претходно се веруваше дека пештерите Баг датираат од VII век. n. д., но ѕидните натписи пронајдени во нив укажуваат дека пештерите настанале во периодот од IV до VI век. АД
Во 10 век со падот на будизмот, пештерите беа напуштени, но во 1982 година беа обновени. Најпознатите фрески на Баг се завршени темпера.

Баг

Баг фрески

Пештерата Ситанавазал(Sittanavasal/Chithannavasal) е одличен пример за карпеста уметност од средновековна Индија, сместена во државата Тамил Наду. Пештерата е џаински храм-манастир во карпа познат како Аривар Коил, кој датира од 7-9 век. n.t. Забележително е по фреските, кои биле насликани со растителни и минерални бои на тенок слој влажен малтер. На ѕидовите се прикажани прекрасно езерце со лотос, танцувачки фигури на луѓе, животни, птици.

Ситанавасала

Индиска минијатура

Минијатурното сликарство е елегантна форма на сликање од индискиот потконтинент. Врвот на оваа уметност е сложената и деликатна четка. Боите за сликање минијатури традиционално беа направени од природни материјали: минерали, растенија, скапоцени камења, злато, сребро, школки од мекотели. Сликањето минијатурни слики е многу сложена, макотрпна уметност, каде ниту еден детаљ не останува без внимание.

Источноиндиско училиште за минијатурно сликарство XI - XII векови
Пала школа за сликарство
Најраните примери на индиски минијатури датираат од периодот на владеењето на будистичката империја Пала, која ги покривала териториите на модерна Западна Европа. Бенгал, Бангладеш и Бихар. Минијатурите на Пала се илустрации на религиозни будистички ракописи кои датираат од 11 до 12 век. Стилот на училиштето Пала е вешти, грациозни линии, пригушени тонови, вешто моделирање на фигури и употреба на природни бои. Овој натуралистички стил потсетува на совршено излиените форми на бронзени скулптури и ехо на фреските на Ајанта. Училиштето Пала ја нагласува симболичната употреба на бојата во сликите, добиени од тантризмот.

Бодисатва Маитреја (Пала)

Мамаки (Пала)

Херука (Пала)

Западноиндиско училиште за минијатурно сликарство XII - XVI векови
Џаин минијатура
Западноиндискиот стил на минијатурно сликарство се разви и доминираше на териториите на Гуџарат, Раџастан и Малва. Една од движечките сили на креативноста во овој регион во тоа време беше џаинизмот, кој беше покровител од средината на 10 век. до крајот на 13 век. владетели на династијата Чалукија. Огромна количина на религиозна џаин литература беше широко користена меѓу благородништвото и богатите трговци од тоа време. Многу од овие ракописи се зачувани денес во складишта за книги на Џаин (Бхандара) на многу места во Западна Индија. Цртежите во овие ракописи се многу стилизирани и искривени. Акцентот во минијатурата на Џаин е ставен на диспропорцијата на делови од телото, очите, колковите и градите, на нивното значително претерување. Јаинската школа за минијатурно сликарство ги нагласува чистите бои, тешките златни контури и минималната облека.
Од 15 век. Персискиот стил на ликовната уметност почнува да влијае на западноиндиското сликарско училиште. За тоа сведочат типовите на лица во сликите својствени за персиското сликарство, облиците на цветни дрвја, присуството на сцени од лов, тревата што расте во гроздови, небото и облаците. Ова влијание е особено забележливо во употребата на ултрамарин и златни бои, кои преовладуваат во визуелните уметности на Персија. Најраните примери на персиско сликарство во Индија биле илустрирани ракописи, од кои многу биле копирани и постепено се шират низ Хиндустан.

Баахубали (минијатура на џаин)

Могалско училиште за минијатурно сликарство
Могалското минијатурно сликарство одразува комбинација на индиски и персиски стилови. Се појави како уметност за време на владеењето на императорот Мугал Хумајун (1530-1540; 1555-1556). Враќајќи се во Индија од Персија, каде што беше во егзил, Хумајун донесе со себе двајца персиски уметници, кои ги поставија темелите за развојот на минијатурното сликарство Могал. Со текот на времето, персиското сликарство, апсорбирајќи ги локалните традиции, формираше свој карактеристичен стил. Главните теми на могулските минијатури се сцени на лов, битка, сцени од дворски живот, моменти од легендарни приказни, природни пејзажи, слики на животни и портрети.

Јахангир

Под покровителство на императорите Акбар, Јахангир и Шах Јахан, сликарската школа на Могал се издигна во нова фаза од нејзиниот развој. За време на владеењето на Акбар Велики (1556-1605), имаше голем пораст на уметничките работилници. Стотици уметници работеа на дворот, следејќи го стилот основан од двајца персиски сликари кои еднаш пристигнаа во Индија со Хумајун. Бидејќи императорот Акбар сакал легенди и приказни, главните теми во овој период биле сцените од Махабхарата, Рамајана и персиските епови.
За време на владеењето на императорот Јахангир (1605-1627), уметноста добила огромна поддршка, особено сликарството. Во овој период, стилот на сликање станува попрефинет, боите посветли и пригушени. Заедно со портрети, слики на животни, птици и природа, главните теми на сликите се настани од животот на самиот Јахангир. Впечатлив пример се илустрациите за „Јахангир-нама“ (автобиографскиот дневник на царот).
За време на владеењето на Шах Јахан (1628-1658), чувствителноста на сликите постепено била заменета со студенило и строгост. Темите на сликите се вртеа околу музички дела, вљубени парови и свети подвижници.
Трендот во развојот на сликарството, забележан за време на владеењето на Акбар, Јахангир и Шах Јахан, постепено почна да опаѓа кога на власт дојде императорот Ауранџеб (1658-1707). Без да обезбеди соодветна поддршка на уметниците, императорот го означи почетокот на падот на сликарството Могал. И веќе до средината на 18 век. За време на владеењето на Шах Алам II (1759-1806), уметноста на сликарството на Могал речиси исчезна, оставајќи зад себе само една гранка, позната како школа за сликање Раџпут.

императорот Акбар

Рајпут школа за минијатурно сликарство
Од владеењето на Ауранџеб, дворските уметници, оставени без покровителство на царскиот двор и нивната егзистенција, биле принудени да бараат засолниште во други земји. Постепено се преселиле во Раџастан, мајсторите на могалското сликарство почнале да ги оживуваат мугалските минијатури, но под посебно влијание на локалната ликовна уметност. Така, секое од кнежевствата Рајпут развило свој стил. Сепак, сите тие имаат слични карактеристики кои се развиле за време на Могалскиот двор. Со текот на времето, минијатурите на Раџпут станаа поголеми, преместувајќи се кон внатрешните ѕидови на палатите и тврдините. Главните теми на сликарството Раџпут се приказни од Махабхарата и Рамајана, локални пејзажи и секојдневниот живот на луѓето, како и приказни од Бхагавата Пурана, Кришна Лила и Рагамала. Локалните уметници добивале бои за сликање од природни материјали.

Нова девојка во харемот

Кришна и гопите

Рагамала(лт. „венец од раги (мелодии)“) емоционалното и музичкото расположение што го пренесува јазикот на цртањето е класичен пример за спој на сликарството, поезијата и музиката, отелотворени во прекрасни минијатури. Ова е слика базирана на различни индиски музички мотиви од рага. Вообичаена тема на рагамалите е љубовта помеѓу мажот и жената. Апсолутно сите рагамали се прикажани во специфични бои, во зависност од времето на денот или сезоната во која се изведуваат одредени раги. Ова е направено со цел да се пренесат емоциите и расположението предизвикани од рагите.

Училиште за сликарство Пахари
Се верува дека сликарството Пахари е одраз на минијатурното сликарство Раџпут, кое се развивало и процвело помеѓу 17 и 19 век. на земји кои се предмет на кнезовите Раџпут (региони на современите држави Химачал Прадеш и Џаму и Кашмир).
Пахариското сликарство може да се класифицира во две стилски школи, имено базолиИ гулер-кангра.

Од памтивек, провинцијата Џаму е поделена на независни кнежевски држави, меѓу кои Базоли отсекогаш заземал важно место, каде што се појавил познатиот центар на уметноста. Потекнувајќи од Басохли/Башоли, овој стил со исто име се рашири широко, постепено трансформирајќи се во други познати стилови на сликање Пахари, имено Чамба, стрелец, кулуИ манди. Сликарството Басоли лесно се препознава по своите енергични, смели линии и живописни бои (црвена, сенф и сина). Се карактеризира и со геометриски шари, сјајна емајл, впечатливи лица со високо чело и експресивни очи како ливчиња од лотос и облека во стилот на Могал. Омилените теми на уметниците од тоа време беа сцените од Гита Говинда, Бхагавата Пурана и Рагамала.

Басоли

Со постепеното исчезнување на базолискиот стил во средината на 18 век. стилот се појави во арената на индиската ликовна уметност канграили гулер-кангра, именуван по регионот Кангра од каде што потекнува. Развивајќи се и стекнувајќи популарност, училиштето на мајстори за сликање Кангра почна значително да се истакнува во планинскиот регион. Овој стил потекнува од малото кнежевство Гулер, кое се наоѓа на територијата на модерната област Кангра во Химачал Прадеш. Карактеристика на стилот Кангра е широката употреба на нијанси на зелена боја. Овој стил е повеќе од натуралистички, бидејќи големо внимание се посветува на деталите на околната природа: цветни растенија, винова лоза, потоци, природни елементи. Во своите дела, уметниците користат основни бои, разредувајќи ги со деликатни, свежи нијанси. Композициите на многу слики се состојат од сложени пејзажи. Но, мајсторите на стилот Кангра посветуваат посебно внимание на женственоста, прикажувајќи ги жените како грациозни и софистицирани. Инспирирани од култот на бхакти, кој дотогаш се раширил на овие места, уметниците прикажувале приказни од Гита Говинда и Бхагавата Пурана во нивните слики.

Кангра

Деканско училиште за сликарство
Училиштето во Дека, кое се развило на територијата на висорамнината Дека од 16 век, ги апсорбирало сликарските традиции на султанатот на Малави, како и јужноиндиските традиции на школата за сликање Виџајанагара. Извонредни примери на сликарство од султанатот на Малави се илустрираниот ракопис на Калпа Сутра, кој датира од 1439 година, како и трактатот за уметноста на готвење, Нимат Нама.

Илустрација за Нимат Нама

Деканската сликарска школа се карактеризира со богати и светли бои, што ја става во контраст со училиштата на север. Главните бои во минијатурата на Декан се сина, црвена и розова. Симетријата овде ја игра главната улога. Човечки фигури, архитектонски структури, дрвја, цвеќиња, перници, набори во облеката, па дури и положбата на различни делови од телото се поставени на платното за да се одржува рамнотежа во сè.

Деканска минијатура

Многу примери на деканско сликарство од 16 век. дизајниран во персиски стил, бидејќи локалните уметници биле потомци на сликари од Персија поканети во Индија. Меѓутоа, со текот на времето, персиските елементи во голема мера беа заменети со локални.
Подоцна, кога могулскиот стил на сликање почнал да навлегува на територијата на деканските султанати Ахмеднагар, Биџапур и Голконда со доаѓањето на власт на императорот Ауранџеб, деканската школа била трансформирана, инкорпорирајќи ги нејзините посебни карактеристики.
Најпознатиот пример за сликање Ахмеднагар(Ахмаднагар) е илустриран ракопис на поемата „Тариф-и-Хусаин Шахи“ на персиски јазик, која го хронизира владеењето на Хусаин Низам Шах 1565-1569 година.

Сликарство Биџапур(Биџапур) е позната по нејзините илустрации за книгата „Ѕвездите на науката“ (Нуџум-ал-улум) со бројни минијатури работени во карактеристичен персиски стил. Карактеристична карактеристика на овој стил е изобилството на златна боја и бројните цветни растенија, бидејќи персиските мајстори на сликарството работеле на дворот на Али Адил Шах, кој владеел од 1558 до 1580 година.

Голконда(Голконда) стилот е исто така сличен на персискиот.

Минијатура на Голконда

Миграцијата на уметниците од државата Могал придонесе за појава на нови центри за сликарство на платото Декан, како што е Хајдерабад. Хајдерабади(Хајдерабад) сликарската школа почнала да се развива по основањето на династијата Асаф Јахи во 1724 година. Главните карактеристики на стилот на сликање Хајдерабад се, како и во Деканскиот стил, богатите и експресивни бои.

Минијатура на Хајдерабад

Традициите на сликарската школа во Дека се покажаа толку силни што и покрај падот на деканските султанати, тие продолжуваат да живеат и да го воодушевуваат окото.

Јужноиндиско сликарство

Танјоре сликарство
Танџоре сликарството е една од најпопуларните форми на класично јужноиндиско сликарство. Густото полнење, изобилството на луксузни елементи, светли бои, како и употребата на инкрустијата со полускапоцени камења, бисери и повеќебојно стакло го разликуваат Танџоре стилот од другите видови сликарство. Ова релјефно дело им дава на сликите тродимензионален ефект.

Сликарството Танџоре потекнува од 11 век. за време на владеењето на династијата Тамил Чола. Оваа уметност ја покровител и принцовите од династијата Најак. Падот на империјата Виџајанагара доведе до масовна миграција на уметниците на Виџајанагара во Танџоре (Танјавур), што доведе до мешавина на уметнички стилови и ја донесе уникатната сликарска школа Танџор до нова фаза на развој. За време на владеењето на династијата Чола, раното сликарство Танџоре било пронајдено само во форма на фрески на ѕидовите на храмовите и палатите. Подоцна, со доминација на влијанието на династијата Најака, фреските почнаа да им отстапуваат место на сликите. Впечатлив пример за сликање Танџоре од времето на Чола и Најака се фреските на храмот Брихадишвара во Танјавур.

Сликите на училиштето Танјоре можат да бидат или прилично огромни или многу минијатурни. Главните теми на стилот Танџоре се слики на богови, божици, свети личности, сцени од палатата и јавниот живот. Централниот лик на сликите е секогаш детално нацртан. Фигурите во сликарството Тањоре имаат заоблени форми и се прилично масивни. Класичниот традиционален дизајн беше применет со употреба на природни бои на дрвени штици познати како Palagai Padam (Palagai значи дрвена штица, Padam значи дизајн) за кои се користеше дрво џекфрут(Artocarpus heterophyllus) или тиково(Tectona grandis). Современите уметници користат обични бои и иверица на кои се растегнува платното.

Мајсора сликарство
Стилот Мајсор, како и стилот Танџоре, се смета за класична форма на јужноиндиското сликарско училиште, кое е изданок на училиштето Виџајанагара. Се разви во кнежевството Мајсоре (Карнатака), подредено на империјата Виџајанагара. Од 1399 година, Мајсор беше управуван од династијата Вадијар, која го покровител развојот на уметноста, особено сликарството, кое го достигна својот највисок врв во овој период. Уметниците од Мајсор ги насликале ѕидовите и таваните на храмовите и палатите со своите слики. Забележителен пример за рано сликарство во Мајсор е сè уште функционалниот храм Вирупакша во Хампи, кој датира од 7 век. АД

Фрагменти од храмовите слики во Хампи

Слично на стилот Танџоре, стилот Мајсор фасцинира со својата убавина и сложеност на извршувањето. Пригушените тонови, софистицираноста и фините детали на предметите се главните карактеристики на сликарството во Мајсор. Главната тема на сликарството на Мајсор се слики на богови и божици, како и сцени од хинду и џаин епови. Сликањето на Мајсор е направено на дебела хартија залепена на дрвена табла. Претходно за создавање слики се користеа природни бои и златна фолија, но денес наместо природни бои, уметниците користат акварели.
Денес, сликите направени во стилот на Мајсор се претставени од жителите на јужна Индија како сувенир.

Други стилови на индиска ликовна уметност

Мадубани
Според легендата, сликата маџубани(мадхубани), или како што уште се нарекува Маитили/митила, настанала како уметност за време на владеењето на легендарниот владетел на земјата Видеха, кралот Јанака. Палатата на Јанака, таткото на принцезата Сита, се наоѓала во градот Митила. За свадбената церемонија на единствената, а со тоа и сакана, ќерка на Сита и принцот Рама, кралот нареди да ја украси неговата палата. Оттогаш, ниту една свадба не е завршена без украсување на внатрешните ѕидови на куќите со прекрасни слики.
Првично, сликите беа насликани на внатрешните ѕидови на куќите користејќи свеж малтер. Гипсниот малтер се подготвувал од почва измешана со кравји измет. Сликањето го правеле исклучиво жени и само по повод свадба. Значи ѕидното сликарство наречено од локалното население Бхита Читра(Бхита Читра), прерасна во културна традиција која се почитува со векови.
Темите на сликарството на Митила се вртат околу хинду божествата, небесните тела, Сонцето и Месечината, светите растенија, како и сцените од животот поврзани со сите видови прослави, главно свадби.

Ова традиционално сликарство има пет карактеристични стилови: Бхарни, Качни, Тантрик, Годна и Гобар. Првите три стила беа основани и практикувани од жени од високата класа (браманите). Главниот фокус на овие стилови се религиозните теми кои прикажуваат богови и божици. Другите два стила вклучуваат аспекти на секојдневниот живот, како и божествена симболика (без приказ на богови и божици) и ги изведуваат жени од пониска класа (шудра).
За да се создадат бои, се користат само природни бои добиени од растенија или други природни супстанции. За црно се користи јаглен или саѓи, за бело се користи оризово брашно. Жолтата боја се добива од коренот на куркумата, сината боја се добива од indigofera tinctifera. (Indigofera tinctoria) , црвено - од цвеќиња од хибискус (кусам / кусам) или црвено сандалово дрво, зелено - од лисја. Сликите се сликаат или со четка или со стапчиња, понекогаш само со прсти.

До 1934 година, сликата на Митила беше недостапна за надворешниот свет. Дури по силниот земјотрес во 1934 година, кој ја потресе државата Бихар, сликарството Мадхубани стана јавно познато.
Додека ги проверувал оштетувањата на куќите, британскиот офицер Вилијам Г. Арчер бил запрепастен и фасциниран од убавината и оригиналноста на сликите што ги нашол како ги украсуваат внатрешните ѕидови на зградите. Како резултат на ова откритие, ликовната уметност Митила се искачи на следната фаза од нејзиниот развој. За време на сушата од 1966-1968 година, која доведе до глад во регионот, со цел да се популаризира сликарството на Митила, како и да се обезбеди олеснување на потресеното население, г-ѓа Пупул Џајакар (подоцна шеф на Советот за занаетчиство во Индија), препорача ги субвенционира локалните занаетчии, повикувајќи ги да ги насликаат своите слики на хартија и платно. Денес, сликарството Мадхубани е нашироко познато низ Индија и во странство.

Патачитра
Патачитра е традиционално народно сликарство на луѓето од Ориса. Пата значи крпа, а читра значи слика. Сликањето се врши на свила или памук, кој е залепен на хартија. Главната тема на патачитра се сцени од култот Бхагавата Пурана и Гаудија Ваишнава. Локалните занаетчии познати како читракари(читракар), се придржуваат до класичните традиции, користејќи природни бои во нивната работа.
Исто така постои и разновидност на патахитра позната како тала патачитра(Тала Патачитра), т.е. сликање на лисја од палми.

Бенгалско сликарство со пата
Западен Бенгал има свој еквивалент на патачитра - ова е традиционално сликарство пата. Сликањето се врши на памук, свила или која било друга ткаенина. За бои, се користат само природни материјали. Предметите на сликите можат да бидат или хинду религиозни мотиви на убедувањето Ваишнава (Вајшнава), или приказни поврзани со будизмот. Природните теми (животни, морски свет и растенија) се исто така многу популарни.

Каламкари(каламкари) е посебна техника на боење или печат на памучна ткаенина или свила со употреба на органски бои. Овој вид уметност дојде во Индија од Персија во средниот век. Преведено од фарси калам- ова е „пенкало, стап за пишување“ и каризначи „вештина/уметност“. Каламкари е поделен на два стила: стил Срикалахасти и стил Мачилипатнам.
Во Шрикалахасти каламкари(shrikalahasti kalamkari) сликањето се врши рачно со помош на калам - стапче од бамбус или урма, кој е исполнет со органски бои. Прво, се црта контурата на традиционалните обрасци, а потоа се насликани со обоени бои. Главните теми на овој стил се приказни од Рамајана, Махабхарата и Пураните, како и животот на Буда. Во античко време, шарени панели со слики на богови во стилот Срикалахасти Каламкари ги украсувале ѕидовите на храмовите. Патувачките изведувачи поставуваа претстави користејќи огромни платна што прикажуваат приказни од Пураните (древните индиски списи) насликани во оваа техника.

Мачилипатнам каламкари(machilapatnam kalamkari) е сликање на ткаенина со помош на дрвени печати. Овој стил се развил за време на владеењето на Могал и добил посебно покровителство од султанатот Голконда. Карактеристична карактеристика на овој стил се персиските цветни мотиви.
Различни текстилни производи како ѕидни панели, завеси, прекривки, перници, чанти, како и сардери и наметки се изработуваат со техниката каламкари. Денес, како и пред многу векови, каламкари е главен извор на приход за многу семејства во Андра Прадеш.

Гонд сликарство(gond) е форма на индиска народна уметност практикувана од племето Гонд, некогаш најголемата племенска заедница во Централна Индија. Термин гонддоаѓа од Дравидијан конд, што значи „рид“. Иако сликарството Гонд е претежно племенска уметност во и околу Мадја Прадеш, оваа форма на ликовна уметност е доста распространета во Андра Прадеш, Махараштра, Чадисгар и Ориса.
Според древните верувања на племето Гонд, убавите слики сигурно носат среќа и ги штитат злите духови. Затоа, традицијата на украсување на ѕидовите и подот на домовите со стилизирани цртежи преживеа до ден-денес. Гондовите, иако исповедаат хиндуизам, остануваат приврзаници на анимизмот, така што нивните слики се обдарени со почит кон целиот свет околу нив, без разлика дали се планини, шуми или реки. Некои од сликите ја раскажуваат историјата на луѓето, како и индиските легенди и митови. Уметниците ги сликаат своите слики со кратки потези и точки. Боите што се користат во сликарството на Гонд се светли и полни со живост. За бои, традиционално се користат само природни бои, како што се јаглен, земја, кравји измет, сок од мелени лисја и цветови. Меѓутоа, неодамна активно се користат хартија, мастило и акрилни бои, што им дава издржливост на сликите. Поради својата уникатност, сликарството Гонд зазеде силно место на светскиот пазар. Денес, не се бараат само ѕидни панели, туку и сувенири (пенкала, чаши и секакви ситници) насликани со оваа техника.

Сликата Мадубани (што значи медена шума) потекнува од мало село во државата Маитили во Индија.
Сликите на Мадхубани обично се карактеризираат со смели бои, традиционални геометриски дизајни, фантастични фигури со големи експресивни очи, шарена природа. Овие слики прикажуваат приказни од митологијата, а омилен лик е Господ.
Не може да се следи потеклото на сликарството Мадхубани или Маитили. Митила се смета за кралство на кралот Јанака, таткото на Сита. Уметноста што била распространета во времето на Рамајана во Митила можеби се трансформирала низ вековите во уметност на Маитили. Вековните ѕидни слики на Бихар одиграа значајна улога во развојот на оваа уметничка форма.

Минијатурно сликарство

Како што сугерира името, минијатурното сликарство се однесува на дела кои се мали по големина, но богати со детали и израз. Минијатурното сликарство на Индија претставува широк спектар на категории, вклучувајќи изобилство на минијатурни слики на Могал кои прикажуваат сцени од дворски живот и современи личности, настани и дејства од времето на Могал.
Главната карактеристика на минијатурното сликарство се сложените цртежи со тенка четка и светли бои направени од полускапоцени камења, морски школки, злато и сребро.
Индиските минијатури развиени во периодот на Могалската империја (XVI-XIX век) ги следеа најдобрите традиции на персиските минијатури. Иако минијатурното сликарство се развило во дворовите на Могал, стилот бил прифатен од Хиндусите (Рајпутите), а подоцна и од Сиките. Могалското минијатурно сликарство процвета за време на владеењето на Акбар, Јахангир и Шах Јахан. Има доста слики што преживеале до денес.

Сликањето Гонд е една од племенските уметнички форми што потекнува од централна Индија. Оваа уметност била инспирирана од ридовите, потоците и шумите во кои живееле Гондовите.
а општествените обичаи уметниците Гонд ги прикажуваат како низа точки и цртички кои се сложено конструирани во форми.
Гонд сликарството беше направено на ѕидовите, таваните и подот на селските куќи за да се прослават обичаите и празниците. Гондовите исто така веруваат дека нивните слики носат среќа.
Сликите се комбинација од земјени тонови и живописни нијанси кои го рефлектираат животот во платното.
Начинот на сликање Гонд може да се проследи наназад до античката уметност на тетовирање, која е вообичаена меѓу Гондовите.
Сликите ги рефлектираа фолклорните и племенските приказни што ги пееја скитници поети и пејачи. Одразот на историјата во уметноста е вообичаена практика во Индија.

Јужната држава е позната по нејзиното сликарство Танџоре. Како уметничка форма која процвета во Танџоре од минатото, овој стил на сликање е сè уште популарен и широко признат. Сликите се направени со влошки од полускапоцени камења, стакло и злато. Изгледаат многу убаво и додаваат грандиозност на местото што го украсуваат.
Хероите на овие слики се главно богови со големи тркалезни лица и украсени со шари. Оваа форма на уметност процвета од 16 до 18 век во Танџоре за време на династијата, беше под покровителство на принцовите, Најак, Наиду и се сметаше за свето.
Популарноста на оваа уметност се совпадна со времето кога големите храмови биле изградени од различни владетели и оттука темата се вртела околу темата на божеството.
Овој стил на сликање го добил името по начинот на изработка: „калам“ значи „рачка“, а „кари“ значи „работа“. Уметниците користеле извонредни рачки од бамбус натопени во растителни бои.
Дизајните се составени од фини линии и сложени дезени.
Овој стил на сликање е развиен во Калахасти во близина и Масулипатнам во близина на Хајдерабад.

Каламкари уметност

Каламкари потекнува во близина на храмовите и затоа има митолошка тема. Некои слики од Каламкари покажуваат траги од персиско влијание во мотивите и обрасците. Сликарството Каламкари процвета за време на владеењето на Марата и се разви како стил наречен Каруппур. Се применуваше на златни брокатни ткаенини за кралските семејства.

Anjali Nayyar, списание Indian Herald