Arno(Arnault) Antoine Vincent (22 ianuarie 1766, Paris - 16 septembrie 1834, Goderville, departamentul Lower Seine), dramaturg și poet francez, membru al Academiei Franceze. Autor de tragedii în spiritul clasicismului, cuprinzând aluzii de actualitate la modernitate: „Lucreția” (post. 1792), unde se pun tirade republicane în gura lui Brutus etc. Fabulele spirituale, uneori tăios satirice (publicate în 1814 și 1819). ) și poeziile lirice au fost celebre, dintre care una, „Frunza” (1815), a câștigat o popularitate excepțională și a fost tradusă în aproape toate limbile europene; există cel puțin opt traduceri rusești (de V. A. Jukovski, V. L. Pușkin, D. V. Davydov etc.). Autor de memorii semnificative.
Lucrări: CEuvres, v. 1-8, p., 1824-27; Souvenirs d'un sexag©naire, v. 1-4, P., 1833, 2 G©d., 1910; [poem. „La feuille” - „Frunza”], în cartea: poezii franceze traduse de poeții ruși din secolele XIX-XX. În franceză și rusă, M., 1969.
Lit.: Pușkin A.S., Academia Franceză, în cartea: Complete. Colectie op., ed. a II-a. Academia de Științe a URSS, vol. 7, M., 1958; Oksman Yu., Comploturile lui Pușkin, în cartea: Pușkin și contemporanii săi, v. 28, p., 1917, p. 76-87; Oblomievsky D., Literatura Revoluției Franceze (1789-1794), M., 1964; Biographical universelle ancienne et moderne, nouv. G©d., publ. sous la dir. de M. Michaud, or. 2, p., 1843, p. 255-65.
Biografie și creativitate
Excomunicat dintr-o ramură prietenoasă,
Spune-mi, frunză solitară,
Unde zbori?... „Nu mă cunosc;
Furtuna a spart stejarul drag;
De atunci, peste văi, peste munți
Purtat întâmplător,
Mă străduiesc acolo unde soarta îmi spune,
Încotro în lume se îndreaptă totul?
Unde se repezi frunza de dafin,
Și o frunză roz deschis.”
Prima piesă a lui Arnauld, Marius la Minturn (1791), i-a adus un mare succes și a fost unul dintre cei mai populari dramaturgi ai Revoluției Franceze și ai Primului Imperiu. În tragedia „Lucreția” (1792), autorul a pus în gură tirade republicane. În 1798, Arno a scris cea mai populară tragedie a sa, Bianca și Moncassino, sau venețienii. Rolurile principale din piesele sale au fost de obicei jucate de cel mai mare tragedian al epocii napoleoniene. Dramaturgia lui Arno nu depășește.
O frunză uscată, singuratică,
Un oaspete trecător al stepei largi,
Unde te duci, draga mea?
"De unde sa stiu! S-au rostogolit norii
Și stejar drag, stejar puternic
Spărțit de un vârtej și o furtună.
De atunci, locul de joaca al lui Boreas,
Fără plângere sau timiditate,
Alerg, un rătăcitor nomad,
De la capăt la capăt al unui pământ străin;
Mă grăbesc acolo unde mă duce cel sever,
Soarta inevitabila a tuturor,
Unde zboară frunza de dafin?
Și o frunză roz deschis!”
Ca mulți scriitori din acea vreme, a fost implicat și în activități politice; în 1797 i s-a încredinţat conducerea. Ulterior, Arno a rămas loial lui Napoleon de-a lungul carierei sale. În 1809 a fost ridicat la nobilimea Imperiului, iar în timpul (1815) a fost ministrul Educației Publice al Franței. După căderea împăratului, a fost forțat să părăsească Franța (1816) când tragedia sa, Germanicus, a provocat tulburări politice în rândul publicului. În 1819 a putut să se întoarcă în patria sa.
Pe lângă dramă, Arno era celebru (două colecții - 1814, 1819). Deosebit de popular a fost poemul său „Frunza” (1815, adesea clasificat și ca fabulă), înfățișând soarta unui emigrant; a fost tradus de mai multe ori în diferite limbi, inclusiv rusă.
În 1803, Arnault a fost ales pe tron, dar după ce a fost expulzat în 1816, a fost expulzat, iar locul său a fost luat de prim-ministrul lui Ludovic al XVIII-lea. În 1829, Arnault s-a întors în Franța și a fost reales în Academie și a ocupat o funcție acolo până la sfârșitul vieții. Cu un an înainte de moartea sa, a devenit secretarul permanent al Academiei, iar în același an au fost publicate memoriile sale, „Memoriile unui bătrân de șaizeci de ani”. Succesorul său în catedra academică a fost și dramaturgul popular -.
Arno a compus mai multe tragedii, care la un moment dat au avut un mare succes, dar acum sunt complet uitate. Așa este soarta poeților care scriu pentru public, găzduindu-și părerile, aplicându-se după gustul lor, și nu pentru ei înșiși, nu ca urmare a unei inspirații independente, nu din dragoste dezinteresată pentru arta lor! Două sau trei fabule, spirituale sau grațioase, dau defunctului Arno mai mult drept la titlul de poet decât toate creațiile sale dramatice. Toată lumea îi cunoaște „Frunza”... Soarta acestui mic poem este remarcabilă. înainte de moarte a repetat-o pe malul lacului Geneva; a tradus-o în greacă; l-am tradus și,
Luptătorul nostru este cu părul negru
Cu o buclă albă pe frunte.Poate că Davydov însuși nu cunoaște poeziile pe care i le-a scris Arno după ce a auzit despre traducerea lui. Le-a plasat în notele la scrierile sale:
A vous, poète, a vous, guerrier,
Qui sablant le champagne au bord de l’Hippocrène,
Avez d'une feuille de chêne
Fait une feuille de laurier.
Pe lângă versiunile lui Jukovski și Davydov enumerate de Pușkin, mai sunt cunoscute cel puțin șase traduceri ruse ale „Frunza”, inclusiv a unchiului său. Influența acestei poezii s-a reflectat mai târziu și în poezia „Frunză” („O frunză de stejar smulsă dintr-o creangă dragă...”, 1841). Imaginea unei frunze conduse de o furtună se găsește și în lucrările anterioare ale lui Lermontov („Portrete”, 1; „To ***” („Dă-mi mâna”); „Aul Bastundzhi”; „Demon” (ed. 1833). -34); „Mtsyri”).
Pușkin a folosit primul vers din catrenul lui Arno pe care l-a citat în propriul său mesaj către Denis Davydov („Ție, cântărețul, ție, erou!...”).
eseuri
- Oeuvres, v. 1‒8, p., 1824‒27
- Souvenirs d'un sexagénaire, v. 1‒4, p., 1833, 2 ed., 1910
Literatură
- Oksman Yu., Comploturile lui Pușkin, în cartea: Pușkin și contemporanii săi, v. 28, p., 1917, p. 76‒87;
- Oblomievsky D., Literatura Revoluției Franceze (1789‒1794), M., 1964;
- Biographie universelle ancienne et moderne, nouv. ed., publ. sous la dir. de M. Michaud, or. 2, p., 1843, p. 255‒65.
Note
- // - 11 - : 1911. - Vol. 2. - P. 627. -
- ID BNF: Platformă de date deschise - 2011.
- Arno // — M.:
Goderville, Lower Seine) - dramaturg, poet-fabulist și om de stat francez, autor al celebrului poem „Frunza”.
Biografie și creativitate
Excomunicat dintr-o ramură prietenoasă,
Spune-mi, frunză solitară,
Unde zbori?... „Nu mă cunosc;
Furtuna a spart stejarul drag;
De atunci, peste văi, peste munți
Purtat întâmplător,
Mă străduiesc acolo unde soarta îmi spune,
Încotro în lume se îndreaptă totul?
Unde se repezi frunza de dafin,
Și o frunză roz deschis.”
Prima piesă a lui Arnauld, Marius la Minturn (1791), i-a adus un mare succes și a fost unul dintre cei mai populari dramaturgi ai Revoluției Franceze și ai Primului Imperiu. În tragedia „Lucreția” (1792), autorul a pus tirade republicane în gura lui Brutus cel Bătrân. În 1798, Arno a scris cea mai populară tragedie a sa, Bianca și Moncassino, sau venețienii. Rolurile principale din piesele sale au fost de obicei jucate de cel mai mare tragedian al epocii napoleoniene, Talma. Dramaturgia lui Arno nu depășește canoanele de gen ale clasicismului.
O frunză uscată, singuratică,
Un oaspete trecător al stepei largi,
Unde te duci, draga mea?
"De unde sa stiu! S-au rostogolit norii
Și stejar drag, stejar puternic
Spărțit de un vârtej și o furtună.
De atunci, locul de joaca al lui Boreas,
Fără plângere sau timiditate,
Alerg, un rătăcitor nomad,
De la capăt la capăt al unui pământ străin;
Mă grăbesc acolo unde mă duce cel sever,
Soarta inevitabila a tuturor,
Unde zboară frunza de dafin?
Și o frunză roz deschis!”
Ca mulți scriitori din acea vreme, a fost implicat și în activități politice; în 1797, generalul Bonaparte i-a încredinţat administrarea Insulelor Ionice. Ulterior, Arno a rămas loial lui Napoleon de-a lungul carierei sale. În 1809 a fost ridicat la nobilimea Imperiului, în timpul celor O sută de zile (1815) a fost ministrul învățământului public al Franței. După căderea împăratului, a fost forțat să părăsească Franța (1816) când tragedia sa, Germanicus, a provocat tulburări politice în rândul publicului. În 1819 a putut să se întoarcă în patria sa.
Pe lângă dramă, fabulele lui Arno erau celebre (două colecții - 1814, 1819). Deosebit de popular a fost poemul său „Frunza” (1815, adesea clasificat și ca fabulă), înfățișând soarta unui emigrant; a fost tradus de mai multe ori în diferite limbi, inclusiv rusă.
În 1803, Arnauld a fost ales în Academia Franceză, dar după ce a fost expulzat în 1816, a fost expulzat și locul său a fost luat de ducele de Richelieu, prim-ministrul lui Ludovic al XVIII-lea. În 1829, Arnault s-a întors în Franța și a fost reales în Academie și a ocupat o funcție acolo până la sfârșitul vieții. Cu un an înainte de moartea sa, a devenit secretarul permanent al Academiei, iar în același an au fost publicate memoriile sale, „Memoriile unui bătrân de șaizeci de ani”. Succesorul său în catedra academică a fost și popularul dramaturg Eugene Scribe.
Cu ocazia morții lui Arno și a alegerii lui Scribe, A. S. Pușkin a publicat o notă „Academia Franceză”, unde a tradus elogiul lui Scribe în onoarea predecesorului său și, de asemenea, a oferit propria sa caracterizare a lui Arno:
Arno a compus mai multe tragedii, care la un moment dat au avut un mare succes, dar acum sunt complet uitate. Așa este soarta poeților care scriu pentru public, găzduindu-și părerile, aplicându-se după gustul lor, și nu pentru ei înșiși, nu ca urmare a unei inspirații independente, nu din dragoste dezinteresată pentru arta lor! Două sau trei fabule, spirituale sau grațioase, dau defunctului Arno mai mult drept la titlul de poet decât toate creațiile sale dramatice. Toată lumea îi cunoaște „Frunza”... Soarta acestui mic poem este remarcabilă. Înainte de moartea sa, Kosciuszko a repetat-o pe malul lacului Geneva; Alexandru Ypsilanti a tradus-o în greacă; Jukovski și Davydov ne-au tradus-o,
Luptătorul nostru este cu părul negru
Cu o buclă albă pe frunte.Poate că Davydov însuși nu cunoaște poeziile pe care i le-a scris Arno după ce a auzit despre traducerea lui. Le-a plasat în notele la scrierile sale:
A vous, poète, a vous, guerrier,
Qui sablant le champagne au bord de l’Hippocrène,
Avez d'une feuille de chêne
Fait une feuille de laurier.
Pe lângă versiunile lui Jukovski și Davydov enumerate de Pușkin, sunt cunoscute încă cel puțin șase traduceri ruse ale „Frunza”, inclusiv unchiul său - V. L. Pușkin. Influența acestei poezii a fost reflectată mai târziu și în poemul lui Lermontov „Frunza” („O frunză de stejar s-a desprins dintr-o ramură nativă...”, 1841). Imaginea unei frunze conduse de o furtună se găsește și în lucrările anterioare ale lui Lermontov („Portrete”, 1; „To ***” („Dă-mi mâna”); „Aul Bastundzhi”; „Demon” (ed. 1833). -34); „Mtsyri”).
Pușkin a folosit primul vers din catrenul lui Arno pe care l-a citat în propriul său mesaj către Denis Davydov („Ție, cântărețul, ție, erou!...”).
Napoleon Bonaparte a determinat în testament „Arnaud, autorul lui Marius” o sută de mii de franci.
eseuri
- Oeuvres, v. 1‒8, p., 1824‒27
- Souvenirs d'un sexagénaire, v. 1‒4, p., 1833, 2 ed., 1910
Literatură
- Oksman Yu., Comploturile lui Pușkin, în cartea: Pușkin și contemporanii săi, v. 28, p., 1917, p. 76‒87;
- Oblomievsky D., Literatura Revoluției Franceze (1789‒1794), M., 1964;
- Biographie universelle ancienne et moderne, nouv. ed., publ. sous la dir. de M. Michaud, or. 2, p., 1843, p. 255‒65.
Note
- Arnault, Antoine Vincent // 1911 Encyclopædia Britannica- 11 - New York City: 1911. - Vol. 2. - P. 627.
- data.bnf.fr: platformă de date deschise - 2011.
Original preluat din katani08 în Arta Franței însorite în timpul Regelui Soare (partea 2)
Costumele lui Apollo, cântător de lăută și războinic, create special pentru Ludovic al XIV-lea (circa 1660)
Se știe cu siguranță că costumul lui Apollo aparține mâinii unui desenator și designer francez
Henri de Gissey (1621-1673)
Desenele altor costume de dans, bazate pe stil, probabil aparțin și mâinii lui Henri de Guissey
Ludovic al XIII-lea cel Drept (Louis XIII le Juste), născut în 1601 la Fontainebleau - murit în 1643 la Saint-Germain-en-Laye - rege al Franței și Navarei din dinastia Bourbon.
Tatăl Regelui Soarelui Ludovic al XIV-lea.
Datorită multor romane istorice, în primul rând ale lui Alexandre Dumas Tatăl, s-a dezvoltat un stereotip despre ministrul principal puternic al regelui, Richelieu, și despre regele cu voință slabă, dar numeroase surse istorice indică contrariul. Nu a fost nici un dictat de la cardinal. Iar relația dintre rege și primul său ministru, deși nu netedă, a fost, așa cum s-ar spune astăzi, constructivă.
Ludovic al XIII-lea a fost un pasionat iubitor de muzică. A cântat la clavecin, a mânuit cu măiestrie un corn de vânătoare, a cântat prima parte de bas din ansamblu, interpretând cântece polifonice de curte (airs de cour) și psalmi.
Regele a studiat dansul încă din copilărie și în 1610 a debutat oficial la curtea „Baletul Delfinului”. Ludovic a interpretat roluri nobile și grotești în baletele de curte, iar în 1615 a jucat rolul Soarelui în Baletul Madame.
Philippe de Champagne (1602-1674)
Portretul lui Ludovic al XIII-lea (1665)
Ludovic al XIII-lea este autorul cântecelor de curte și al psalmilor polifonici. Muzica sa a fost auzită în celebrul balet Merlezon (1635), pentru care a compus dansuri (Simfonii), a conceput costume și în care el însuși a interpretat două mici roluri: rolul unui negustor de momeală în actul al III-lea și rolul unui ţăran în actul al 13-lea .
Baletul Merleson (Le ballet de la Merlaison) – tradus literal ca „Baletul Mierlelor”, adică „Baletul vânătorii de mierle” – un balet în șaisprezece acte, compus și pus în scenă de regele Ludovic al XIII-lea al Franței. Tradiția de a organiza astfel de balete de curte a apărut în Franța în timpul domniei lui Henric al III-lea și a înflorit în epoca lui Ludovic al XIII-lea. Aceste balete au fost interpretate de regalități, curteni și dansatori profesioniști și erau spectacole colorate care combinau adesea coregrafie, muzică vocală și instrumentală, poezie și teatru.
Adevărat, suntem mai familiarizați cu pronunția „Baletul Marlezonsky”, pe care am auzit-o în filmul „D’Artagnan și cei trei mușchetari” Datorită unui episod amuzant al filmului, expresia „A doua parte a baletului Marlezonsky” a devenit. sinonim cu necazul brusc.
Iar muzica reală a acestor părți ale baletului, ca și toată muzică din film, aparține compozitorului Maxim Dunaevsky, și nu lui Ludovic al XIII-lea.
Prima și a doua parte a baletului Malaison din filmul „D’Artagnan și cei trei mușchetari” (1979)
Regizor - Georgy Yungvald-Khilkevich
Compozitor - Maxim Dunaevsky
Ludovic al XIV-lea, ca și tatăl său, Ludovic al XIII-lea, îi plăcea să danseze în spectacole de balet. Regele dansa regulat și, începând cu vârsta de treisprezece ani, juca în piese de teatru.
Ludovic al XIV-lea a dansat în Baletul Nopții (Le Ballet de La Nuit), care a fost pus în scenă în 1653 pe muzica mai multor compozitori, printre care Jean Baptiste Lully.
Acest balet de curte a durat douăsprezece ore, de la apus până dimineața.
Henri de Guissey (1621-1673)
Ludovic al XIV-lea ca Apollo
Regele Soare
Figurină, Anglia (anii 1950)
Baletul a inclus patruzeci și cinci de dansuri, în care episoade alegorice, scene mitologice, exotice și cavalerești alternau cu scene de gen urban și rural colorate și comice. Ludovic al XIV-lea a apărut în cinci dansuri. Cel mai faimos dans al „Baletului Nopții” este dansul în care Ludovic al XIV-lea interpretează rolul lui Apollo - Regele Soare.
În acele vremuri, în balete nu doar dansau, ci și cântau. Așa că în partea finală a „Baletul nopții”, Aurora, zeița zorilor, a apărut pe scenă în carul ei și a proclamat: „Soarele răsare mă urmărește. Acesta este tânărul Louis!”. Și apoi Ludovic al XIV-lea a dansat faimosul său dans al Regelui Soare.
Într-un fel, baletele din Franța la acea vreme, avându-l ca protagonist pe însuși regele, nu erau doar un fenomen cultural, ci și un instrument politic.
Pentru a dezvolta arta baletului în 1661, Ludovic al XIV-lea a înființat Academia Regală de Dans
The King Dances (2000) - lungmetraj produs în Franța, Belgia și Germania
Regizor - Gerard Corbier
Filmul are muzică de Jean Baptiste Lully
Ca Ludovic al XIV-lea - Benoit Magimel
În rolul lui Lully - Boris Terral
Jean-Baptiste Lully, născut în 1632 la Florența, este un compozitor, violonist, dirijor și fondator al operei franceze. Cercetătorii numesc muzica lui „Versailles, surprins în sunete, regatul armoniei și al proporțiilor”.
Pentru a se regăsi la curtea lui Ludovic al XIV-lea, Lully a muncit din greu, stăpânind nu numai arta muzicii, ci și arta intrigii și lingușirii. Abia știa să cânte și să cânte la chitară când a ajuns în Franța la vârsta de treisprezece ani. Singurul profesor al lui Lully a fost un călugăr florentin necunoscut. Cariera pariziană a viitorului „Rege al Operei” a început să lucreze în bucătărie ca bucătar pentru sora Regelui. Acolo Lully a descoperit un nou talent: a stăpânit treptat să cânte la vioară și a devenit curând unul dintre primii violoniști ai timpului său.
Jean-Baptiste a studiat cu succes compoziția și cântatul la clavecin. Și în sfârșit, Lully este superintendentul Operei. Avea la dispoziție trei ansambluri de curte: Capella, care era compusă din cântăreți, Camera, care includea faimoasele „viori ale regelui”, care însoțeau mesele și recepțiile cu cântatul lor și Big Stable, un ansamblu special de instrumente de suflat. care a plecat la vânătoare cu regele. Lully a stabilit rapid ordinea de fier în rândul muzicienilor.
Nicolas Mignard (1606-1695)
Portretul lui Lully
Acum Lully putea spune cu siguranță despre sine: „Opera sunt eu”. Potrivit unui decret regal special, scris sub dictarea lui Lully, alți compozitori nu puteau compune mai mult de două arii și cel mult două viori pentru orice producție. Așa că Lully a suprimat fără milă toate încercările de a concura cu el.
Operele sale au apărut una după alta: „Cadmus și Hermione”, „Alceste”, „Theseus”, „Amadis”, „Armida” și multe altele. Dar contemporanii îl cunoșteau pe Lully în primul rând ca autorul unei frumoase muzici de balet. Cercetătorii spun că a reînviat dansul. Regele însuși a dansat în baletele sale.
Daring Lully (Lully l"Incommode), (2009) - film documentar produs în Franța
Jean Baptiste Lully - opera „Armide”
Producția Teatrului parizian de pe Champs-Elysees (2008), Franța
Compania de balet a Centrului Național de Balet, Grenoble
Dirijor - William Christie
În rolul Armida - Stephanie d'Ostrak
Jean Baptiste Lully - opera „Perseus”
Opera a avut premiera în 1682 la Versailles.
Înregistrat live la un spectacol la Teatrul Historic Elgin din Toronto, Canada
Din păcate, numele interpreților vocali și al dirijorului nu sunt indicate.
În Franța, secolul al XVII-lea a fost aproape în întregime dedicat glorificării monarhiei absolute și, mai ales, domniei lui Ludovic al XIV-lea, care s-a reflectat în dramă. Datorită marilor opere ale dramaturgilor Pierre Corneille și Jean Racine, tragedia a devenit genul teatral predominant al acelei vremuri.
Dar și comedia a fost populară. Ea, spre deosebire de tragedie, nu era atât de pretențioasă și pompoasă. Comedia franceză a atins problemele cotidiene și a fost cât mai aproape de viața reală. Principalul comedian al acelei vremuri a fost Jean-Baptiste Moliere.
Pierre Corneille (pronunțat Cornay), născut în 1606 la Rouen, este un poet și dramaturg francez, părintele tragediei franceze.
În 1622, Corneille a absolvit colegiul iezuit, care acum îi poartă numele.
Din 1624 - licențiat în jurisprudență (în universitățile medievale - o diplomă intermediară între licență și doctor).
Timp de patru ani s-a format ca avocat la Parlamentul de la Rouen.
În 1628 a primit funcția de procuror, dar a avut puțin interes pentru cariera sa.
Până în 1635 a ocupat diverse funcții oficiale.
În 1647 a devenit membru al Academiei Franceze.
În 1662 s-a mutat la Paris.
Artist necunoscut al secolului al XVII-lea
Portretul lui Corneille
Palatul Versailles
Deoarece oficialii nu erau aleși în academie, Corneille, la fel ca alți academicieni, trebuia să se distingă în litere frumoase. În momentul alegerii sale, el era cunoscut drept scriitorul de poezii și comedii galante „Melița sau Scrisori ale subiecților”, „Clitander sau Inocența eliberată”, tragedia „Medea”, tragicomedia „Sid”, în care autorul a reflectat relația dintre individ și statul absolutist, care a marcat începutul teatrului clasicismului francez, unde simpatiile autorului erau de partea autorităților.
Aceste simpatii au devenit și mai evidente în tragediile „Horace”, „Cinna sau Mila lui Augustus”.
La începutul anului 1644, Corneille, începând cu tragediile lui „Rodogun”, „Theodore” și „Moartea lui Pompei”, a experimentat dezamăgire în absolutism, iar aceste tragedii ale sale au primit numele de „a doua manieră” în critica literară, deoarece conținutul lor nu este națiunea destinului, ci imaginea unui monarh tiran și pasiunile intrigătorilor de la curte și ale ticăloșilor care fierb în jurul lui.
Corneille și-a petrecut ultimii ani ai vieții foarte retras și a fost într-o circumstanțe extrem de îngrădite. Numai datorită eforturilor prietenului său Boileau, lui Corneille i s-a acordat o pensie mică.
Corneille a murit în 1684 la Paris în sărăcie deplină și doar Revoluția Franceză din 1789 i-a adus faimă postumă.
Piesele lui Corneille nu au fost, practic, niciodată montate pe scena sovietică. De asemenea, nu există producții notabile pe scena rusă, așa că nu a fost posibil să găsim un videoclip cu vreo tragedie a marelui dramaturg. Chiar și o intriga atât de cunoscută precum intriga tragediei „Medea”, preluată de Corneille de la dramaturgul grec antic Euripide, apare pe scena rusă fie sub forma unei versiuni originale din însuși Euripide, fie într-o versiune isteric excentrică. de Jean Anouilh.
Imaginea lui Pierre Corneille pe franci francezi din 1962
Jean-Baptiste Poquelin, numele de scenă Molière, născut în 1622 la Paris, este un comedian francez din secolul al XVII-lea, creator de comedie clasică, actor de profesie și director de teatru, mai cunoscut sub numele de trupa Molière (Troupe de Molière, 1643 -1680).
Jean-Baptiste Poquelin provenea dintr-o veche familie burgheză, care timp de câteva secole s-a angajat în meșteșugul tapițerilor și draperiilor. Tatăl lui Jean-Baptiste, Jean Poquelin (1595-1669), a fost tapițerul curții și valetul lui Ludovic al XIII-lea și și-a trimis fiul la o prestigioasă școală iezuită - Colegiul Clermont (acum Liceul lui Ludovic cel Mare din Paris), unde Jean- Baptiste a studiat temeinic latină, așa că a citit fluent în originalul autorilor romani și chiar, potrivit legendei, a tradus în franceză poemul filosofic al lui Lucretius „Despre natura lucrurilor”. Din păcate, această traducere a fost pierdută. După ce a absolvit facultatea în 1639, Jean-Baptiste a promovat examenul de la Orleans pentru titlul de licențiat de drepturi.
Cariera juridică nu l-a atras mai mult decât meșteșugul tatălui său, iar Jean-Baptiste a ales profesia de actor, luând numele de scenă Moliere. După ce i-au cunoscut pe comedianții Joseph și Madeleine Béjart, la vârsta de douăzeci și unu de ani, Moliere a devenit șeful Illustre Théâtre, o nouă trupă pariziană de zece actori. Dar Teatrul Brilliant pierde în competiție acerbă cu alte trupe pariziene - trupa Marais și trupa Hotel Burgundy.
Nicolas Mignard (1606-1695)
Portretul lui Moliere ca Cezar (1658)
În 1645, Moliere și prietenii săi actori au decis să-și caute averea în provincii, alăturându-se unei trupe de comedianți ambulanți condusă de Dufresne.
În 1650, însuși Moliere a condus trupa.
Repertoriul farsic interpretat de trupa lui Molière sub conducerea sa și cu participarea sa ca actor a contribuit la întărirea reputației acesteia. A crescut și mai mult după ce Moliere a compus două mari comedii în versuri - „Naughty, or Everything Is Out of Place” (L'Étourdi ou les Contretemps, 1655) și „Love's Annoyance” (Le dépit amoureux, 1656), scrise în felul a comediei literare italiene.
La Paris, trupa lui Molière și-a făcut debutul la 24 octombrie 1658 la Palatul Luvru în prezența lui Ludovic al XIV-lea. Farsa pierdută „Doctorul îndrăgostit” a avut un succes uriaș și a decis soarta trupei: regele i-a pus la dispoziție teatrul de curte Petit-Bourbon, unde a jucat până în 1661, până când s-a mutat la teatrul Palais Royal, unde a a rămas până la moartea lui Moliere. Din momentul în care Moliere a fost instalat la Paris, a început o perioadă de intensă muncă dramatică, care nu a slăbit până la moartea sa. În 15 ani (1658-1673) Moliere a creat toate cele mai bune piese ale sale.
Scrisă de bolnavul terminal Moliere, comedia „Invalidul imaginar” este una dintre cele mai distractive și vesele comedii ale sale. La a patra reprezentație, pe 17 februarie 1673, Moliere, care a jucat rolul lui Argan, s-a simțit rău și nu a terminat spectacolul. A fost dus acasă și a murit câteva ore mai târziu. Arhiepiscopul Parisului interzisese înmormântarea unui păcătos nepocăit (actorii trebuiau să se pocăiască pe patul de moarte), dar totuși a ridicat interdicția de la instrucțiunile regelui. Cel mai mare dramaturg al Franței a fost înmormântat noaptea, fără rituri, în spatele gardului cimitirului, unde se îngropau de obicei sinuciderile.
Imagine a lui Jean Baptiste Molière pe un franc francez din 1963
Popularitatea pieselor lui Moliere este evidențiată de desenele, din păcate, ale unor autori necunoscuți din secolele XVII-XVIII, prezentate mai jos.
Personaje de benzi desenate franceze și italiene, inclusiv, în extrema stângă, însuși Moliere în rolul lui Sganarelle
Sganarelle este un personaj în rolul unui nebun într-o serie de piese de teatru de Jean-Baptiste Moliere:
„Sganarelle, or the Imaginary Cuckold” (1660) este cea mai de succes piesă din timpul vieții lui Moliere;
„Don Juan, sau sărbătoarea de piatră” (1665) - Sganarelle - servitorul lui Don Juan;
„Școala soților” (1661);
„Căsătoria reticente” (1664);
„Iubește vindecătorul” (1665);
„Doctorul reticent” (1666).
Spectacolul invalidului imaginar la Versailles în 1673
Din 1664, Moliere și Lully au lucrat împreună la următoarele comedii-balete ale lui Moliere: „Căsătoria reticente”, „Iubește vindecătorul”, „Burghezii în nobilime”. Dar în 1672, între ei a început discordia. Lully îl convinge pe rege să interzică muzica în piese de teatru.
Împotriva dorințelor lui Lully și fără permisiunea regelui, Moliere scrie baletul de comedie „Invalidul imaginar”. Moliere i-a cerut principalului rival al lui Lully, compozitorul Marc-Antoine Charpentier, să scrie muzică pentru acest spectacol.
Acest spectacol va fi pus în scenă la Versailles cu puțin timp înainte de moartea marelui comediant.
Scenă din baletul-comedie al lui Moliere „Love the Healer”
Piesa „Cabala Sfântului” pusă în scenă de Teatrul de Artă Cehov din Moscova (1988)
Bazat pe piesa lui Mihail Afanasievici Bulgakov
Regizor - Adolph Shapiro
Compozitor - Vladimir Dashkevich
Distribuție:
Jean Baptiste Poquelin de Molière - Oleg Efremov
Madeleine Bejart - Natalia Tenyakova
Ludovic cel Mare - Inocent Smoktunovsky
Mihail Afanasyevich Bulgakov a scris piesa „Cabala Sfântului” despre Molière special pentru Teatrul de Artă în octombrie - decembrie 1929.
Piesa a avut o soartă scenica dificilă: a fost lăsată să fie montată de mai multe ori și interzisă de mai multe ori.
În 1981, a fost pusă în scenă de Teatrul Sovremennik din Moscova. Am avut norocul să văd acest spectacol la Moscova în 1983. Rolul lui Moliere a fost interpretat de Igor Vladimirovici Kvasha.
În iulie 1932, Bulgakov a semnat un acord pentru a scrie o carte despre Moliere pentru seria „Viața oamenilor remarcabili” (ZhZL) cu Editura Reviste și Ziare. Primul titlu al biografiei scrise a fost „Călărețul de Molière O descriere completă a vieții lui Jean Baptiste Poclain de Molière, cu adăugarea unor reflecții despre dramaturgie”.
Cu toate acestea, în timpul vieții lui Mihail Afanasyevich, romanul nu a fost publicat. Această carte a fost publicată pentru prima dată de editura Molodaya Gvardiya în 1962 în seria ZhZL.
Doar câteva cuvinte în onoarea lui Monsieur de Molière (1973)
Produs de Televiziunea Centrală a URSS
Regizor - Anatoly Efros
În rolul lui Moliere - Yuri Lyubimov
Pe lângă Lyubimov, spectacolul are astfel de artiști minunați: Alexander Shirvindt, Leonid Bronevoy, Valentin Gaft, Lev Durov, Vera Mayorova, Leonid Kanevsky, Grigory Lampe.
„Doar câteva cuvinte în cinstea domnului de Moliere” este o piesă de teatru de televiziune a lui Anatoly Efros, pusă în scenă la Televiziunea Centrală (Redacția șef al programelor literare și dramatice) bazată pe piesa lui Mihail Afanasievici Bulgakov „Cabala Sfântului” și pe cea a lui Moliere. comedia „Don Juan”. În piesă, episoade din viața lui Moliere alternează cu scene din piesa lui.
Jean Baptiste Moliere - Negustorul în nobilime
Producția teatrului numit după Evgeniy Bagrationovich Vakhtangov (1977)
Regizor - Vladimir Shlesinger
În rolul lui Jourdain - Vladimir Etush
Jean Baptiste Moliere - Smecherul lui Scapin
Producție Teatrul Maly al URSS (1979)
Regizor - Evgeniy Vesnik
Muzică - Alexey Rybnikov
În rolul lui Scapin - Valery Nosik
Jean Baptiste Racine (Jean-Baptiste Racine), născut în 1639 în orașul La Ferté-Milon, județul Valois (acum departamentul Ain), în familia unui funcționar vamal, este un dramaturg francez, unul dintre cei trei dramaturgi de seamă ai Franței în secolul al XVII-lea, alături de Corneille și Moliere.
În 1649, Jean-Baptiste a intrat la școala din Beauvais la mănăstirea Port-Royal.
În 1655, a fost acceptat ca student în mănăstirea însăși. Cei trei ani petrecuți acolo au avut o influență puternică asupra dezvoltării literare a lui Racine. A studiat cu patru filologi clasici marcanți ai vremii (Pierre Nicol, Claude Lanslot, Antoine Le Maistre, Jean Gamon), datorită cărora a devenit un excelent elenist.
După ce a studiat la un colegiu din Paris, Harcourt l-a cunoscut în 1660 pe celebrul fabulist Jean de La Fontaine (1621-1695), Moliere, poetul și criticul Nicolas Boileau-Depreo (1636-1711). Totodată, a scris oda de curte „Nimfa Senei”, pentru care a primit o pensie de la Ludovic al XIV-lea), precum și două piese de teatru care nu au ajuns la noi.
În 1661, s-a mutat la unchiul său, care era preot în Uzès, pentru a negocia un beneficiu de la biserică (în Evul Mediu, o subvenție urgentă condiționată - în principal sub forma unui teren - pentru îndeplinirea serviciului militar sau administrativ). ), ceea ce i-ar oferi posibilitatea de a se dedica cu totul creativității literare.
Jean Baptiste Santerre (1651-1717)
Portretul lui Racine
Palatul Versailles
Cu toate acestea, biserica l-a refuzat pe Racine, iar în 1663 s-a întors la Paris. Se crede că primele sale piese care au ajuns până la noi, „Thebaid, or the Enemy Brothers” (La thebaïde, ou les frères ennemis) și „Alexandre cel Mare” (Alexandre le grand), au fost scrise la sfatul lui Moliere, care le-a pus în scenă în 1664 și respectiv 1665.
Pe lângă cele menționate, Racine a scris următoarele piese de teatru:
1667 - Andromac
1668 - Litigatori (Petiționarii)
1669 - Britannic
1670 - Berenice
1672 - Bayazet
1673 - Mithridates
1674 - Ifigenia
1677 - Fedra
1689 - Estera
1691 - Athalia (Athalia)
Dramaturgul a murit în 1699 la Paris.
Imagine a lui Jean Baptiste Racine pe un franc francez din 1964
Jean Racine (1639-1699) - o poveste pe canalul Encyclopedia dedicată marelui dramaturg francez
Jean Racine - Berenice
Producția Teatrului Academic pentru Tineret din Rusia (RAMT), (1998)
Regizor - Alexey Borodin
Compozitor - Stefan Andrusenko
În rolul lui Titus - Evgeny Dvorzhetsky
În rolul Berenice - Nina Dvorzhetskaya
Intriga se bazează pe eterna luptă dintre dragoste și simțul datoriei, inerentă majorității conducătorilor, unde, conform legilor tragediei clasice, datoria înfrânge iubirea, în ciuda faptului că dragostea este vie și rana provocată de această luptă nu. nu vindeca. Intriga este preluată din istoria romană antică.
Dar cred că versiunea lui Lion Feuchtwanger este mai realistă. În romanul său istoric „Fiii”, dedicat istoricului roman antic Josephus, există linia împăratului roman Titus și a prințesei evreiești Berenice.
„Ce s-a întâmplat, în toți acești ani, a fost extraordinar de bucuros că va vedea această femeie urcând treptele de sute de ori imaginația lui împodobește treptele goale cu imaginea lui Berenice înălțându-se, dar de ce este totul așa; a dispărut farmecul care emana de ea. Este probabil soarta fiecărei persoane că nici cea mai frumoasă realizare nu poate umple golul monstruos pe care a creat-o? vas incapabil să accepte prea multă bucurie sau poate că a trebuit să aștepte prea mult și s-a întâmplat ceva cu vinul foarte vechi, nobil, care nu mai poate fi băut?
O confirmare clasică a proverbului rus „din vedere, din minte”.
Khachatryan N.
YSLU numit după. V. Ya Bryusova
ORIGINALITATEA DRAMEI FRANCEZE
CURSUL SECOLLOR XVIII-XIX
Universitatea Lingvistică de Stat din Erevan poartă numele. V. Ya Bryusova
Lucrări științifice. Întrebări de filologie.
Problema 1. Erevan. „Lingua”. 2003.
http://www.brusov. am/docs/Ban-harcer-Final. p
Diversitatea mișcărilor estetice și literare de la sfârșitul secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea din Franța nu a putut decât să se reflecte în varietatea genurilor - proză, poetică și dramatică. Afirmarea victorioasă a romantismului, care a absorbit aproape toate realizările literaturii din secolul precedent, nu s-a produs în toate genurile în același timp: primii romantici francezi, care s-au opus clasicismului, au dezvoltat exclusiv genuri de proză „neclasicistă”. Astfel, Chateaubriand, de Stael, Senancourt, moștenind structura de gen a secolului al XVIII-lea, au dezvoltat genurile de tratat, proză confesională și roman sentimental.
Aproape un sfert de secol mai târziu, în anii 10-20, a luat contur poezia romantică, care, chiar și în operele marilor poeți Lamartine, Vigny, Hugo, Musset, mai ales la prima etapă a operei lor, relevă o influență semnificativă. a clasicismului. Această influență a fost studiată destul de amănunțit, dar în formarea poeziei romantice, poezia până acum puțin studiată de la sfârșitul secolului al XVIII-lea a jucat un rol la fel de semnificativ. Acestea sunt versurile boeme, „îmbătatoare” ale lui Echoir Le Brun, autorul unei ode foarte faimoase la scufundarea navei de război „Avenger” în anii 1790, intimitatea aristocratică a poeziei lui Jacques Delisle, exotismul idilic al poeziei. a lui Guys, elegiacismul curtenesc al versurilor lui Millvois și, desigur, reflexivitatea poeziei epice a lui Andre Chénier.
În cele din urmă, teatrul romantic s-a impus în Franța aproape un deceniu mai târziu - mai exact în 1829. Din cauza lipsei faptice de studiu a dramaturgiei franceze a clasicismului târziu, se poate avea impresia că după Beaumarchais înainte de intrarea în literatură a lui Dumas, Hugo și Mérimée, nu a existat nicio dramă în Franța care să merite atenția cercetătorilor. De fapt, epoca premergătoare nașterii dramei romantice a fost plină de o luptă complexă de principii estetice, tendințe, școli și influențe.
După 1789, teatrul a continuat să joace un rol important în viața țării. Conducătorii Revoluției - de la Mirabeau la Robespierre - au înțeles importanța spectacolelor solemne de masă pentru menținerea spiritului național și nu au cruțat bani pentru implementarea lor. De asemenea, au patronat crearea de noi teatre private. Astfel, prin decretul din 13 ianuarie 1791, oricărui cetățean îi era permis să deschidă un teatru, era de ajuns doar să informeze municipalitatea despre acesta. În ultimul deceniu al secolului al XVIII-lea, numai în Paris au fost deschise aproximativ 30 de teatre, dintre care multe nu au durat mult, dar unele au oferit o competiție serioasă teatrelor de prestigiu subvenționate de stat (Odéon și Comédie Française). Multe dintre piesele, scrise de scriitori celebri ai epocii și jucate de actori excelenți, au fost foarte populare și nu au putut decât să aibă o influență semnificativă asupra formării teatrului romantic.
Patronajul autorităților, abundența teatrelor și interesul spectatorilor nu au putut decât să contribuie la dezvoltarea genului dramatic, în care distingem trei direcții principale. Aceasta este o tragedie și comedie clasică târzie, melodramă și dramă istorică, conform tradiției acelei epoci numite „scene istorice”.
Tragedia și comedia clasică târzie au predominat în mod tradițional la teatrele Odeon și Comédie Française. Tragedia a păstrat normativitatea, adică natura arhitectonică a compoziției, unitatea de timp și loc, abstracția de la conținut (adică, împărțirea oricărui material în cinci acte, respectarea strictă a locurilor de început, punct culminant și deznodământ, integritatea închisă a parcelei, epuizată în cadrul acestei lucrări) .
„Societatea Cunoscătorilor” pariziană a jucat un rol important în menținerea interesului pentru tragedie, unde au fost discutate lucrări și producții noi, au fost create și chiar dictate opinii critice. Șeful ideologic al acestei societăți a fost dramaturgul și criticul literar Grimaud de La Renière, care s-a opus aspru încălcării tradițiilor teatrale, și-a exprimat deschis disprețul față de autorii pasionați de melodramă și spectatorii „surzi la măreția lui Corneille și căscând la poezie. lui Racine.” Cei mai interesanți autori de tragedii de la sfârșitul secolului al XVIII-lea sunt J. -F. Ducie, care era atât de celebru pe vremea lui încât a preluat scaunul lui Voltaire la Academia Franceză, Sumy și Pichat au fost autorii cunoscutelor tragedii „Clytemnestra” și „Leonidas” în acei ani.
Ducie a fost primul autor francez care a apelat la piesele lui Shakespeare. Din 1769 până în 1792, el a „rescris” cinci dintre tragediile lui Shakespeare (Hamlet, Romeo și Julieta, Regele Lear, Macbeth și Othello), refăcându-le în spiritul clasicismului, adică a expus textul lui Shakespeare versul alexandrin, a introdus unitatea timpul, locul și acțiunea, a eliminat elementul fantastic (umbra tatălui lui Hamlet, vrăjitoarele din Macbeth), iar datorită acestor „amendamente” cetatea clasicismului - Comédie Française - a acceptat pentru prima dată pe Shakespeare în producții, marele succesul căruia sa datorat în mare parte performanței strălucitoare a lui Talma.
În general, rolul actorilor talentați în succesul tragediilor este greu de supraestimat, iar la începutul secolului exista o întreagă galaxie a acestora - doamna Duchesnoy (care a dat lecții de dicție tânărului Stendhal), doamna Rocourt, favorita lui Napoleon. Mlle Georges și, bineînțeles, marea Talma, pe care de Stael o considera un model de îndrăzneală și tact, naturalețe și demnitate.
Dezvoltarea tragediei chiar la începutul secolului al XIX-lea a fost patronată de primul consul însuși, care credea că tragedia încălzește sufletul și educă eroii. El a ordonat ca Théâtre Français să pună în scena o nouă tragedie o dată pe săptămână, în plus față de cele din repertoriul său. Devenit împărat, Napoleon l-a însărcinat personal pe dramaturgul Reinoir să scrie o tragedie despre avantajele domniei lui Carol cel Mare în comparație cu „tiranii” merovingienilor.
Dintre autorii de comedii, se remarcă imitatorul pieselor lui Molière, Parisien Picard. Comediile sale „The Wretched and the Crawling” și „Duaucourt”, după modelul „Tartuffe”, care confirmă asemănarea personajelor principale, pot fi caracterizate drept „comedii de maniere”.
Tragediile și comediile de la sfârșitul secolului al XVIII-lea, deși au păstrat normativitatea esteticii clasiciste, erau deja pline de conținut nou, care răspundea gusturilor noului public, mai democratic și mai puțin educat, care aștepta emoții mai puternice de la tragedie, reflectând vicisitudinile lui. epoca tulbure pe care o trăiau.
A doua direcție în dezvoltarea dramei franceze la începutul secolului a apărut în conformitate cu așa-numita artă „exoterică” (exоterikos - externă, potrivită pentru neinițiați) (romanul „tabloid”, feuilleton, vodevil, melodramă) , care s-a format în conformitate cu gusturile epocii și s-a răspândit în epoca Restaurației creată pentru un public neexperimentat, deși alfabetizat, obosit de cataclisme politice. Lachei bogați, negustori și negustori veneau seara la teatru pentru a obține o mulțime de dezastre, incendii și răpiri cu jumătate de pistol câștigat în acea zi.
Însăși viața Franței din perioada Revoluției și Imperiului semăna cu o dramă sângeroasă plină de bătălii, schele, temnițe și praf de pușcă. Generată de timp, arta exoterică are propriile principii estetice, pe de o parte, este o simplificare a realității și a personajelor, ducând la crearea de clișee, pe de altă parte, este o complicație și o confuzie a intrigii; de hazard. În ciuda atitudinii în general condescendente față de această artă, nu se poate nega popularitatea enormă a „pieselor de teatru bine făcute” (piesa bien faite) ale lui Eugene Scribe și melodramele, fără îndoială, talentate ale lui Guilbert de Pixerécourt.
Părintele genului melodramei, autorul a peste 100 de piese de teatru, Pixerekur s-a lăudat că a scris pentru cei care nu știau să citească. Intrarea sa în literatură, imediat marcată de succesul sălbatic, a fost asociată cu adaptarea pentru scenă a două romane „negre” de Ducret-Duminil, „Victor sau copilul pădurii” și „Selina, sau copilul misterului”. .” În piesele sale originale, el prezintă aproape același sistem de imagini: un tiran sau trădător capabil să comită cele mai teribile crime, o femeie persecutată și care suferă din cauza despărțirii de iubitul ei, un erou nobil, un campion al dreptății și un personaj comic. care ameliorează tensiunea generală a melodramei. Autorul, care simte perfect starea de spirit a privitorului, împarte piesele în trei acte: iubirea, nenorocirea și victoria virtuții. În primul act, privitorul ar trebui să se îndrăgostească de eroi, în al doilea, cu răsuflarea tăiată, să privească cu răsuflarea tăiată marea varietate a diverselor nenorociri care îi urmăresc și, în final, în actul al treilea, cu uşurare, să fie convins de rezultatul reușit al complotului complicat.
Cele mai bune melodrame ale lui Pixerekur sunt scrise pe subiecte istorice - „Christopher Columbus”, „Charles Îndrăznețul sau Bătălia de la Nancy”, „Castelul Loch Leven sau Evadarea Mariei Stuart”, „William Tell”, etc. Teme medievale , manipularea liberă a faptelor istorice , imaginația liberă și neîngrădită, personajele misterioase ale pieselor lui Pixerécourt pregătesc clar sistemul artistic al dramei romantice.
Principiul construirii melodramelor Pixerecourt, bazate pe identificarea protagonistului cu privitorul, a fost oarecum modificat de un alt dramaturg talentat, Eugene Scribe. Compoziția pieselor sale este o așa-numită „cascadă”, adică constă din episoade înșirate care se dezvoltă pe măsură ce tensiunea dramatică crește și sunt rezolvate în mod neașteptat cu un rezultat de succes. În același timp, se păstrează împărțirea în trei acte, astfel „Bertrand și Raton, sau arta conspirației”, „Parteneriat, sau scara gloriei”, „Un pahar de apă, sau Cauze și efecte” ale sale. , „Poof, or Lies and Truth”, „Adrienne” sunt structurate Lecouvreur” și altele.
Sub influența lui Pixerécourt și Scribe, în Franța au fost create un număr imens de melodrame, iar dacă urmăriți evoluția genului, puteți găsi dezvoltarea acestuia în două direcții: prima este „romantizarea” melodramei, adică procesul al formării unei „tragedii romantice”, când finalurile fericite, caracteristice primelor exemple ale genului sunt înlocuite în anii 1810 de finaluri „îngrozitoare”, cu moartea personajelor pozitive. A doua direcție este asociată cu influența lui Shakespeare asupra dramei franceze la începutul secolului al XIX-lea. În conformitate cu gusturile epocii, piesele marelui englez au fost refăcute în spiritul melodramei. Astfel, în anii 1780 piesele lui L. -S. Mercier „Mormintele din Verona” și „Bătrânul și cele trei fiice ale sale”. Să remarcăm că, spre deosebire de Ducie și adepții săi, care, în timp ce „corectează” intrigile tragediilor lui Shakespeare, și-au lăsat numele, Mercier le schimbă cu tact. În piesele lui Mercier, Romeo și Julieta nu mor, părinții lor se pocăiesc și fac pace, fiicele mai mari ale lui Lear se pocăiesc și ele, iar tatăl lor le iartă. Melodramatizarea intrigilor lui Shakespeare a fost atât de populară, încât până și Ducie i-a adus un omagiu fără a-i ucide pe Othello și Desdemona: în finalul piesei totul este clarificat, soții îl expulzează pe Iago și își jură dragoste eternă unul altuia.
În fine, a treia direcție - cea mai productivă pentru dezvoltarea teatrului romantic francez al secolului al XIX-lea - este reprezentată de drama istorică a lui Arnaud, Reinoir, Lemercier și, bineînțeles, Marie-Joseph Chenier.
Antoine Arnauld (1766-1834) a debutat cu tragedii (Lucretia, Cincinnatus), dar succesul i-a fost adus de drama sa istorica Blanche and Moncassin, or the Venetians, scrisa la Venetia, unde a fost trimis de Napoleon ca guvernator. Drama este scrisă în proză, „culoarea locală” este deja evidentă în ea, accentul este mutat de la un eveniment istoric la soarta unui individ, personajul principal Moncassin, cu originea sa necunoscută și noblețea acțiunilor și gândurilor, anticipează. imaginile lui Ernani și Anthony (în dramele „Ernani” de Hugo și „Antony” de Dumas ).
Succesul nu mai puțin răsunător a căzut asupra piesei lui François Reinoir (1761-1836) „Templierii”, în care autorul, păstrând toate cerințele clasiciste (unitate, vers alexandrin, patos corneillean), a reușit să rămână fidel adevărului istoric, să recreați o imagine vie a Evului Mediu francez cu rafinament, inerentă versurilor trubadurilor.
Nepomusin Lemercier (1771-1840), mai îndrăzneț decât contemporanii săi, s-a îndepărtat de estetica clasicistă în piesele sale Clovis, Charlemagne, Richelieu și, mai ales, în drama populară Pinto despre răscoala portugheză împotriva Spaniei În prefața la „Pinto,. ” a recunoscut că și-a dorit să creeze personaje care să acționeze și să vorbească pe scenă ca în viață, așa că drama a fost scrisă în proză și a explicat întorsăturile intrigii prin faptul că intrigile politice îi pot determina pe cei mai nobili oameni să acțiuni de bază Pinto - un om al poporului, în același timp un lacheu și un prieten devotat al ducelui de Berganz, un consilier inteligent, filozof și amant, melancolic și voinic, anticipează imaginea lui Ruy Blaz, și este simbolic faptul că Hugo va ocupa scaunul Lemercier la Academie.
Cea mai vie întruchipare a dramei istorice a fost găsită în opera lui Marie-Joseph Chenier (1764-1811). Acest poet al Revoluției a intrat în istoria literară ca autor al celebrei drame „Carol al IX-lea sau Școala Regilor”. Chenier manipulează liber faptele istorice, căutând în ele exclusiv personajele necesare intrigii, permițând în același timp un anacronism evident. Carol al IX-lea seamănă clar cu Ludovic al XVI-lea, Michel de l'Hôpital - ca Necker, Coligny - ca Lafayette Tragedia sa „filozofică” a fost concepută nu numai pentru percepția inteligenței, privitorul neexperimentat era șocat de abundența incendiilor, a bătăilor. și cascadorii spectaculoase pe scenă, Chenier îndepărtează cu îndrăzneală povestea de dragoste obligatorie, crezând că principalul lucru în tragedie este întruchiparea idealurilor Libertății și numai în acest caz încetează să mai fie un spectacol pentru femeile burgheze și lacheii lui Chenier faima a fost confirmată de piesele sale ulterioare „Henry al VIII-lea”, „Jean Calas”, „Gaius Gracchus” și, mai ales, dramele „Fenelon” (care înfățișează imaginea unui prelat magnanim, care amintește de Miriel din „Les Misérables”. ) și „Timoleon”, care îndeamnă la răsturnarea tiranilor.
În dezvoltarea dramei istorice, influența lui Shakespeare, cronicile sale istorice și principiul combinării istoriei cu tragedia este din nou dezvăluită. Dramaturgii francezi au fost foarte impresionați de această combinație, deoarece „dezavantajul istoriei constă în răceala ei, iar dezavantajul tragediei este în a o reduce la un moment”. 1 Romanticii apreciau mai ales în „cronici” apelul la o personalitate excepțională, ambiguă, deschiderea compoziției, extinderea conflictului la scara Lumii, a Universului.
Astfel, dezvoltarea dramei în Franța la sfârșitul secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea a mers în trei direcții diferite, ceea ce indică complexitatea și intensitatea căutării de noi forme dramatice care au anticipat principalele tendințe ale teatrului romantic și au avut o influenţă indubitabilă asupra formării lui.
1 Levro L. Dramă și tragedie în Franța. -P. -M., 1919, p. 52
Se încarcă...
