Fin kunst fra India i middelalderen. Fine kunster i India. (KRISHNA.). Indisk kultur VI - X århundrer

Fine kunster i India. (KRISHNA.)

Med tanke på kunstverkene fra den asiatiske antikken, kommer vi ofte over navnene på store mestere, spesielt innen kunsten i Kina og Japan. Det er imidlertid usannsynlig at mange kunstelskere vil kunne nevne de fremragende navnene til indiske skulptører eller kunstnere. Indisk kunst er anonym, og dette er en av dens viktigste kjennetegn. Og denne anonymiteten manifesteres ikke bare i fraværet av navnene på forfatterne som skapte maleriet, men ofte i den delvise anonymiteten til selve bildene. En indisk kunstner vil heller lage et bilde av en guddom enn en spesifikk konge eller adelsmann. Hverdagsscener i hverdagen inkluderte generaliserte bilder og kan ikke kreve portrettlikhet, som alle andre bilder i indisk kunst.

Den indiske mesteren skapte aldri verkene sine fra livet, det være seg et bilde av en person, et hellig tre eller noe dyr. Den indiske mesteren jobbet fra hukommelsen, og la til kreativiteten hans, i tillegg til direkte oppfatning av naturen, sin egen visjon, samt å følge kanonene. Kanonene utvikler i detalj reglene for å skildre positurer (asanas) og posisjoner til hendene og fingrene (mudras). Indiske verk, hvis de ikke var bilder av guder, var alltid en subjektiv refleksjon av objektiv virkelighet.

Følelser (rase) var viktig i bildene. Åtte følelser ble ansett som grunnleggende: kjærlighet, opphøyet åndelig tilstand, glede, overraskelse, tristhet som medfølelse, fred og misnøye. Alle folkehistorier skildret gleden ved å være, som manifesterte seg gjennom følelser - rasa, de ble ansett som en manifestasjon av Brahman i en person.

Hver epoke er unik med sin egen spesielle kultur. På samme måte har kunsten i India vært i konstant endring gjennom århundrene. Maleri, arkitektur og skulptur utviklet her i landet.

Utviklingen av kunst i landet India

Kunsten til India stammer fra forhistoriske bergmalerier. Alt i alt er elementene en ren refleksjon av mentaliteten til det landet, noe som gjør dem mer innadvendte. En av dem er ideen om yoga om viktigheten av løsrivelse fra alle distraherende ytre påvirkninger og flyktige følelser. Derfor spiller den omkringliggende virkeligheten en sekundær rolle i landet India. Kunsten i India er særegen ved at vekten i ikonografien er på det religiøse og metafysiske, selv når ornamenter, kostymer osv. låner elementer fra det moderne liv.

Funksjoner av bildet av omverdenen

Spørsmålet om miljø må vurderes i sammenheng med landets estetikk, som ikke aksepterer overfladisk naturalisme, realisme eller illusjon. Det som virkelig betyr noe er «skapelsen av sannhet», som forutsetter at India er veldig enkelt, fordi naturen i seg selv er skapt kompleks og intelligent, og kun gjennom tegn og symboler har det blitt mulig å uttrykke det. Det er derfor symboler spiller en avgjørende rolle her. Enkelhet fra dette synspunktet har ingen nedsettende betydning, som kan observeres i dekadent kunst. Det kommer ned til utviklingen av en rekke teknikker for å uttrykke den sanne betydningen av objekter eller objekter som kunstneren og skulptøren fanget.

Metoder for å skildre den omgivende virkeligheten i kunsten reflekterer alltid, i større eller mindre grad, de moderne synene fra en bestemt tidsalder. Vi snakker ikke om perspektiv her, men teknikkene og virkemidlene som ble brukt for å formidle ideer til publikum, som var forskjellige i ulike tidsperioder, fra et estetisk synspunkt hadde ikke noen fordeler fremfor andre i landet India. Indisk kunst er ofte veldig symbolsk, spesielt når det gjelder å formidle tingenes natur.

Kunst fra det 2. århundre f.Kr. - III århundre e.Kr

I gammel kunst, i løpet av det 2. århundre. f.Kr. - III århundre e.Kr., kan man finne en viss vekt på Kunstnere som Amaravati, for eksempel, prøvde å protestere mot den omkringliggende virkeligheten. I deres søken gjennom symboler forsøkte de å representere ikke bare episoder fra Buddhas liv, men også for eksempel tilbedelsen av Yakshaer og trær, som var veldig vanlig blant folk i den perioden. Men ikke all kunst var viet aspekter av hverdagen. Kunstnere streber alltid etter å understreke det faktum at ytre naturfenomener bare kan fremkalle begrensede følelser. Naturen, etter deres mening, er rik på dype symbolske betydninger. Kunsten i det gamle India er rik på spor av kosmologi, som ikke kan forstås uten referanse til gammel indisk litteratur. Slike trekk kan bli funnet frem til 600-tallet i maleriene til Ajanta og Bagh.

Indisk kultur VI - X århundrer.

Med begynnelsen av Gupta-tiden begynte nye elementer å dukke opp. Kunstnere mistet interessen for mennesket, men begynte å vise det i gudene og deres habitat. Og selv med dette vektskiftet tok de fortsatt hensyn til det daglige, men i mindre grad. Naturskildringen er blitt mer stereotypisk. I Vishnu Dharmottara Purana, skrevet i denne perioden, kan man finne en spesiell seksjon viet til maleri, som snakker om hvordan konvensjoner skal overholdes. I de påfølgende århundrene i kunsten kan vi hovedsakelig observere temaer dedikert til gudene, og svært lite av livet på den tiden.

Kunst fra X - XIV århundrer.

Etter 900-tallet er det svært få elementer av natur og moderne liv som finnes i indisk maleri, så vel som i buddhistiske manuskripter. Ved å ignorere omgivelsene, konsentrerte kunstnerne seg utelukkende om buddhistiske guder, gudinner og mandalaer. Siden de hadde begrenset plass til rådighet, nøyde malerne seg med å skildre guder og gudinner. Dette fyller manuskriptene de illustrerte med magisk kraft, og gjør dem til et objekt for tilbedelse for beundrere i landet India. Indisk kunst er veldig original. De eneste ytre påvirkningene som kunstnerne vurderte, var troen på tantrisk buddhisme. De var ikke bekymret for verken naturen eller de sosiale forholdene i den perioden.

Art of India XIV - XVI århundrer.

På slutten av 1300-tallet ble kunstnere litt mer interessert i temaene i det omkringliggende sosiale livet. I deres verk kan man legge merke til manifestasjonen av muslimske stereotyper i skildringen av alle utlendingene som dukket opp i dem. Dette tyder på at de hadde visse meninger om tyrkerne som styrte de nordlige og vestlige delene av India i denne perioden. I deres arbeider ble landskap avbildet som en egen del av komposisjonen, og ikke bare som et bakteppe for bestemte scener.

Den visuelle kunsten i India gir et mye klarere bilde av folks liv enn noen annen litterær kilde på den tiden. På 1500-tallet eksisterte denne interessen fortsatt. Her dukker det for første gang opp bilder av bestemte innbyggere på landsbygda, bønder og gjetere, samt kvinner som er involvert i det daglige husholdningslivet. Naturen ble også mye bredere representert, med fullskalaillustrasjoner av skoger og ville dyr. Indisk kunst begynte å bli fylt med nye betydninger.

Gjennom mange århundrer har mange lyse og originale bevegelser, skoler og retninger oppstått, utviklet, endret eller forsvunnet i indisk kunst. Indisk kunst, som kunsten til andre folk, kjente ikke bare måtene for intern kontinuitet, men også ytre påvirkninger, og til og med invasjonen av andre, fremmede kunstneriske kulturer, men på alle disse stadiene forblir den kreativ sterk og original. Til tross for de velkjente betingelsene i religiøse kanoner, inneholder indisk kunst stort universelt, humanistisk innhold.

Det er umulig å dekke i noen detalj historien til indisk kunst i et fortettet essay. Derfor vil det her kun gis en generell kort oversikt over de mest slående og karakteristiske monumentene og de viktigste utviklingslinjene for kunst og arkitektur i India fra antikken til i dag.

Opprinnelsen til kunst og arkitektur i India går tilbake til de eldste periodene i historien.

I de sentrale regionene av landet er det oppdaget malerier som dateres tilbake til paleolittiske og neolitiske epoker som skildrer jaktscener og dyr. De eldste kulturene i Sindh og Balochistan er preget av små leireskulpturer, som er dominert av grovt skulpturerte og malte kvinnelige figurer, vanligvis assosiert med kulten til morgudinnen, og malt keramikk med ornamentikk i svart eller rød maling. Ornamentet inkluderer bilder av okser, løver, fjellgeiter og andre dyr, samt trær i kombinasjon med geometriske motiver.

Den første blomstringen av indisk bykultur er representert av de arkitektoniske monumentene Harappa (Punjab) og Mohenjo-Daro (Sindh). Disse monumentene vitner om den meget høye utviklingen av byplanlegging, arkitektonisk og teknisk tankegang til de eldste indiske byggherrene og deres store faglige dyktighet for den tiden. Under utgravninger her ble det oppdaget ruinene av store bymessige bosetninger med svært utviklet planløsning. I den vestlige delen av disse byene var det sterkt befestede citadeller med forskjellige offentlige bygninger. Veggene i citadellene ble forsterket med utstående rektangulære tårn. Et trekk ved utseendet til disse byene var det nesten fullstendige fraværet av arkitektoniske dekorasjoner.

De få skulpturverkene som finnes i Mohenjo-Daro, Harappa og noen andre sentre i Indusdalen-sivilisasjonen vitner om ytterligere forbedring av billedteknikker og plastisk tolkning av bildet. Klebersteinsbysten av en prest (eller konge) og bronsefiguren til en danser fra Mohenjo-Daro presenterer to helt forskjellige individualiserte bilder, tolket på en generalisert måte, men veldig ekspressivt og vitalt. To torsoer fra Harappa (rød og grå kalkstein) vitner om skulptørenes store forståelse for menneskekroppens plastisitet.

Utskårne klebersteinsegl med bilder av dyr, guddommer eller rituelle scener utmerker seg ved deres høye perfeksjon av utførelse. De piktografiske inskripsjonene på disse seglene er ennå ikke dechiffrert.

Arkitekturen og kunsten fra den påfølgende, såkalte vediske perioden er kjent for oss bare fra skriftlige kilder. De autentiske monumentene fra denne tiden blir nesten aldri oppdaget. I løpet av denne epoken utviklet konstruksjon fra tre og leire mye, og konstruktive og tekniske teknikker ble utviklet, som senere dannet grunnlaget for steinarkitektur.

Fra begynnelsen av storhetstiden til delstaten Magadha (midten av VI-IV århundrer f.Kr.) har restene av syklopiske forsvarsmurer og store plattformer som fungerte som fundament for bygninger blitt bevart. Tidlige buddhistiske tekster nevner statuer av guder.

Man kan mer fullstendig bedømme kunsten til Maurya-imperiet (sent 4. - tidlig 2. århundre f.Kr.). Det kongelige palasset i hovedstaden Pataliputra ble sammenlignet av gamle kilder med Achaemenid-palassene i Susa og Ecbatana.

Utgravninger avslørte restene av dette palasset - en stor rektangulær hall, hvis tak hvilte på hundre steinsøyler.

En rask blomstring av arkitektur og skulptur skjedde under Ashokas regjeringstid. Under ham fikk byggingen av buddhistiske religiøse bygninger et spesielt omfang.

Karakteristiske monumenter fra Ashokas tid var mange monolittiske steinsøyler - stambhas, som kongelige edikter og buddhistiske religiøse tekster ble skåret på; toppene deres hadde en lotusformet kapital og ble kronet med skulpturelle bilder av buddhistiske symboler. Således, på en av de mest kjente søylene fra Sarnath (ca. 240 f.Kr.), er reliefffigurer av en hest, en okse, en løve og en elefant avbildet med utrolig dyktighet og uttrykksevne, og toppen av denne søylen er kronet med en skulptur av fire halv-fituras forbundet med ryggen Lviv by

Det mest typiske monumentet for buddhistisk arkitektur på denne tiden er stupaer - minnestrukturer designet for å lagre buddhistiske relikvier (tradisjonen tilskriver byggingen av 84 tusen stupaer til Ashoka). I sin enkleste form er en stupa en monolittisk halvkule plassert på en sylindrisk base, toppet med et steinbilde av en paraply - en chattra (et symbol på Buddhas edle opprinnelse) eller et spir, under hvilket hellige gjenstander ble bevart i et lite kammer i spesielle relikvier. Det ble ofte gjort en rundvandring rundt stupaen og hele strukturen var omgitt av et gjerde.

Et klassisk eksempel på bygninger av denne typen er den store stupaen ved Sanchi (3. århundre f.Kr.), med 32,3 m i diameter ved bunnen og 16,5 m i høyden uten spiret. Bygningen er laget av murstein og belagt med stein. Senere, i det 1. århundre. f.Kr e. et høyt steingjerde med fire porter - en torana - ble reist rundt det. Gjerdets og portens stenger er dekorert med relieffer og skulpturer basert på scener fra buddhistiske legender, bilder av mytologiske karakterer, mennesker og dyr.

Fra slutten av det 2. århundre. og spesielt i det 1. århundre. f.Kr e. Bergarkitektur er vidt utviklet. Byggingen av hulekomplekser i Kanheri, Karli, Bhaja, Baga, Ajanta, Ellora og andre steder dateres tilbake til denne tiden. I utgangspunktet var dette små klosterklostre, som gradvis utvidet seg og i løpet av århundrene ble til hulebyer. I steinarkitektur er de viktigste typene buddhistiske kultbygninger chaitya og vihara (bønnehaller og klostre).

De greske kampanjene i India (IV århundre f.Kr.), dannelsen av de indo-greske statene, og senere, ved begynnelsen av vår tidsregning, invasjonen av Saka-stammene og opprettelsen av den mektige Kushan-staten hadde en sterk innvirkning på indianerne Kunst. Som et resultat av styrkingen av politiske, handelsmessige og kulturelle bånd mellom India og landene i Middelhavet, Sentral-Asia og Iran på denne tiden, trengte nye kunstneriske trender inn i India. Etter å ha kommet i kontakt med kunsten til de helleniserte landene i det nære østen, assimilerte den indiske kunstneriske kulturen noen av prestasjonene til klassisk kunst, kreativt bearbeidet og revurdert dem, samtidig som den beholdt sin originalitet og originalitet.

Den komplekse prosessen med kreativ bearbeiding av ulike ytre kunstneriske påvirkninger i indisk kunst i denne perioden er spesielt tydelig uttrykt i verkene til de tre viktigste og mest betydningsfulle kunstskolene i det 1.-3. århundre. n. e. - Gandhara, Mathura og Amaravati.

Kunstskolen i Gandhara - en eldgammel region i det nordvestlige India i midten av Indus, i området til moderne Peshawar (nå i Pakistan) - oppsto tilsynelatende ved begynnelsen av vår tidsregning, og nådde sitt høydepunkt i 2.-3. århundre. og eksisterte i dens senere grener frem til VI-VIII århundrene. Den geografiske plasseringen på den viktigste landveien som forbinder India med andre land, forutbestemte rollen til denne høyt utviklede regionen som dirigent og samtidig et filter av ulike kunstneriske påvirkninger som kom til India fra Middelhavet, Det nære Østen, Sentral-Asia og Kina. Innflytelsen fra den åndelige og kunstneriske kulturen i India på disse landene trengte også gjennom Gandhara. Det var her dypt motstridende, til en viss grad eklektisk kunst oppsto og tok form, som fikk navnet "gresk-buddhist", "indo-gresk" eller ganske enkelt "Gandhara" i litteraturen. Når det gjelder innholdet, er dette buddhistisk religiøs kunst, som i plastiske bilder forteller om livet til Gautama Buddha og mange bodysattvaer. Dens indiske opprinnelse ble manifestert i en komposisjon som fulgte tradisjonene og kanonene utviklet i buddhistisk kunst fra tidligere perioder. På den kunstneriske måten, i skulpturen av tredimensjonale former, tolkningen av ansikter, positurer* av klær, ble innflytelsen fra klassiske eksempler på hellenistisk skulptur følt. Gradvis forvandles den klassiske strømmen og nærmer seg rent indiske former, men frem til slutten av denne skolens eksistens er den tydelig synlig i verkene.

Mathura-skulpturskolen har en svært viktig plass i historien til indisk kunst. Dens fremvekst i Kushan-tiden var preget av en rekke kunstneriske prestasjoner som dannet grunnlaget for den videre utviklingen av indisk kunst. Den ikonografiske kanonen av bildet av Buddha i form av en mann, skapt i Mathura, spredte seg senere vidt gjennom buddhistisk religiøs kunst.

Skulpturen til Mathura under sin storhetstid (II-III århundrer) utmerker seg ved sin fullblods skildring av menneskekroppens former.

Skulpturen til Amaravati-skolen - den tredje av de viktigste kunstskolene i denne perioden - avslører en enda mer subtil følelse av plastisk form. Denne skolen er representert av en rekke relieffer som dekorerte stupaen på Amaravati. Dens storhetstid går tilbake til det 2.-3. århundre. Menneskefigurene her er ettertrykkelig slanke i proporsjonene, og sjangerkomposisjonene er enda mer naturtro.

Eksistensperioden til den mektige Gupta-staten (IV-VI århundrer) er assosiert med en ny kunstnerisk æra, som representerer den århundrelange utviklingen av gammel indisk kunst. Kunsten fra Gupta-tiden konsentrerte de kunstneriske prestasjonene fra tidligere perioder og lokale kunstskoler. "Golden Age of Indian Art", som Gupta-tiden ofte kalles, produserte verk som er inkludert i verdenskunstens skattkammer.

Relieffer av porten (torana) til den store stupaen i Sanchi

Bred og variert konstruksjon er representert av mange bygninger av templer, både stein og jord. I hovedsak nytt i Gupta-arkitekturen var konstruksjonen av den enkleste typen tidlige Brahman-tempel: den besto av en cella som sto på en forhøyet plattform, firkantet i plan, dekket med flate steinheller, hvor inngangen var utformet i form av en søyle. vestibyle, også med flatt tak. Et eksempel på en slik bygning er det slanke og elegante tempel nr. 7 i Sanchi. Senere dukker det opp en overbygd bypass-korridor eller galleri rundt cellabygningen; på 500-tallet en trappet tårnlignende overbygning vises over cella - en prototype av den fremtidige monumentale giikharaen av middelalderske brahmantempler.

Hulearkitektur opplevde en ny økning på dette tidspunktet. En mer kompleks type steinstruktur er under utvikling - en vihara, et buddhistisk kloster. I plan var viharaen en stor rektangulær søylehall med et fristed hvor det var et bilde av Buddha eller en stupa. Langs sidene av hallen var det plassert mange celler av munker. Den ytre inngangen til et slikt kloster hadde form av en søyleportiko, rikt dekorert med skulptur og maleri.

En av de høyeste kunstprestasjonene fra Gupta-tiden var veggmalerier av huleklostre. Deres opprettelse ble innledet av en lang utvikling av denne sjangeren, fra Mauryas tid, men nesten ingen ekte monumenter av tidlig maleri har nådd oss. Blant veggmaleriets monumenter er de best bevarte Ajanta-maleriene de mest kjente, blant hvilke maleriet av hule nr. 17 skiller seg ut for sin dyktige utførelse.

Ajanta-kunstnere fylte komposisjonene sine om tradisjonelle emner av buddhistiske legender med en overflod av sjanger og dagligdagse detaljer, og skapte et galleri med scener og bilder som reflekterte mange aspekter av hverdagslivet på den tiden. Utførelsen av Ajanta-fresker kjennetegnes av høy dyktighet, frihet og selvtillit i design og komposisjon, og en subtil fargesans. Til tross for begrensningene til visuelle virkemidler ved en rekke kanoniserte teknikker, kunstnernes uvitenhet om chiaroscuro og korrekt perspektiv, er Ajantas fresker slående i sin vitalitet.

Skulpturen fra denne perioden utmerker seg ved sin subtile og elegante modellering, glatte former, rolig balanse mellom proporsjoner, gester og bevegelser. Egenskapene til uttrykksfullhet og rå kraft som er karakteristisk for monumentene til Bharhut, Mathura og Amaravati, gir plass til raffinert harmoni i Gupta-kunsten. Disse trekkene er spesielt tydelige i de mange statuene av Buddha, nedsenket i en tilstand av rolig kontemplasjon. I Gupta-tiden fikk bilder av Buddha endelig et strengt kanonisert, frossent utseende. I andre skulpturer, mindre bundet av ikonografiske kanoner, er den levende følelsen og rikdommen til plastisk språk mer fullstendig bevart.

På slutten av Gupta-perioden, på 500-600-tallet, ble det laget skulpturelle komposisjoner basert på emner fra Brahman-mytologien. I disse skulpturene begynner trekk med stor ekspressivitet og dynamikk å dukke opp igjen. Dette var på grunn av begynnelsen av prosessen med den såkalte Brahman-reaksjonen og den gradvise, stadig mer avgjørende tilsidesettingen av buddhismen av Brahman-kulter (eller rettere sagt, av hinduismens kulter).

På begynnelsen av 600-tallet. Gupta-imperiet falt under slagene fra heftalittene, eller hvite hunerne, som invaderte fra Sentral-Asia; Mange kunstsentre i India blir ødelagt og livet i dem dør ut.

Et nytt stadium i indisk kunsthistorie går tilbake til tidlig middelalder og er i sitt innhold nesten utelukkende forbundet med hinduismen.

I den tidlige middelalderske arkitekturen i India skilte to store trender seg ut, preget av originaliteten til deres kanoner og former. En av dem utviklet nord i India og i litteraturen kalles vanligvis den nordlige eller indo-ariske skolen. Den andre utviklet seg i territoriene sør for elven. Narbada og er kjent under navnet på den sørlige eller dravidiske skolen. Disse to hovedretningene - nordindiske og sørindiske - delte seg i sin tur inn i en rekke lokale kunstskoler.

Mens Sør-Indisk<жая, или дравидийская, архитектурная школа была связана в этот период лишь с областями восточного побережья Индостанского полуострова, южнее р. Кистны (Кришны), северная-индоарийская школа складывалась и развивалась на большей части территории северной Индии, распространившись даже на некоторые области Декана VII-VIII вв. в истории индийского искусства являются переходной эпохой.

På denne tiden opplevde kunstneriske tradisjoner, og spesielt tradisjonene for hodebunnsarkitektur, det siste stadiet av utviklingen og opphørte. Samtidig er det en prosess med dannelse av nye kunstneriske kanoner, former og teknikker knyttet til behovene til det utviklende føydale samfunnet og dets ideologi.

Rollen til bakkebasert konstruksjon øker sterkt. Utseendet til slike arkitektoniske verk som monolitiske rathas - små templer i Mahabalipuram og det berømte Kailasanatha-tempelet i Ellora, snakker om grunnleggende endringer i arkitekturen til India: dette er bygninger over bakken, bare laget i den tradisjonelle teknikken for steinarkitektur.

Buddhistisk steinarkitektur ved Ajanta kulminerer på 700-tallet. flere viharaer. Den mest kjente er Vihara nr. 1, kjent for sine veggmalerier.

Av de verdensberømte veggmaleriene av denne hulen har bare en liten del nådd oss, og da i en alvorlig ødelagt tilstand. De overlevende fragmentene skildrer episoder fra Buddhas liv, samt en rekke sjangerscener som utmerker seg med stor vitalitet.

Maleriene til Vihara nr. 1, i likhet med andre Ajanta-hultempler, er laget ved hjelp av freskomaleriteknikken på hvit alabastgrunn. De visuelle teknikkene og virkemidlene brukt av malerne som skapte disse maleriene bærer preg av tradisjonalisme og en viss kanonisitet; Til tross for de ganske strenge begrensningene til visuelle virkemidler, var Ajanta-kunstnere i stand til å legemliggjøre en hel verden av store menneskelige følelser, handlinger og opplevelser i verkene sine, og skape billedlige mesterverk av virkelig global betydning.

Motivene til Ajanta-maleriet er mye brukt til i dag i det kunstneriske arbeidet til folkene i India.

Tradisjonelle huleklostre, tilpasset behovene til små klosterbrødre, tilfredsstilte imidlertid ikke Brahman-kultens behov med dens komplekse symbolikk og overfylte seremonier. De tekniske vanskelighetene knyttet til bearbeiding av hard steinete jord tvang letingen etter nye arkitektoniske løsninger og byggeteknikker. Disse søkene førte til byggingen

Ellora, et av de berømte huletempelkompleksene i India, ligger sørvest for Ajanta. Byggingen begynte her tilbake på 500-tallet, da de første buddhistiske hulene ble hugget ned. Hele komplekset av templer ved Ellora består av tre grupper: buddhister, brahmin og jain.

Opprettet i andre halvdel av 800-tallet. Kailasanatha-tempelet representerer en avgjørende avvisning av de grunnleggende prinsippene for hulearkitektur. Denne bygningen er en grunnstruktur laget ved hjelp av tradisjonelle teknikker som er typiske for steinarkitektur. I stedet for en underjordisk hall som gikk dypt inn i fjellet, skåret utbyggerne ut et strukturelt overjordisk tempel fra steinmonolitten, hvis type allerede hadde utviklet seg i sine grunnleggende konturer på dette tidspunktet. Etter å ha skilt den nødvendige massen fra fjellet med skyttergraver, kuttet arkitektene ned templet fra de øvre etasjene, og ble gradvis dypere til basen. All den rike skulpturelle utsmykningen ble utført samtidig med frigjøringen av deler av bygningen fra bergmassen. Denne metoden krevde ikke bare en detaljert utvikling av bygningsdesignet i alle dens deler og deres forhold, men også en ekstremt nøyaktig utførelse av arkitektens planer i materialet.

Skulptur spiller en dominerende rolle i utsmykningen av bygningene til tempelkomplekset. Maleri brukes kun i interiørdekorasjon. De overlevende fragmentene indikerer en økning i trekkene til skjematisme og konvensjon. Tradisjonene med monumentalt maleri, nært knyttet til buddhismen, dør ut. I hinduistisk arkitektur får skulptur spesielt storslått utvikling.

Det tredje viktige monumentet i historien til indisk middelalderarkitektur er tempelensemblet i Mahabalipuram, som ligger på østkysten sør for Madras. Dens opprettelse dateres tilbake til midten av det 7. århundre. Tempelkomplekset ble skåret ut av naturlige utspring av kystgranitt. Den består av ti søylehaller hugget inn i steiner, hvorav to forble uferdige, og syv overjordiske templer - rathas, skåret ut av granittmonolitter. Alle rathas forble uferdige. Den mest betydningsfulle av dem er Dhar-maraja-ratha-tempelet.

Tempelensemblet til Mahabalipuram inkluderer et fantastisk skulpturmonument - relieffet "The Descent of the Ganges to Earth". Den er hugget i en bratt skråning av granittfjell og vender østover – mot den stigende solen. Plottets sentrum av komposisjonen er en dyp vertikal sprekk som i gamle tider falt vann, levert fra et spesielt basseng.

Gudene, menneskene og dyrene som er avbildet på relieffet streber etter denne fossen, som tydelig personifiserte legenden om nedstigningen av den himmelske elven til jorden, og etter å ha nådd den, fryser de i forbløffet kontemplasjon av miraklet.

Til tross for den ytre statiske naturen til skulpturene av guder, mennesker og dyr, med stor generalitet, til og med litt skjematikk i tolkningen av figurene deres, er det enorme relieffet fylt med liv og bevegelse.

Det neste trinnet i utviklingen av middelalderarkitektur i India var den endelige overgangen til konstruksjon gjennom murverk - stein eller murstein.

Utviklingen av arkitektur i de nordlige regionene i India fulgte noe andre veier. En unik type tempelbygning utviklet seg her, vesentlig forskjellig fra den sørlige typen beskrevet ovenfor.

Det oppsto flere lokale arkitektoniske trender innenfor den nordlige skolen, som skapte en rekke originale løsninger for tempelbygningens ytre og indre former.

Arkitekturen i Nord-India er preget av arrangementet av alle deler av tempelbygningen langs hovedaksen, vanligvis strengt fra øst til vest; Inngangen til templet var plassert fra øst. Sammenlignet med sør har templene i Nord-India en mer utviklet og kompleks utforming: i tillegg til de vanlige bygningene i helligdommen og hovedsalen, er to paviljonger ofte knyttet til sistnevnte - den såkalte dansesalen og sal av tilbud. I den ytre sammensetningen av en tempelbygning er dens inndeling i deler vanligvis sterkt fremhevet. Det dominerende elementet i tempelbygningens ytre utseende blir overbygningen over helligdomsbygningen - shikharaen med sin dynamiske krumlinjede kontur; i nordlig arkitektur tok det først form av et høyere tårn enn i sør, kvadratisk eller nær kvadratisk i plan, hvis sidekanter raskt stiger opp langs en bratt konturert parabel. Den oppoverpekende shikharaen står i kontrast til de gjenværende delene av tempelbygningen; alle av dem er betydelig lavere, deres belegg har vanligvis form av en svakt skrånende trinnpyramide.

Kailasanatha steintempel. VIII århundre n. e.

Kanskje den mest levende, komplette utførelsen av kanonene til nordlig arkitektur ble funnet i verkene til arkitektskolen i Orissa. Denne skolen utviklet seg på 900-tallet. og eksisterte til slutten av 1200-tallet. De mest fremragende arkitekturmonumentene til Orissa-skolen anses å være det enorme tempelkomplekset i Bhubaneshwar, Jaganatha-tempelet i Puri og soltempelet i Konarak.

Ensemblet av Shaivite-templer i Bhuvaneshwar består av et veldig stort antall bygninger: de tidligste av dem ble bygget på midten av 800-tallet, den siste - på slutten av 1200-tallet. Den mest betydningsfulle av dem. er Lingaraja-tempelet (ca. 1000), kjennetegnet ved sine monumentale former.

Tempelbygningen ligger midt i et rektangulært område omgitt av en høy mur. Den består av fire deler, plassert langs hovedaksen fra øst til vest: tilbudssalen, dansesalen, hovedsalen og helligdommen. De ytre arkitektoniske inndelingene til tempelbygningen understreker uavhengigheten til hver del.

Soltempelet i Konark regnes som en av de høyeste prestasjonene til arkitektskolen i Orissa når det gjelder dristigheten i designet og monumentaliteten til dens former. Byggingen av tempelet ble utført i 1240-1280, men det ble ikke fullført Hele komplekset var en gigantisk solvogn - ratha, trukket av syv hester.Tempelbygningene ble plassert på en høy plattform, på sidene av denne. tjuefire hjul og syv skulpturerte figurer var avbildet hester som trakk en vogn.

Tårnet til Lingaraja-tempelet i Bhubaneswar. Orissa, VIII århundre.

Templer i Khajuraho (sentrale India) ble opprettet i forskjellige arkitektoniske former. Tempelkomplekset i Khajuraho ble bygget mellom 950 og 1050. og består av hinduistiske og jainske templer. Brahman-templene i Khajuraho representerer et unikt fenomen i historien til indisk arkitektur: utformingen og volumetrisk-romlig sammensetning av tempelbygningen her har en rekke betydelige forskjeller fra typene tempelbygninger beskrevet ovenfor.

Templene i Khajuraho er ikke omgitt av et høyt gjerde, men er hevet høyt over bakken på en massiv plattform. Tempelbygningen ble her designet som en enkelt arkitektonisk helhet, der alle deler er smeltet sammen til et enkelt romlig bilde. Til tross for den relativt lille størrelsen på bygningene til denne gruppen, kjennetegnes de av harmonien i proporsjonene deres.

På det aktuelle tidspunktet er skulptur nært forbundet med arkitektur og spiller en stor rolle i utsmykningen av tempelbygninger. Den frittstående runde skulpturen er kun representert av enkeltstående monumentale monumenter og små bronseskulpturer. Når det gjelder innholdet, indisk skulptur fra det 7.-13. århundre. er utelukkende hinduistisk og er dedikert til den figurative tolkningen av religiøse legender og tradisjoner. Det skjer også betydelige endringer i tolkningen av plastiske former i forhold til tidligere perioders skulptur. I middelalderens indisk skulptur, helt fra begynnelsen av utviklingen, dukket trekk av økt uttrykksevne og ønsket om å legemliggjøre i et skulpturelt bilde de forskjellige fantastiske aspektene som er karakteristiske for Brahman-guder, og ble stadig mer utbredt. Disse trekkene var ikke til stede i skulpturen fra Kushan- og Gupta-periodene.

Et av favorittemnene for indisk skulptur på den aktuelle tiden er handlingene til Shiva og hans kone Kali (eller Parvati) i deres mange inkarnasjoner.

Nye kunstneriske kvaliteter manifesteres tydelig allerede i det monumentale relieffet fra Mahishasura mandapa (begynnelsen av det 7. århundre, Mahabalipuram), som skildrer kampen til Kali med demonen Mahisha. Hele scenen er fylt med bevegelse: Kali, som sitter på en galopperende løve, skyter en pil mot den oksehodedemonen, som etter å ha falt på venstre ben, prøver å unngå slaget; nær ham er avbildet hans flyktende og falne krigere, maktesløse til å motstå gudinnens rasende angrep.

Et eksempel på hvordan en ny forståelse av bildet begynner å utvikle seg innenfor rammen av en gammel kunstnerisk form, er relieffet fra øya Elephanta, som skildrer ødeleggeren Shiva. Den åttearmede Shiva er avbildet i bevegelse, ansiktsuttrykket hans er sint: skarpt buede øyenbryn, et rasende blikk av vidåpne øyne, et skarpt omriss av en halvåpen munn karakteriserer ekspressivt gudens følelsesmessige tilstand. Og samtidig er plastteknikkene som dette relieffet ble laget med, utvilsomt fortsatt nært knyttet til tradisjonene for klassisk skulptur fra Gupta-tiden: den samme mykheten til skulpturformer, noe generalisert modellering av ansikt og figur, og balanse mellom bevegelse er bevart. Den harmoniske kombinasjonen av alle disse stort sett motstridende trekkene tillot billedhuggeren å skape et bilde av stor indre styrke.

De kunstneriske egenskapene til indisk middelalderskulptur ble mest utviklet i templene på 10-1200-tallet. Spesielt slående eksempler er gitt av tempelkompleksene Bhubaneswar og Khajuraho. Figurene til dansere, musikere og himmelske jomfruer som utgjorde følget av gudene ble avbildet her. Over tid fikk disse eldgamle bildene av indisk kunst en mye mer uttrykksfull tolkning, der det sjangerrealistiske elementet er veldig sterkt.Sørindisk bronseskulptur er preget av kunstneriske og stilistiske trekk som er karakteristiske for indisk skulptur som helhet: en generalisert tolkning av tredimensjonale former, den kanoniske trippelbøyningen av menneskefiguren, en kombinasjon av dynamikkbevegelser med harmonisk balanse i komposisjonen, subtil gjengivelse av detaljer i klær og smykker. Et typisk eksempel er de mange figurene til Shiva Nataraja (dansende Shiva), bilder av Parvati, Krishna og andre guddommer, figurer av giverkonger og dronninger fra Chola-dynastiet.

I XVII-XVIII århundrer. Sør-indiske bronse mister i stor grad sine kunstneriske kvaliteter.

De viktigste karakteristiske trekkene og tradisjonene til middelaldersk Brahman-kunst, undersøkt på eksemplet med de verneverdige monumentene, fikk uavhengig og original utvikling og kunstnerisk tolkning i en rekke lokale kunstskoler. Disse tradisjonene og kanonene levde spesielt lenge i det ekstreme sør i India, i Vijayanagar.

Dannelsen av store muslimske stater i Nord-India ble ledsaget av dramatiske endringer ikke bare i det politiske og sosioøkonomiske livet, men også på kultur- og kunstområdet. Med fremveksten av Delhi-sultanatet, begynte en ny stor retning innen arkitektur og kunst å utvikle seg og raskt styrkes, konvensjonelt kalt "indo-muslim" i litteraturen. Interaksjon mellom middelalderske kunstskoler i Nord-India

Iran og Sentral-Asia kan spores tilbake mye tidligere. Men nå har prosessen med interpenetrasjon og sammenveving av de kunstneriske tradisjonene i disse landene blitt spesielt intens.

Av de tidligste arkitektoniske monumentene i Delhi-sultanatet, har ruinene av Quwwat ul-Islam-moskeen i Delhi (1193-1300) med sin berømte minaret Qutb Minar og katedralmoskeen i Ajmir (1210) nådd oss.

Oppsettet til disse moskeene går tilbake til den tradisjonelle utformingen av gårdsplassen eller søylemoskeen. Men den generelle sammensetningen av disse bygningene indikerer en nær, til å begynne med ganske eklektisk sammenveving av de arkitektoniske tradisjonene i India og Sentral-Asia. Dette sees tydelig i eksemplet med moskeen i Ajmir. Nesten kvadratisk i plan, er den ekspansive gårdsplassen til moskeen omgitt på tre sider av søyleportikoer med fire rader med søyler, dekket med mange kupler. Bønnesalen til moskeen, dannet av seks rader med søyler, åpner ut mot gårdsplassen med en monumental fasade skåret gjennom av syv kjølebuer, hvor den midterste dominerer resten. Men bare dyktigheten til indiske arkitekter i steinmurerkunsten gjorde det mulig å lage en så harmonisk bygning i proporsjoner.

Av de senere monumentene bør mausoleet til Ghiyas ud-din Tughlak (1320-1325) i byen Tughlaqabad nær Delhi nevnes. Den tilhører typen sentralkuppelmausoleer som er utbredt i Midtøsten.

Den sene arkitekturen til Delhi-sultanatet er preget av massivitet, en viss tyngde i det generelle utseendet til bygninger, og alvorligheten og enkelheten til arkitektoniske detaljer.

De samme egenskapene er karakteristiske for den tidlige arkitekturen til Bahmanid-sultanatet i Deccan. Men fra begynnelsen av 1400-tallet, med overføringen av hovedstaden til Bidar, begynte en kraftig bygging her og en lokal unik stil tok form. Tendensen til å skjule massen til en bygning med dekorativ dekorasjon, der hovedrollen spilles, blir mer og mer tydelig.

polykrome belegg og prydutskjæringer. De viktigste monumentene i Bahmanid-arkitekturen er mausoleene til Ahmed Shah og Ala-uddin og Mahmud Gavan madrasah i Bidar (midten av 1400-tallet).

Gudinnen Parvati. Bronse, 1500-tallet

Et enestående monument av pre-Mughal-arkitektur i Nord-India er mausoleet til Sher Shah i Sasaram (midten av 1500-tallet, Bihar). Det massive oktaederet til mausoleumsbygningen, dekket med en enorm halvkuleformet kuppel, reiser seg ved bredden av innsjøen på en kraftig firkantet sokkel, ved hjørnene og sidene av hvilke det er store og små kuppelformede paviljonger. Bygningens generelle utseende, for all dens massivitet, skaper inntrykk av volum og letthet.

Perioden fra XIII til begynnelsen av XVI århundre. er av stor betydning i historien til indisk arkitektur. På denne tiden er det en kompleks prosess med å tenke nytt og omarbeide arkitektoniske former og teknikker som kom fra Sentral-Asia og Iran, i ånden til lokale indiske kunstneriske tradisjoner. I den såkalte hindu-muslimske arkitekturen fortsatte det ledende prinsippet å være den plastiske, volumetriske løsningen av det arkitektoniske bildet.

Travel bygging i Delhi-sultanatet og andre delstater i Nord-India skapte i stor grad forutsetningene for en ny blomstring av arkitektur og kunst på 1500-1700-tallet. under de store mogulene.

I Mughal-arkitektur skilles to perioder tydelig fra hverandre: den tidligere, assosiert med aktivitetene til Akbar, og den senere, hovedsakelig knyttet til Shah Jehans regjeringstid.

Omfanget av bybygging under Akbar var eksepsjonelt stort: ​​nye byer ble bygget - Fatehpur Sikri (70-tallet av 1500-tallet), Allahabad (80-90-tallet) og andre. Som et resultat av omfattende bygging på 60-tallet ble Agra ifølge samtidige en av de vakreste byene i verden.

Av det store antallet arkitektoniske monumenter fra denne tiden, er de mest kjente Humayun-mausoleet (1572) i Delhi og katedralmoskeen i Fatehpur Sikri.

Humayuns mausoleum er den første bygningen av denne typen i Mughal-arkitekturen. I sentrum av parken, anlagt etter reglene for sentralasiatisk parkkunst, reiser en åttekantet mausoleumsbygning, bygget av rød sandstein og trimmet med hvit marmor, seg på en bred base. Den viktigste hvite marmorkuppelen er omgitt av en rekke åpne kuppelpaviljonger.

Arkitekturen til Fatehpur Sikri-bygningene gir eksempler på sammensmeltingen av elementer fra sentralasiatisk-iransk og indisk arkitektur til en unik og uavhengig arkitektonisk stil.

Den store moskeen ved Fatehpur Sikri er et rektangel med vegger orientert langs kardinalpunktene. Veggene, blanke på utsiden, er omgitt på nord-, øst- og sørsiden av søyleportikoer på innsiden. Den vestlige veggen er okkupert av en moskébygning. I midten av den nordlige veggen er mausoleumene til Sheikh Selim Chishti og Nawab Islam Khan, fra sør er hovedinngangen - den såkalte Buland Darwaza, som er en majestetisk bygning der trekkene til den monumentale arkitekturstilen av Akbar-tiden ble legemliggjort. Denne bygningen ble bygget i 1602 for å minne om erobringen av Gujarat. Basen er dannet av 150 brede steintrapper av en enorm portal, som ble kronet av et åpent galleri med miniatyrkupler og flere kuppelformede paviljonger på den øvre plattformen.

Søyle laget av rustfritt metall. Delhi

I den senere perioden, hovedsakelig knyttet til Shah Jehans regjeringstid, fortsatte byggingen av monumentale bygninger. Denne perioden inkluderer slike monumenter som katedralmoskeen i Delhi (1644-1658), perlemoskeen (1648-1655) der, mange palassbygninger i Delhi og Agra og det berømte Taj Mahal-mausoleet. Men i den generelle karakteren av arkitekturen på denne tiden er det en avvik fra Akbars monumentale stil og en tendens til reduksjon av arkitektoniske former. Rollen til det dekorative prinsippet er merkbart forbedret. Intime paviljonger med utsøkt, sofistikert dekorasjon er i ferd med å bli den dominerende typen bygninger.

Manifestasjonen av disse trendene kan sees i eksemplet med Itimad uddoule-mausoleet i Agra (1622-1628). I sentrum av parken er det en mausoleumsbygning i hvit marmor. Arkitekten bygde den i en ånd av paviljonger, og forlot de monumentale formene som er tradisjonelle for en gravstruktur. Lettheten og ynden i bygningens former understrekes av dens utsøkte utsmykning.

Ornament av Qutub Minar (cirka 1200, Delhi)

I de mange bygningene til Shah Jehan i Delhi er det mest slående rikdommen og variasjonen av dekorative motiver.

Kronen på verket til Mughal-arkitekturen er Taj Mahal-mausoleet (ferdigstilt i 1648) ved bredden av Jumna i Agra, bygget av Shah Jehan til minne om hans kone Mumtaz-i-Mahal. Bygningen, sammen med sokkel og kuppel, er laget av hvit marmor og står på en massiv plattform av rød sandstein. Dens former utmerker seg ved eksepsjonell proporsjonalitet, balanse og mykhet i konturene.

Ensemblet til mausoleet kompletteres av bygningene til moskeen og paviljongen for møter, som står langs kantene av plattformen. Foran ensemblet er det en enorm park, hvis sentrale smug går langs et langt smalt basseng fra inngangsportalen direkte til mausoleet.

I andre halvdel av 1600-tallet, med en endring i den interne politiske kursen under Aurangzeb, opphørte utviklingen av arkitekturen i Mughal-staten.

I India på 1500- og 1600-tallet, sammen med Mughal, var det en rekke lokale arkitektskoler som skapte nye løsninger på tradisjonelle arkitektoniske temaer...

På dette tidspunktet, i Bidar og Bijapur, som hadde opprettholdt uavhengighet fra Mughals i relativt lang tid, spredte en unik type sentralkuppelmausoleum seg, typiske eksempler på dette er Ali-Barid-mausoleet (1500-tallet) i Bidar og mausoleet til Ibrahim II (begynnelsen av 1600-tallet) i Bijapur.

Ved XV-XVIII århundrer. inkluderer en rekke rekonstruksjoner av Jain-tempelensembler på Girnar-fjellet, i Shatrunjaya (Gujarat) og på Abu-fjellet (sørlige Rajasthan). Mange av dem ble bygget tilbake på 10-1100-tallet, men senere rekonstruksjoner endret utseendet sterkt.

Jain-templer var vanligvis plassert i midten av en stor rektangulær gårdsplass, omgitt av en mur, langs den indre omkretsen som det var en rad med celler. Selve tempelbygningen besto av en helligdom, en tilstøtende hall og en søylesal. Jain-templer utmerker seg ved deres ekstraordinære rikdom og variasjon av skulpturelle og dekorative dekorasjoner.

Mausoleet til Taj Mahal. Agra

De berømte templene på Abu-fjellet er bygget utelukkende av hvit marmor. Det mest kjente er Tejpala-tempelet (1200-tallet), kjent for sin interiørdekorasjon og spesielt den skulpturelle dekorasjonen av taket.

I det sørlige India, mestere av sen Brahman-arkitektur på 1600- og 1700-tallet. skapte en rekke fremragende arkitektoniske komplekser. Det var i de sørlige regionene, spesielt i Vijayanagara, at de kunstneriske tradisjonene til den ovenfor beskrevne sørindiske eller dravidiske skolen, som kontinuerlig utviklet seg her fra 800-1100-tallet, ble best bevart. I ånden av disse tradisjonene ble så omfattende tempelkomplekser opprettet som Jambukeshvara-tempelet nær Tiruchirapalli, Sundareshvara-tempelet i Madurai, tempelet i Tanjur osv. Dette er hele byer: i sentrum er hovedtempelet, hvis bygning går ofte tapt blant mange hjelpebygninger og templer. Flere konsentriske konturer av veggene deler det enorme territoriet okkupert av et slikt ensemble i en rekke seksjoner. Vanligvis er disse kompleksene orientert i henhold til kardinalpunktene, med hovedaksen mot vest. Høye porttårn - gopurams - er reist over ytterveggene, og dominerer det generelle utseendet til ensemblet. De har utseendet til en sterkt langstrakt avkortet pyramide, hvis plan er tett dekket med skulpturer, ofte malt, og dekorative utskjæringer. Et annet karakteristisk element i sen Brahman-arkitektur er de enorme vaskebassengene og hallene på sidene med mange hundre søyler som reflekteres i vannet.

I XVIII-XIX århundrer. Det foregikk ganske mye sivil bygging i India. Tallrike slott og palasser av føydale prinser og en rekke betydelige bygninger i mange store byer i India dateres tilbake til denne tiden. Men arkitekturen på denne tiden begrenset seg bare til repetisjon eller søken etter nye kombinasjoner og varianter av arkitektoniske former som allerede var utviklet tidligere*, nå tolket mer og mer dekorativt.

Tempeltårn i Madurai

Sammen med. tradisjonelt indisk blir ulike elementer og former for europeisk arkitektur i økende grad brukt. Disse trekkene til sen indisk arkitektur bestemte dets særegne, bisarre utseende, karakteristisk for mange indiske byer, spesielt deres nye kvartaler.

I andre halvdel av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet. Et betydelig antall offisielle bygninger bygges etter europeiske modeller.

Den falming av tradisjonene for monumentalt veggmaleri nevnt ovenfor betydde ikke i det hele tatt at de sluttet fullstendig i kunsten til folkene i India. Disse tradisjonene, selv om de var i sterkt modifisert form, ble videreført i bokminiatyrer.

De tidligste eksemplene på middelalderske indisk miniatyr kjent for oss er representert av verkene til den såkalte Gujarati-skolen på 1200-1500-tallet. Innholdsmessig er de nesten utelukkende illustrasjoner av religiøse bøker fra Jain. Opprinnelig ble miniatyrer skrevet, som bøker, på palmeblader, og fra 1300-1400-tallet. - på papir.

Gujarati-miniatyrer har en rekke karakteristiske trekk, først og fremst i måten å fremstille den menneskelige figuren på: ansiktet ble avbildet i trekvart sett, og øynene ble tegnet forfra. Den lange, spisse nesen stakk langt utover kinnets kontur. Brystet ble avbildet som altfor høyt og avrundet. De generelle proporsjonene til den menneskelige figuren ble preget av deres vektlagte huk.

Ved hoffet til De store Mughals utviklet den såkalte Mughal-skolen av miniatyrer og nådde høy perfeksjon, hvis grunnlag ifølge kilder ble lagt av representanter for Herat-skolen, kunstnerne Mir Seid Ali Tabrizi og Abd al-Samad Mashhadi. Mughal-miniatyrer nådde sitt høydepunkt i første halvdel av 1600-tallet, under Jehangirs regjeringstid, som spesielt beskyttet denne kunsten.

Etter å ha kommet ut av tradisjonene til klassiske middelalderminiatyrer i Iran og Sentral-Asia, kom Mughal-miniatyrer i deres utvikling nærmere realistiske maleteknikker enn alle andre skoler med orientalske miniatyrer. En viktig rolle i dannelsen av Mughal-miniatyrer ble spilt av ånden av stor interesse for individet og hans opplevelser, interesse for hverdagen som hersket ved Mughal-domstolen. Det er utvilsomt knyttet en lang rekke portretter og sjangerkomposisjoner til dette; Det er betydelig at Mughal-miniatyrer har bevart det største antallet navn på kunstnere og signerte verk for oss, noe som er relativt sjeldent på andre skoler. Sammen med uttrykksfulle portretter, er en betydelig plass okkupert av bilder av palassmottakelser, festivaler og festligheter, jakt osv. Ved å utvikle disse tradisjonelle motivene for orientalske miniatyrer, formidler Mughal-kunstnere perspektivet riktig, selv om de konstruerer det fra et opphøyet synspunkt . Mughal-mestere oppnådde stor perfeksjon i å skildre dyr, fugler og planter. Mansur var en fremragende mester i denne sjangeren. Han tegner fugler med upåklagelig presise linjer, og tegner ut detaljene i fjærdrakten deres med de fineste strøkene og milde fargeovergangene.

Oppblomstringen av Mughal-miniatyrer bidro til utviklingen på slutten av 1600- og 1700-tallet. en rekke lokale malerskoler, da med Mughal-statens tilbakegang, individuelle føydale fyrstedømmer ble sterkere. Vanligvis kalles disse skolene den konvensjonelle samlebetegnelsen Rajput-miniatyr. Disse inkluderer miniatyrskolene i Rajasthan, Bundelkhand og noen nærliggende områder.

Miniatyr av Mughal-skolen, slutten av 1400-tallet. Forsoning av Babur med Sultan Amir Mirza ved Kokhlin nær Samarkand

Favorittemner av Rajput-miniatyrer er episoder fra legendesyklusen om Krishna, fra indisk episk og mytologisk litteratur og poesi. Dens særtrekk er stor lyrikk og kontemplasjon. Hennes kunstneriske stil er preget av en fremhevet kontur, en konvensjonell flat tolkning av både menneskefiguren og landskapet rundt. Farge i Rajput-miniatyrer er alltid lokale.

På midten av 1700-tallet. De kunstneriske kvalitetene til Rajput-miniatyrer synker, og de beveger seg gradvis nærmere folkepopulære trykk.

Kolonitiden i indisk kunsthistorie var en tid med stagnasjon og tilbakegang for de fleste tradisjonelle former for middelaldersk indisk kunst. På slutten av XVIII-XIX århundrer. Funksjonene til original lyse kreativitet er mest bevart i indiske folketrykk og veggmalerier. Når det gjelder innholdet, var veggmalerier og populære trykk hovedsakelig kultkunst: mange brahmanguder, episoder fra religiøse legender og tradisjoner ble avbildet, og sjeldnere ble det funnet scener hentet fra det vanlige livet. De er også nære i kunstneriske teknikker: de er preget av lyse, mettede farger (hovedsakelig grønn, rød, brun, blå), en klar, sterk kontur og en flat tolkning av form.

Et av de betydelige sentrene for indisk populærtrykk var Kalighat nær Calcutta, hvor det var på 1800- og 1900-tallet. En unik skole med det såkalte Kalighat-populære trykket utviklet seg, som hadde en viss innvirkning på arbeidet til noen moderne malere.

I et forsøk på å undertrykke alle manifestasjoner av indisk nasjonal kultur, prøvde den britiske koloniadministrasjonen å danne et lag av befolkningen i landet, hvis representanter, ifølge kolonialistene, var indisk av opprinnelse, ville være engelsk i oppveksten, utdanning, moral og måte å tenke på. Gjennomføringen av en slik politikk ble tilrettelagt av ulike utdanningsinstitusjoner for indianere, programmene og hele undervisningssystemet der ble bygget etter engelske modeller; Disse institusjonene inkluderte noen få kunstskoler, spesielt Calcutta Art School.

På slutten av 1700- og begynnelsen av 1800-tallet. I India dukker det opp en spesifikk retning, noen ganger kalt. Anglo-indisk kunst. Det ble laget av europeiske kunstnere som jobbet i India og tok i bruk noen av teknikkene til indisk miniatyrmaleri. På den annen side, i dannelsen av anglo-indisk kunst, spilte indiske kunstnere en stor rolle, oppdratt i tradisjonene til indiske miniatyrer, men lånte teknikkene for europeisk tegning og maling.

En typisk representant for denne trenden var Ravi Varman (80-90-tallet av 1800-tallet), hvis verk hadde sterke trekk av sentimentalitet og sødme. Denne trenden skapte ingen betydningsfulle verk og satte ikke et merkbart preg på indisk kunst, men den bidro til en viss grad til et nærmere bekjentskap av indiske kunstnere med teknikkene og teknikkene til europeisk maleri og tegning.

Dannelsen av ny, moderne kunst i India på begynnelsen av det 20. århundre. assosiert med navnene til E. Havell, O. Tagore og N. Boshu.

E. Havell, som ledet i 1895-1905. Calcutta Art School, publiserte en rekke verk om historien til indisk kunst, dens innhold og kunstneriske og stilistiske trekk.

Indisk miniatyr av Rajput-skolen, 1600-tallet. Gud Shiva med sin kone Parvaticheniya og de høye kunstneriske verdiene til antikke og middelalderske kunstmonumenter i India. I kunstnerisk og pedagogisk praksis ba E. Havell om å følge de tradisjonelle formene og teknikkene til indisk kunst. Disse ideene til E. Havell viste seg å stemme overens med ambisjonene til den avanserte indiske intelligentsiaen, som lette etter måter for nasjonal vekkelse; Blant de sistnevnte var O. Tagore, en av de mest fremtredende skikkelsene i bevegelsen til den såkalte bengalske vekkelsen.

En enestående offentlig skikkelse og en ekstraordinær kunstner, Obonindronath Tagore samlet rundt seg en betydelig gruppe unge nasjonale intelligentsia og opprettet flere sentre - unike universiteter, hvis hovedoppgave var praktisk arbeid med gjenoppbygging og gjenoppliving av ulike grener av indisk kunstnerisk kultur som hadde falt i tilbakegang under kolonialt slaveri. India.

En annen hovedfigur i indisk kunst på begynnelsen av det tjuende århundre. Det var en maler, Nondolal Boshu, som forsøkte å skape en ny monumental malerstil, basert på tradisjonene med å male huletempel.

N. Boshu og O. Tagore var grunnleggerne av bevegelsen kjent som Bengal-skolen. På 20- og 30-tallet spilte den bengalske skolen en ledende rolle i kunsten i India - de fleste av den tidens kunstnere ble med.

N. Boshu, O. Tagore og deres tilhengere hentet handlingene i verkene deres hovedsakelig fra indisk mytologi og historie. Arbeidene deres, svært forskjellige i måte og stil, inneholdt mange motsetninger. Således kombinerte O. Tagore, i sine imitasjoner av Mughal-miniatyrer, teknikkene som er karakteristiske for det med de for europeisk og japansk maleri. Arbeidet til kunstnere fra Bengal-skolen som helhet kjennetegnes av romantikkens trekk. Men til tross for en rekke svakheter ved arbeidet deres, dets ideologiske orientering, ønsket om å gjenopplive nasjonalt maleri, appellen til rent indiske emner og temaer, kombinert med vektlagt emosjonalitet og individualitet på en kunstnerisk måte, bestemte suksessen og populariteten til skolens skole. maleri laget av O. Tagore og N. Boshu. Mange kjente samtidige mestere av den eldre generasjonen kom ut av det, eller ble sterkt påvirket av det, som S. Ukil, D. Roy Chowdhury, B. Sen og andre.

Et lyst og unikt fenomen er arbeidet til Amrita Sher-Gil. Etter å ha mottatt en kunstnerisk utdannelse i Italia og Frankrike, tok kunstneren, da hun kom tilbake til India på slutten av 20-tallet, en helt annen posisjon sammenlignet med den bengalske skolen, som hun avviste. Kunstnerens favorittemner er hverdagen til den indiske bondestanden i dens forskjellige manifestasjoner. Ved å introdusere dette temaet i indisk kunst, forsøkte A. Sher-Gil i sine arbeider å vise vanlige menneskers situasjon i India på den tiden, takket være at mange av verkene hennes har et snev av tragedie og håpløshet. Kunstneren utviklet sin egen, lyst individuelle stil, preget av en sterkt generalisert linje og en grunnleggende realistisk form. Arbeidet hennes, som ikke ble populær i løpet av kunstnerens levetid, ble bare verdsatt i etterkrigsårene og påvirket mange moderne indiske kunstnere.

Indias uavhengighet skapte forutsetningene for en ny fremvekst og utvikling av arkitektur og kunst, selv om separasjonen av Pakistan førte til isolasjon av betydelige kunstneriske krefter.

"Rest" (fra et maleri av kunstneren Amrita Sher-Gil)

Det moderne kunstneriske livet i India er ekstremt mangfoldig, komplekst og selvmotsigende. Tallrike trender og skoler flettes inn i det, og det søkes intenst etter måter for videre utvikling og forbedring. Indisk kunst går nå gjennom en periode med intens ideologisk og kunstnerisk kamp; Prosessen med dannelse og dannelse av en ny original nasjonal kunst finner sted, og arver alle de beste tradisjonene fra flere hundre år gammel indisk kunstnerisk kultur og streber etter å kreativt mestre og omarbeide de kunstneriske teknikkene og midlene til de siste trendene innen verdenskunst.

I moderne indisk arkitektur vokser det frem en bevegelse som søker å skape en ny nasjonal stil ved å gjenopplive og bruke formene og elementene til gammel arkitektur, hovedsakelig fra Guptas tid. Sammen med denne stiliserende bevegelsen er den moderne arkitektskolen Corbusier. nå ekstremt utbredt i India; Corbusier utviklet selv utformingen og arkitekturen til bygninger i Chandigarh, den nye hovedstaden i Øst-Punjab, og bygde en rekke offentlige og private bygninger i Ahmedabad og andre byer. Mange unge indiske arkitekter jobber i samme retning.

I moderne indisk kunst har ulike «ultramoderne», modernistiske og abstraksjonistiske trender, åndelig knyttet til de ekstreme formalistiske bevegelsene innen vesteuropeisk og amerikansk borgerlig kunst, blitt utbredt. Abstraksjonistiske tendenser i arbeidet til indiske kunstnere er ofte sammenvevd med dekorative og stiliserende teknikker. Disse øyeblikkene er spesielt slående i verkene til slike mestere som J. Keith, K. Ara, M. Husain, A. Ahmad og andre.

"De går ut på havet" (fra et maleri av kunstneren Hiren Dash)

En annen retning innen maleri er også veldig utbredt, og vender seg til de berømte monumentene i antikkens og middelalderens India på jakt etter måter å gjenopplive nasjonal kunst. For å fortsette tradisjonene til den bengalske skolen, søker kunstnere av denne bevegelsen i hulemaleriene til Ajanta og Bagh, i Mughal og Rajput-miniatyrer, i folketrykk, ikke bare etter plottene og temaene til verkene deres, men også etter nye, ennå uutforskede billed-, tekniske og komposisjonsteknikker. Sammen med symbolske og historisk-mytologiske komposisjoner utvikler de også temaer fra folkelivet i sine malerier. Deres kunstneriske stil er preget av en generalisert konvensjonelt dekorativ tolkning av form. Et slående eksempel er arbeidet til Jamini Roy, en kunstner av den eldre generasjonen og en av de mest betydningsfulle mesterne i denne bevegelsen. Han arbeidet i den tidlige perioden av sin kreativitet på samme måte som den bengalske skolen, og vendte senere i sin søken mot populært trykk og utviklet en klar, jevnt avrundet omriss, en enkel sterk form, monumental og lakonisk komposisjon og strenge farger som er karakteristiske for hans påfølgende verk. I samme ånd, men hver på sin individuelle måte, arbeider slike fremtredende kunstnere som M. Dey, S. Mukherjee, K. Srinivasalu og andre. Realistiske maleteknikker er ikke fremmede for dem.

"Sirkel etter sirkel" (fra et maleri av kunstneren K. K. Hebbar)

Sammen med disse trendene vokser og forsterkes en bevegelse i indisk kunst, og utvikler temaer fra det moderne hverdagslivet til folkene i India ved å bruke realistiske virkemidler. Verkene til kunstnere fra denne bevegelsen reflekterer med stor uttrykksfullhet, kjærlighet og varme bildene til vanlige mennesker i India; funksjonene i deres liv og arbeid formidles veldig poetisk og vitalt sannferdig. Dette er maleriene og grafiske verkene: A. Mukherjee ("Dammen i landsbyen"), *S. N. Banerjee («Transplanting Rice Seedlings»), B. N. Jija («The Malabar Beauty»), B. Sena («The Magic Pond»), H. Das («Going Out to Sea»), K. K. Hebbar («Circle after» Circle»), A. Bose (portrett av R. Tagore), skulptur av Ch. Kara (portrett av M. K. Gandhi) og mange andre.»

Disse hovedretningene uttømmer på ingen måte mangfoldet av kunstneriske bevegelser og den individuelle unike ved arbeidet til indiske kunstnere. Mange mestere, i sin kreative søken etter nye veier, bruker et veldig bredt arsenal av visuelle virkemidler og skaper verk på en lang rekke, ofte motstridende, måter.

Fin kunst i India opplever nå en periode med kraftig utforskning innen ideologisk innhold og kunstnerisk form. Nøkkelen til dens vellykkede og fruktbare utvikling er den nære forbindelsen mellom avanserte indiske kunstnere med livet og ambisjonene til det indiske folket, "med menneskehetens bevegelse mot fred og fremgang.

I disse salene utførte tempeldansere rituelle danser.

På moskeens territorium er det en berømt rustfri metallsøyle som dateres tilbake til det 4.-5. århundre. n. e. Mange indere tror at de vil være heldige hvis de kan vikle armene rundt en søyle med ryggen mot den.

Indisk maleri
Tradisjonen med å male på det indiske subkontinentet går tilbake til en fjern fortid. Bevis på den høye dyktigheten til indiske kunstnere er freskene som har overlevd til i dag i hulene i Ajanta og Ellora, buddhistiske manuskripter på palmeblader, miniatyrmalerier av Mughal- og Rajput-skolene og mye mer.
Gjennom tegning uttrykker det indisk klassiske maleriet livsgleden, gavenes gaver, religiøse følelser og åndelig perfeksjons triumf. Et karakteristisk trekk ved indisk maleri er fraværet i det, i motsetning til europeisk maleri, av temaet tragedie.
Indisk klassisk kunst kan deles inn i to typer: veggmalerier (fresker) og miniatyrer. Over tid utviklet disse typene seg til en blanding av forskjellige stiler, og påvirket hverandre. For eksempel dukket senere indiske tempelveggmalerier opp fra hulemalerier.

Cave (stein) fresker
Historien om bergkunst på den indiske halvøya går tilbake til det 2. årtusen f.Kr. e. Et slående eksempel på dette er grottefreskene i Bagh og Sittanavasala. Freskene til Ajanta og Ellora, oppført som UNESCOs verdensarvsteder, fortjener spesiell oppmerksomhet og er en skattekiste av gammel kunstnerisk kunst.

Ajanta-grottene(Ajanta), som dateres tilbake til det 2. århundre. f.Kr. - V århundre AD, var en gang boligen til buddhistiske munker. Senere, forlatt, antas det, under storhetstiden til Ellora, ble de glemt til 1819. Oppdaget ved en tilfeldighet av et britisk jaktselskap, avslørte grottene for verden den høyeste kunstneriske ferdigheten i det gamle India. Grottene inneholder mange praktfulle malte fresker tempera. Ajanta-freskene ble restaurert på 1920-tallet og skildrer historier fra Buddhas liv, samt kongelige og følge. I dag er Ajanta bergkunst anerkjent som en historisk arv og kulturell arv i India.

Ajanta veggmaleri

Padmapani Bodhisattva (Ajanta)

I huletempelkomplekset Ellora(Ellora) steinfresker er hovedsakelig bevart i Kailasa-tempelet. Noen av dem skildrer guden Vishnu og hans kone Lakshmi, andre - himmelske kurtisaner apsaras, og rishi- hellige vismenn.

Ellora fresker

hugget inn i fjellet Bagh grotter(Bagh), som ligger i Madhya Pradesh, er kjent for sine veggmalerier. Ifølge legenden ble disse hulene grunnlagt av den buddhistiske munken Dataka. Tidligere ble det antatt at Bagh-hulene dateres tilbake til 700-tallet. n. e., men vegginskripsjonene som er funnet i dem indikerer at hulene ble opprettet i perioden fra 4. til 6. århundre. AD
I det 10. århundre med nedgangen til buddhismen ble hulene forlatt, men i 1982 ble de restaurert. De mest kjente freskene i Bagh er fullført tempera.

Bagh

Bagh fresker

Sittanavasal-hulen(Sittanavasal/Chithannavasal) er et fint eksempel på bergkunst fra middelalderens India, som ligger i delstaten Tamil Nadu. Grotten er et klippeskåret Jain-tempelkloster kjent som Arivar Koil, som dateres tilbake til 700- og 900-tallet. n.t. Det er kjent for sine fresker, som ble malt med vegetabilske og mineralske malinger på et tynt lag med våt gips. På veggene er avbildet en vakker lotusdam, dansende figurer av mennesker, dyr, fugler.

Sittanavasala

Indisk miniatyr

Miniatyrmaleri er en elegant form for maleri fra det indiske subkontinentet. Høydepunktet i denne kunsten er det komplekse og delikate børstearbeidet. Maling for å male miniatyrer ble tradisjonelt laget av naturlige materialer: mineraler, planter, edelstener, gull, sølv, bløtdyrskjell. Å male miniatyrmalerier er en svært kompleks, møysommelig kunst, hvor ikke en eneste detalj står uten oppmerksomhet.

Øst-indisk skole for miniatyrmaleri XI - XII århundrer
Pala malerskole
De tidligste eksemplene på indiske miniatyrer dateres tilbake til perioden med regjeringstiden til det buddhistiske Pala-imperiet, som dekket territoriene til det moderne Vest-Europa. Bengal, Bangladesh og Bihar. Palas miniatyrer er illustrasjoner av religiøse buddhistiske manuskripter fra 1000- til 1100-tallet. Stilen til Pala-skolen er dyktige, grasiøse linjer, dempede toner, dyktig modellering av figurer og bruk av naturlige farger. Denne naturalistiske stilen minner om de perfekt støpte formene til bronseskulpturer og gjenspeiler Ajanta-freskene. Pala-skolen legger vekt på den symbolske bruken av farger i malerier, avledet fra tantrisme.

Bodhisattva Maitreya (Pala)

Mamaki (Pala)

Heruka (Pala)

Vestindisk skole for miniatyrmaleri XII - XVI århundrer
Jain miniatyr
Den vestindiske stilen med miniatyrmaleri utviklet seg og dominerte i territoriene Gujarat, Rajasthan og Malwa. En av drivkreftene for kreativiteten i denne regionen på den tiden var jainismen, som ble beskyttet fra midten av det 10. århundre. til slutten av 1200-tallet. herskere av Chalukya-dynastiet. En enorm mengde religiøs Jain-litteratur ble mye brukt blant datidens adel og velstående kjøpmenn. Mange av disse manuskriptene er bevart i dag i Jain-bokdepoter (Bhandara) mange steder i Vest-India. Tegningene i disse manuskriptene er svært stiliserte og forvrengte. Vekten i Jain-miniatyr er på misforholdet mellom kroppsdeler, øyne, hofter og bryst, på deres betydelige overdrivelse. Jain-skolen for miniatyrmaleri legger vekt på rene farger, kraftige gylne konturer og minimale klær.
Siden 1400-tallet. Den persiske kunststilen begynner å påvirke den vestindiske malerskolen. Dette er bevist av typene ansikter i maleriene som er iboende i persisk maleri, formene til blomstrende trær, tilstedeværelsen av jaktscener, gress som vokser i hauger, himmel og skyer. Denne påvirkningen er spesielt merkbar i bruken av ultramarin og gullfarger, som dominerer i den visuelle kunsten i Persia. De tidligste eksemplene på persisk maleri i India var illustrerte manuskripter, hvorav mange ble kopiert og gradvis spredt over hele Hindustan.

Baahubali (Jain miniatyr)

Mughal skole for miniatyrmaleri
Mughal miniatyrmaleri gjenspeiler en kombinasjon av indisk og persisk stil. Det dukket opp som en kunst under Mughal-keiseren Humayuns regjeringstid (1530-1540; 1555-1556). Da han kom tilbake til India fra Persia, hvor han var i eksil, tok Humayun med seg to persiske kunstnere, som la grunnlaget for utviklingen av Mughal-miniatyrmaleri. Over tid dannet persisk maleri, etter å ha absorbert lokale tradisjoner, sin egen karakteristiske stil. Hovedtemaene til Mughal-miniatyrer er scener med jakt, kamp, ​​scener fra hofflivet, øyeblikk fra legendariske historier, naturlandskap, bilder av dyr og portretter.

Jahangir

Under beskyttelse av keiserne Akbar, Jahangir og Shah Jahan steg Mughal-malerskolen til et nytt stadium i utviklingen. Under Akbar den stores regjeringstid (1556-1605) var det en stor vekst av kunstverksteder. Hundrevis av kunstnere jobbet ved hoffet, etter stilen grunnlagt av to persiske malere som en gang ankom India med Humayun. Siden keiser Akbar elsket legender og historier, var hovedtemaene i denne perioden scener fra Mahabharata, Ramayana og persiske epos.
Under keiser Jahangirs regjeringstid (1605-1627) fikk kunsten enorm støtte, spesielt maleri. I løpet av denne perioden blir malestilen mer raffinert, fargene lysere og dempet. Sammen med portretter, bilder av dyr, fugler og natur, er hovedtemaene i maleriene hendelser fra Jahangirs liv. Et slående eksempel er illustrasjonene til "Jahangir-nama" (keiserens selvbiografiske dagbok).
Under Shah Jahans regjeringstid (1628-1658) ble følsomhet i malerier gradvis erstattet av kulde og alvorlighet. Temaene til maleriene dreide seg om musikalske verk, forelskede par og hellige asketer.
Trenden i utviklingen av maleri, notert under regjeringene til Akbar, Jahangir og Shah Jahan, begynte gradvis å avta da keiser Aurangzeb (1658-1707) kom til makten. Uten å gi tilstrekkelig støtte til kunstnere, markerte keiseren begynnelsen på tilbakegangen til Mughal-maleriet. Og allerede på midten av 1700-tallet. Under regjeringen til Shah Alam II (1759-1806), forsvant kunsten å male Mughal nesten, og etterlot seg bare én gren, kjent som Rajput-malerskolen.

Keiser Akbar

Rajput skole for miniatyrmaleri
Siden Aurangzebs regjeringstid ble hoffkunstnere, forlatt uten beskyttelse av det keiserlige hoffet og deres levebrød, tvunget til å søke tilflukt i andre land. Gradvis flyttet til Rajasthan, begynte mesterne i Mughal-maleriet å gjenopplive Mughal-miniatyrer, men under spesiell påvirkning av lokal kunst. Dette er hvordan hvert av Rajput-fyrstedømmene utviklet sin egen stil. Imidlertid har de alle lignende funksjoner som utviklet seg under Mughal-domstolen. Over tid ble Rajput-miniatyrer større og flyttet til de indre veggene til palasser og fort. Hovedtemaene for Rajput-maleriet er historier fra Mahabharata og Ramayana, lokale landskap og menneskers hverdagsliv, samt historier fra Bhagavata Purana, Krishna Lila og Ragamala. Lokale kunstnere skaffet maling for maling fra naturlige materialer.

Ny jente i haremet

Krishna og gopiene

Ragamala(bokstaver. "girland of ragas (melodier)") den emosjonelle og musikalske stemningen som formidles av tegnespråket er et klassisk eksempel på sammensmeltingen av maleri, poesi og musikk, nedfelt i vakre miniatyrer. Dette er et maleri basert på ulike indiske musikalske motiver fra ragaer. Det vanlige temaet for ragamalas er kjærligheten mellom en mann og en kvinne. Absolutt alle ragamals er avbildet i spesifikke farger, avhengig av tidspunktet på dagen eller sesongen der visse ragaer utføres. Dette gjøres med sikte på å formidle følelsene og stemningen som fremkalles av ragaene.

Pahari malerskole
Det antas at Pahari-maleriet er en refleksjon av Rajput-miniatyrmaleriet, som utviklet seg og blomstret mellom 1600- og 1800-tallet. på land som er underlagt Rajput-prinsene (regioner i de moderne delstatene Himachal Pradesh og Jammu og Kashmir).
Pahari-maleri kan klassifiseres innenfor to stilistiske skoler, nemlig basoli Og guler-kangra.

I uminnelige tider har provinsen Jammu vært delt inn i uavhengige fyrstestater, blant dem har Basohli alltid okkupert et viktig sted, der det berømte kunstsenteret oppsto. Denne stilen med samme navn har sin opprinnelse i Basohli/Basholi og spredte seg vidt og gradvis forvandlet seg til andre kjente Pahari-malerstiler, nemlig Chamba, guler, kulu Og mandi. Basoli-maleri gjenkjennes lett på sine energiske, dristige linjer og livlige farger (rød, sennep og blå). Den er også preget av geometriske mønstre, blank emalje, slående ansikter med høye panner og uttrykksfulle øyne som lotusblader og klær i Mughal-stil. Favoritt-temaene til den tidens artister var scener fra Gita Govinda, Bhagavata Purana og Ragamala.

Basoli

Med den gradvise forsvinningen av basolistilen på midten av 1700-tallet. stil dukket opp på arenaen for indisk kunst kangra eller guler-kangra, oppkalt etter Kangra-regionen der den oppsto. Skolen til Kangra-malermestere utviklet seg og ble populær, og begynte å skille seg merkbart ut i fjellområdet. Denne stilen har sin opprinnelse i det lille fyrstedømmet Guler, som ligger på territoriet til det moderne Kangra-distriktet i Himachal Pradesh. Et trekk ved Kangra-stilen er den utbredte bruken av grønne nyanser. Denne stilen er mer enn naturalistisk, siden stor oppmerksomhet rettes mot detaljene i den omkringliggende naturen: blomstrende planter, vinstokker, bekker, naturlige elementer. I verkene sine bruker kunstnere primærfarger, og fortynner dem med delikate, friske nyanser. Komposisjonene til mange malerier består av komplekse landskap. Men mestere i Kangra-stilen legger spesiell vekt på femininitet, og skildrer kvinner som grasiøse og sofistikerte. Inspirert av kulten av bhakti, som hadde spredt seg på disse stedene på den tiden, skildret kunstnere historier fra Gita Govinda og Bhagavata Purana i maleriene sine.

Kangra

Deccan malerskole
Deccan-skolen, som utviklet seg på territoriet til Deccan-platået fra 1500-tallet, absorberte malertradisjonene til Malawi-sultanatet, så vel som de sørindiske tradisjonene til Vijayanagara-malerskolen. Fremragende eksempler på maleri fra Malawisultanatet er det illustrerte manuskriptet til Kalpa Sutras, datert fra 1439, samt avhandlingen om matlagingskunsten, Nimat Nama.

Illustrasjon for Nimat Nama

Deccan malerskolen er preget av rike og lyse farger, noe som setter den i kontrast til skolene i nord. Hovedfargene i Deccan miniatyr er blå, rød og rosa. Symmetri spiller hovedrollen her. Menneskefigurer, arkitektoniske strukturer, trær, blomster, puter, folder i klær og til og med plasseringen av ulike deler av kroppen er plassert på lerretet slik at balansen opprettholdes i alt.

Deccan miniatyr

Mange av eksemplene på Deccan-maleri fra 1500-tallet. designet i persisk stil, siden lokale kunstnere var etterkommere av malere fra Persia invitert til India. Men over tid ble de persiske elementene stort sett erstattet av lokale.
Senere, da Mughal-maleriet begynte å trenge inn i territoriet til de Deccan-sultanatene Ahmednagar, Bijapur og Golconda med keiser Aurangzebs maktovertakelse, ble Deccan-skolen forvandlet, og inkorporerte dens spesielle egenskaper.
Det mest kjente eksemplet på maleri Ahmednagar(Ahmadnagar) er et illustrert manuskript av diktet "Tarif-i-Hussain Shahi" på persisk, som forteller Husain Nizam Shahs regjeringstid 1565-1569.

Maleri Bijapur(Bijapur) er kjent for sine illustrasjoner for boken "Stars of Science" (Nujum-al-ulum) med en rekke miniatyrer laget i en karakteristisk persisk stil. Et særtrekk ved denne stilen er overfloden av gylden farge og mange blomstrende planter, siden persiske malermestere jobbet ved hoffet til Ali Adil Shah, som regjerte fra 1558 til 1580.

Golconda(Golkonda) stil ligner også på persisk.

Golconda miniatyr

Migrasjonen av kunstnere fra Mughal-staten bidro til fremveksten av nye malerisentre på Deccan-platået, som Hyderabad. Hyderabadi(Hyderabad) malerskole begynte å utvikle seg etter etableringen av Asaf Jahi-dynastiet i 1724. Hovedkarakteristikkene ved Hyderabad-malerstilen er, i likhet med Deccan-stilen, rike og uttrykksfulle farger.

Hyderabad miniatyr

Tradisjonene til Deccan-malerskolen viste seg å være så sterke at selv til tross for nedgangen til Deccan-sultanatene, fortsetter de å leve og glede øyet.

Sør-indisk maleri

Tanjore-maleri
Tanjore-maleri er en av de mest populære formene for klassisk sør-indisk maleri. Tett fylling, en overflod av luksuselementer, lyse farger, samt bruk av innlegg med halvedelstener, perler og flerfarget glass skiller Tanjore-stilen fra andre typer maleri. Dette relieffverket gir maleriene en tredimensjonal effekt.

Tanjore-maleriet oppsto på 1000-tallet. under det tamilske Chola-dynastiets regjeringstid. Denne kunsten ble også beskyttet av prinsene fra Nayak-dynastiet. Fallet til Vijayanagara-imperiet førte til en massiv migrasjon av Vijayanagara-kunstnere til Tanjore (Thanjavur), noe som førte til en blanding av kunstneriske stiler og brakte den unike Tanjore-malerskolen til et nytt utviklingsstadium. Under Chola-dynastiets regjeringstid ble tidlig Tanjore-maleri bare funnet i form av fresker på veggene til templer og palasser. Senere, med overvekt av innflytelsen fra Nayaka-dynastiet, begynte fresker å vike for malerier. Et slående eksempel på Tanjore-maleri fra Chola- og Nayaka-tiden er freskene til Brihadishwara-tempelet i Thanjavur.

Maleriene til Tanjore-skolen kan enten være ganske store eller veldig miniatyrer. Hovedtemaene i Tanjore-stilen er bilder av guder, gudinner, hellige personligheter, scener av palass og offentlig liv. Den sentrale karakteren i maleriene er alltid tegnet i detalj. Figurene i Tanjore-maleri har avrundede former og er ganske massive. Den klassiske tradisjonelle designen ble påført med naturlige fargestoffer på treplanker kjent som Palagai Padam (Palagai betyr treplanke, Padam betyr design) som tre ble brukt til jackfrukt(Artocarpus heterophyllus) eller teak(Tectona grandis). Moderne kunstnere bruker vanlige malinger og kryssfiner som lerretet er strukket på.

Mysore-maleri
Mysore-stilen, som Tanjore-stilen, regnes som en klassisk form for den sørindiske malerskolen, som er en avlegger av Vijayanagara-skolen. Det utviklet seg i fyrstedømmet Mysore (Karnataka), underordnet Vijayanagara-imperiet. Siden 1399 ble Mysore styrt av Wadyar-dynastiet, som støttet utviklingen av kunst, spesielt maleri, som nådde sitt høyeste høydepunkt i denne perioden. Mysore-kunstnere malte vegger og tak i templer og palasser med maleriene sine. Et tydelig eksempel på tidlig Mysore-maleri er det fortsatt fungerende Virupaksha-tempelet ved Hampi, som dateres fra 700-tallet. AD

Fragmenter av tempelmalerier i Hampi

I likhet med Tanjore-stilen fascinerer Mysore-stilen med sin skjønnhet og kompleksitet i utførelsen. Dempede toner, raffinement og fine detaljering av objekter er hovedkarakteristikkene til Mysore-maleriet. Hovedtemaet i Mysore-maleriet er bilder av guder og gudinner, samt scener fra hinduistiske og jainske epos. Mysore-maling er utført på tykt papir limt på en treplate. Tidligere ble naturlige fargestoffer og gullfolie brukt til å lage malerier, men i dag, i stedet for naturlige malinger, bruker kunstnere akvareller.
I dag presenteres malerier laget i Mysore-stilen av innbyggere i Sør-India som en suvenir.

Andre stiler av indisk kunst

Madhubani
Ifølge legenden, maleriet madhubani(madhubani), eller som det også kalles Maithili/Mithila, oppsto som en kunst under regjeringen til den legendariske herskeren av landet Videha, kong Janaka. Palasset til Janaka, faren til prinsesse Sita, lå i byen Mithila. For bryllupsseremonien til den eneste, og derfor elskede, datteren til Sita og prins Rama, beordret kongen å dekorere palasset sitt. Siden den gang er ikke et eneste bryllup komplett uten å dekorere innerveggene i hus med vakre malerier.
Opprinnelig ble malerier malt på innvendige vegger av hus ved hjelp av fersk gips. Gipsmørtel ble fremstilt av jord blandet med kumøkk. Maling ble utført utelukkende av kvinner og kun i anledning et bryllup. Så veggmaleri kalt av lokalbefolkningen Bhitta Chitra(Bhitta Chitra), har vokst til en kulturell tradisjon som har blitt hedret i århundrer.
Temaene i Mithila-maleriet dreier seg om hinduistiske guder, himmellegemer, solen og månen, hellige planter, samt scener fra livet knyttet til alle slags feiringer, hovedsakelig bryllup.

Dette tradisjonelle maleriet har fem karakteristiske stiler: Bharni, Katchni, Tantrik, Godna og Gobar. De tre første stilene ble grunnlagt og praktisert av kvinner fra overklassen (brahminer). Hovedfokuset for disse stilene er religiøse temaer som skildrer guder og gudinner. De to andre stilene inkluderer aspekter av hverdagslivet så vel som guddommelig symbolikk (uten avbildninger av guder og gudinner) og utføres av kvinner i lavere klasse (shudras).
For å lage maling brukes kun naturlige fargestoffer hentet fra planter eller andre naturlige stoffer. Til svart brukes kull eller sot, til hvitt brukes rismel. Gul farge er hentet fra gurkemeierot, blå farge er hentet fra indigofera tinctifera. (Indigofera tinctoria) , rød - fra hibiskusblomster (kusam / kusam) eller rød sandeltre, grønn - fra blader. Malerier males enten med pensel eller med pinner, noen ganger bare med fingrene.

Fram til 1934 var Mithila-maleriet utilgjengelig for omverdenen. Det var først etter det alvorlige jordskjelvet i 1934 som rystet staten Bihar at Madhubani-maleriet ble offentlig kjent.
Mens han inspiserte skadene på husene, ble den britiske offiseren William G. Archer lamslått og fascinert av skjønnheten og originaliteten til bildene han fant dekorere de indre veggene til bygningene. Som et resultat av denne oppdagelsen gikk Mithila kunst opp til neste stadium av utviklingen. Under tørken 1966-68, som førte til hungersnød i regionen, med sikte på å popularisere Mithila-maleriet, samt gi lindring til den nødlidende befolkningen, anbefalte fru Pupul Jayakar (senere leder av All India Crafts Council) subsidierer lokale håndverkere, og inviterer dem til å male maleriene sine på papir og lerret. I dag er Madhubani-maleri viden kjent over hele India og også i utlandet.

Pattachitra
Pattachitra er et tradisjonelt folkemaleri av folket i Orissa. Patta betyr tøy og chitra betyr bilde. Maling utføres på silke eller bomull, som limes på papir. Hovedtemaet til pattachitra er scener fra Bhagavata Purana og Gaudiya Vaishnava-kulten. Lokale håndverkere kjent som chitrakars(chitrakar), holder seg til klassiske tradisjoner ved å bruke naturlige fargestoffer i arbeidet sitt.
Det er også en rekke pattachitra kjent som tala pattachitra(Tala Pattachitra), dvs. maleri på palmeblader.

Bengalsk pata-maleri
Vest-Bengal har sin egen ekvivalent av pattachitra - dette er tradisjonelt maleri pata. Maling utføres på bomull, silke eller annet stoff. For fargestoffer brukes kun naturlige materialer. Motivene til maleriene kan enten være hinduistiske religiøse motiver av Vaishnava (Vaishnava) overtalelse, eller historier relatert til buddhisme. Naturtemaer (dyr, marint liv og planter) er også veldig populære.

Kalamkari(kalamkari) er en spesiell teknikk for å male eller stemple på bomullsstoff eller silke ved hjelp av organiske fargestoffer. Denne typen kunst kom til India fra Persia i middelalderen. Oversatt fra farsi kalam- dette er en "penn, skrivepinne", og karri betyr "ferdighet/kunst". Kalamkari er delt inn i to stiler: Srikalahasti-stil og Machilipatnam-stil.
I Srikalahasti kalamkari(shrikalahasti kalamkari) maling gjøres for hånd ved hjelp av en kalam - en pinne laget av bambus eller daddelpalme, som er fylt med organiske fargestoffer. Først tegnes omrisset av tradisjonelle mønstre, og deretter males med farget maling. Hovedtemaene i denne stilen er historier fra Ramayana, Mahabharata og Puranas, samt Buddhas liv. I gamle tider prydet fargerike paneler med bilder av guder i Srikalahasti Kalamkari-stil veggene til templene. Omreisende utøvere iscenesatte forestillinger ved å bruke enorme lerreter som skildrer historier fra Puranas (gamle indiske skrifter) malt med denne teknikken.

Machilipatnam kalamkari(machilapatnam kalamkari) maler på stoff med trestempler. Denne stilen utviklet seg under Mughal-regjeringen og fikk spesiell beskyttelse fra Golconda-sultanatet. Et særtrekk ved denne stilen er persiske blomstermotiver.
Ulike tekstilprodukter som veggpaneler, gardiner, sengetepper, puter, vesker, samt sarees og capes er laget ved hjelp av kalamkari-teknikken. I dag, som for mange århundrer siden, er kalamkari den viktigste inntektskilden for mange familier i Andhra Pradesh.

Gond maleri(gond) er en form for indisk folkekunst praktisert av Gond-stammen, en gang det største stammesamfunnet i Sentral-India. Begrep gond kommer fra Dravidian kond, som betyr "bakke". Selv om Gond-maleri hovedsakelig er en stammekunst i og rundt Madhya Pradesh, er denne formen for kunst ganske utbredt i Andhra Pradesh, Maharashtra, Chadisgarh og Orissa.
I følge den eldgamle troen til Gond-stammen bringer vakre bilder sikkert lykke til og avverger onde ånder. Derfor har tradisjonen med å dekorere vegger og gulv i boliger med stiliserte tegninger overlevd til i dag. Gondene, selv om de bekjenner seg til hinduismen, forblir tilhengere av animisme, så maleriene deres er utstyrt med respekt for hele verden rundt dem, det være seg fjell, skoger eller elver. Noen av bildene forteller historien til folket, samt indiske legender og myter. Kunstnere maler maleriene sine med korte strøk og prikker. Fargene som brukes i Gond-maleriet er lyse og fulle av livlighet. Til maling brukes tradisjonelt kun naturlige fargestoffer, som kull, jord, kumøkk, juice av knuste blader og blomster. Imidlertid har papir-, blekk- og akrylmaling blitt aktivt brukt i det siste, noe som gir maleriene holdbarhet. På grunn av sin egenart har Gond maleri tatt en sterk plass på verdensmarkedet. I dag er ikke bare veggpaneler etterspurt, men også suvenirer (penner, kopper og alle slags pyntegjenstander) malt med denne teknikken.

Maleriet Madhubani (som betyr skog av honning) oppsto i en liten landsby i delstaten Maithili i India.
Madhubani-malerier er typisk preget av dristige farger, tradisjonelle geometriske design, fantastiske figurer med store uttrykksfulle øyne, fargerik natur. Disse maleriene skildrer historier fra mytologi og favorittkarakteren er Lord.
Opprinnelsen til Madhubani- eller Maithili-maleriet kan ikke spores. Mithila regnes for å være kongedømmet til kong Janaka, far til Sita. Kunsten som var utbredt på tidspunktet for Ramayana i Mithila kan ha forvandlet seg gjennom århundrene til Maithili-kunst. De eldgamle veggmaleriene til Bihar har spilt en betydelig rolle i utviklingen av denne kunstformen.

Miniatyr maleri

Som navnet antyder, refererer miniatyrmaleri til verk som er små i størrelse, men rike på detaljer og uttrykk. Miniatyrmaleri av India representerer et bredt utvalg av kategorier, inkludert en overflod av Mughal-miniatyrmalerier som skildrer scener av høvisk liv og samtidige personligheter, hendelser og handlinger fra Mughal-tiden.
Hovedtrekket ved miniatyrmaleri er de intrikate tegningene med en tynn børste og lyse farger laget av halvedelstener, havskjell, gull og sølv.
Indiske miniatyrer utviklet i løpet av Mughal-riket (XVI-XIX århundrer) fulgte de beste tradisjonene til persiske miniatyrer. Selv om miniatyrmaleri utviklet seg i Mughal-domstolene, ble stilen adoptert av hinduene (Rajputs) og senere av sikhene. Mughal-miniatyrmaleri blomstret under regjeringene til Akbar, Jahangir og Shah Jahan. Det er ganske mange malerier som har overlevd til i dag.

Gond-maleri er en av stammekunstformene som oppsto i det sentrale India. Denne kunsten ble inspirert av åsene, bekkene og skogene der gonderne bodde.
og sosiale skikker er avbildet av Gond-kunstnere som en serie prikker og streker som er intrikat konstruert til former.
Gondmaling ble utført på vegger, tak og gulv i landsbyhus for å feire skikker og høytider. Gondene tror også at maleriene deres bringer lykke.
Maleriene er en kombinasjon av jordfarger og levende fargetoner som gjenspeiler livet i lerretet.
Måten å gjøre Gond-maling på kan spores tilbake til den eldgamle tatoveringskunsten som er vanlig blant gonderne.
Maleriene reflekterte folklore og stammehistorier sunget av vandrende poeter og sangere. Å reflektere historie i kunst har vært en vanlig praksis i India.

Den sørlige staten er kjent for sitt Tanjore-maleri. Som en kunstform som blomstret i Tanjore fra før, er denne malestilen fortsatt populær og allment anerkjent. Maleriene er laget med innlegg av halvedelstener, glass og gull. De ser veldig vakre ut og gir storhet til stedet de dekorerer.
Heltene i disse maleriene er hovedsakelig guder med store runde ansikter og dekorert med mønstre. Denne kunstformen blomstret fra 1500- til 1700-tallet i Tanjore under dynastiet, var under beskyttelse av prinsene, Nayak, Naidu, og ble ansett som hellig.
Populariteten til denne kunsten falt sammen med tidene da store templer ble bygget av forskjellige herskere, og derfor dreide temaet seg om guddommens tema.
Denne malestilen har fått navnet sitt fra produksjonsmetoden: "kalam" betyr "håndtak" og "kari" betyr "arbeid". Kunstnerne brukte utsøkte bambushåndtak dyppet i vegetabilske fargestoffer.
Designene er laget av fine linjer og intrikate mønstre.
Denne malestilen ble utviklet i Kalahasti nær og Masulipatnam nær Hyderabad.

Kalamkari kunst

Kalamkari oppsto i nærheten av templer og har derfor et mytologisk tema. Noen Kalamkari-malerier viser spor av persisk innflytelse i motiver og mønstre. Kalamkari-maleri blomstret under Maratha-regelen og utviklet seg som en stil kalt Karuppur. Det ble brukt på gullbrokadestoffer for kongelige familier.

Anjali Nayyar, magasinet Indian Herald